L'Elixir du Dr. Funkathus

Aurélie et Verioca : Au-delà des Nuvens

2012-02-16T23:41:00.001+01:00

Avant de les écouter, on se dit qu'Aurélie et Verioca sont des inconscientes. Que deux Françaises se lancent dans la musique brésilienne, c'est très bien mais la première chose que vous leur souhaiterez sera peut-être juste de ne pas craindre le ridicule. Pour exceptionnel que cela paraisse, Além des Nuages, le premier album d'Aurélie et Verioca n'offre aucune prise au sarcasme. Aucune réserve mais une belle surprise devant une telle réussite. Leur musique est techniquement irréprochable et d'une sensibilité toute personnelle.

Si vous en doutez encore, un coup d'œil à la liste des participants devraient achever de vous convaincre. Que Guinga, Marcelo Pretto et Casuarina soient de la partie est un sacré gage*. La reconnaissance par de très grands musiciens brésiliens du talent et de la sincérité de ces deux femmes. Car il n'y a nul calcul dans leur démarche, seulement un amour au long cours pour le Brésil, sa culture et ses musiques.

Si l'album s'ouvre un beau chorinho en français et portugais, "Reconciliação", Aurélie et Verioca ne se contentent pas d'un seul style. Elles embrassent aussi allègrement MPB, couleurs nordestines et samba. Et Dieu sait qu'il faut du culot pour se frotter au samba.

Du culot ? De l'inconscience ? En tout cas, de l'humilité et du talent.

Reprenons le cours des choses... pour rappeler qu'une telle démarche ne se nourrit pas que de passion et d'água de coco mais suppose un investissement poussé, un apprentissage sur la durée, des années de pratique. Verioca n'est pas née de la dernière pluie. Depuis sa sortie du conservatoire, elle creuse son sillon brésilien, en décortique toutes les subtilités pour mieux trouver la voie de ses propres compositions... Multi-instrumentiste, elle est une formidable guitariste et une percussionniste inventive. Alors qu'elle avait déjà sorti deux albums en solo où elle jouait de tout, l'arrivée d'Aurélie Tyszblat au chant l'oblige à s'ouvrir. En témoignent les prestigieuses collaborations sur cet album.

Les rôles semblent bien répartis, à Verioca les musique, à Aurélie les paroles. Ce duo complémentaire a aussi adopté un mélange de français et de portugais qui, sur le papier, pourrait sembler bancal ou forcé mais qui, à l'écoute, est tout en naturel et fluidité. Si Aurélie commence une phrase en français, il n'y a aucune contradiction à ce qu'elle la finisse en portugais. Mais c'est aussi sur ses épaules, ou plutôt sa voix, que repose la crédibilité du projet.

Leur position de Françaises passionnées de musique brésilienne est interrogée. Outre la richesse et la complexité de cette musique, on pourra toujours se demander si cette attitude, vivre ici dans la culture de là-bas, n'est pas une fuite de la réalité. Et, comme vous vous en doutez, à travers leur propre questionnement, c'est ma propre posture que j'interroge. Consacrer un site à la musique brésilienne vue de France pourra plus encore être considéré comme une fuite hors de notre réalité. Faire de la musique brésilienne en France ne l'est-il pas aussi ? Aurélie et Verioca sont-elles à la musique brésilienne ce que l'Orquesta de la Luz est à la salsa ou Osaka Monaurail au funk ? Un duo aussi givré que ces combos japonais et leur troublant mimétisme à l'égard des originaux ? Eh bien, non. Leur musique est éminemment personnelle, faisant sienne la fameuse anthropophagie culturelle brésilienne : les influences sont si bien digérées qu'elles nourrissent la production d'une œuvre originale.

Et va-t-on, de nos jours, demander à tous ces groupes de pop-rock hexagonaux s'ils trouvent cohérents d'avoir choisi l'anglais pour s'exprimer ? On peut pourtant se sentir plus d'affinités latines avec la culture brésilienne qu'avec les climats anglo-saxons, non ? Aurélie et Verioca devancent la question et interroge cette situation sur le morceau "Será que eu sou francesa".

Cette idée de mélange des ingrédients se retrouve sur le ludique "Ratatouille" où le toujours impressionnant Marcelo Pretto vient faire ses rythmes de bouche et percussions corporelles : Aurélie aime l'idée qu'avec des ingrédients communs, personne ne préparera la ratatouille de la même façon !

Parmi les autres temps forts de Além des Nuages, l'adaptation avec l'aval de la famille de Baden Powell du "Canto de Ossanha" en "Pour un Homme qui dit non" est une réussite ayant bien saisi l'esprit de l'original. Mais, évidemment, ce formidable exercice de samba, "Viver é Ser Feliz". A ce moment du disque, on se pose la question : y a-t-il déjà eu des musiciens français pour si bien réussir un samba ? Aucun nom ne me vient à l'esprit. Certes, la présence de Casuarina n'est pas pour rien dans la réussite du morceau mais n'empêche, bravo !

Si le titre de leur album nous fait forcément penser à un film de Michelangelo Antonioni, Par-delà les Nuages, nous sommes aux antipodes des thèmes du cinéaste : l'incommunicabilité et le caractère fugace de l'amour. Aurélie et Verioca œuvre au rapprochement et à la "reconciliação". Au-delà des nuages, c'est bien sûr un ciel bleu qu'elles nous tendent.

Concerts :

02 mars : La Soupape, Bruxelles

10 mars : Le JAM, Montpellier

15 mars : Satellit' Café, Paris (dans le cadre du festival Paris / Brasil)

17 mars : La Quadra, Arles

Puis en mai, viendra le temps d'une petite tournée au Brésil, de Rio à São Paulo, en passant par Belo Horizonte.

Le site officiel...

D'ici là, vous pourrez découvrir prochainement une interview d'Aurélie et Verioca que j'ai réalisé il y a quelques jours...

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* L'album compte aussi avec les participations de Philippe Baden Powell, Paula Santoro, Osman Martins, Pierrick Hardy et quelques autres...

Céu dans le rétroviseur, fidèle à son image

2012-02-15T23:36:00.001+01:00

Le nouvel album de Céu est sorti hier au Brésil, et sortira le mois prochain en France. Il s'appelle Caravana Sereia Bloom. Elle en a annoncé la couleur avec le clip de la chanson "Retrovisor" que je vous présente aujourd'hui. C'est d'ailleurs de son tournage qu'est tirée la photo de sa pochette.

Pour ce troisième album, allait-elle évoluer dans la continuité des précédents ou opérer un virage de style ? Même si j'ai depuis quelques semaines eu la chance de l'écouter afin de le chroniquer, je n'en dirais guère plus aujourd'hui. Si ce n'est qu'il ne faut pas forcément se fier à ce premier extrait pour se faire une idée de la couleur de l'album...

Sur ce "Retrovisor", on sera certes sensible au charme du morceau et de son interprète mais Céu semble presque surjouer son style. "Retrovisor" n'évite pas la redite.

Parmi les albums les plus attendus de 2012, on trouve notamment ceux de Lucas Santtana, Rodrigo Campos, Gaby Amarantos et bien sûr celui de Céu, Caravana Sereia Bloom. En deux albums, Céu s'est imposée à l'international comme l'égérie de la nouvelle génération de chanteuses brésiliennes. Pour le monde, elle a endossé avec grâce le rôle d'ambassadeur de la scène indé de São Paulo. Mais il règne là-bas une telle émulation que son album se devait d'être à la hauteur de ceux de ses consœurs... Mais de cela, nous en parlerons une prochaine fois, très vite.

Sur ce clip, on la retrouve qui cultive son image sensuelle toute de langueur et d'abandon, et son style hippie chic. Tournée à Vila Velha, sur l'île d'Itamaracá, dans le Pernambouc, cette vidéo de Renan Costa Lima et Ivo Lopes Araújo suit Céu dans sa déambulation, dans la campagne, le long d'une route, pour la filmer sous toutes les coutures... Une belle lumière, de belles images et, même si le charme agit, rien de franchement nouveau non plus.

En attendant de lire prochainement la chronique de Caravana Sereia Bloom, ce très bel album, vous pouvez télécharger "Retrovisor", ici :

Juremir, de la Patagonie avec Houellebecq et du disque caché au fond du tiroir

2012-02-14T23:08:00.004+01:00

Sorti en septembre dernier, En Patagonie avec Michel Houellebecq est un carnet de voyage, le récit de quelques jours de vacances entre amis. Son auteur, Juremir Machado da Silva est devenu proche de Houellebecq après avoir traduit en portugais Extension du domaine de la lutte, son premier roman, publié par une petite maison d'édition de Porto Alegre, Sulina. S'il est sociologue, journaliste, professeur, traducteur, etc..., Juremir est avant tout un homme de lettres, un écrivain tout terrain. Outre de ce voyage et de littérature, j'ai quand même voulu le faire parler de musique...

Il est difficile de trouver plus francophile que le Gaúcho Juremir. S'il a déjà publié en français, notamment Le Brésil, pays du présent, chez Desclée de Brouwer, adapté de sa thèse de sociologie, il est regrettable que ses romans ne soient pas encore traduits. Car malgré toutes ses casquettes, c'est à son œuvre littéraire que Juremir est attaché par dessus tout. Juremir écrit tout le temps. On peut discuter autour de lui, il trouvera quand même le moyen d'écrire son article, ce qui est très impressionnant. Il a déjà publié une vingtaine de livres, entre romans et essais.

Je ne vais pas faire semblant : Juremir et sa femme Claudia sont mes amis de vingt ans. Ensemble, nous avons passés nos années de doctorat, entre conversations sans fins, parties de foot du samedi. Quand il est arrivé en France pour faire sa thèse, Juremir avait un sacré bagage. Il enseignait déjà à l'université à Porto Alegre, avait publié plusieurs livres dont une paire de romans. Il était ami avec Edgar Morin et Jean Baudrillard, avait déjà interviewé la plupart des grands penseurs français. En tant que journaliste adepte de la polémique, il s'était également mis à dos la moitié de la ville ! Jamais froid aux yeux, il ne craignait pas de se faire des ennemis, peut-être parce qu'en contre-partie, il a un sens de l'amitié qui dépasse celui du commun des mortels.

Cela fait plusieurs années que nous ne nous sommes pas vus, aussi avons-nous fait cette interview en vidéo-conférence le soir où Criolo donnait un concert à Porto Alegre, le 1er novembre 2011. Si nous l'avions enregistré ces derniers jours, nous aurions probablement parlé de Wando. Car si nous avons évoqué ici-même le chanteur brega romantique décédé la semaine dernière, Juremir lui a rendu un bel hommage sur son blog, appréciant que celui-ci soit "brega com sentimento" !

"Morreu o cantor Wando.
Ele era muito brega.
Eu também sou.
A breguice de Wando era o romantismo meloso.
As calcinhas perfumadas distribuídas nos shows.
Assim como as rosas do rei Roberto Carlos.
Pode haver algo mais brega do que ser o “rei”?
Wando era maravilhosamente brega"

Mais nous avons eu cette conversation il y a quelque temps déjà et nous avions convenu qu'elle porte principalement sur Michel Houellebecq et ce fameux voyage en Patagonie. Mais nous avons quand même parlé de musique, y compris d'un disque secret... Un des plaisirs cachés de mon ami. Secret parce que pire que brega...

O. C. : Salut Juremir, mais dis-moi, ce soir, tu n'es pas au concert de Criolo ?

Juremir Machado da Silva : Qui ça ?

O. C. : Criolo, tu connais pas ? Je croyais que c'était devenu un phénomène au Brésil. C'est la révélation de l'année. Il est à Porto Alegre ce soir. Il passe à l'Opinião, tu connais la salle ?

Juremir Machado da Silva : Oui, je la connais. C'est ton Criolo que je ne connais pas… Mais il va bientôt y avoir un concert de João Gilberto à Porto Alegre, ce qui est très rare. Et après il y aura aussi Chico Buarque.

O. C. : Chico, c'est plus sûr, parce que João Gilberto, il risque d'annuler au dernier moment.

Juremir Machado da Silva : Mais, tu vois, pour aller voir Chico Buarque, ça coûte 200 R$, ce qui est le prix normal, et pour aller voir João Gilberto, ça coûte 1000 R$, cinq fois plus (près de 450 euros, ndla !!!) ! João Gilberto, comme il fait très peu de concerts, il peut demander des prix absurdes.

O. C. : Et puis, c'est une légende vivante !

Juremir Machado da Silva : Oui, ce sera peut-être la dernière fois. Mais, pour moi, ça sera la première (le concert a finalement été annulé, comme c'était prévisible, ndla).

O. C. : João Gilberto et Chico Buarque, ce sont tes vieilles références musicales. Depuis que je te connais, tu m'en parles…

Juremir Machado da Silva : Mais maintenant que tu me parles de ce Criolo, je vais chercher ! Pour savoir qui s'est...

O. C. : Depuis le temps qu'on se connaît, je suis content de voir enfin un de tes livres traduit en français. Car je sais que ce sont tes romans qui te tiennent à cœur et que tu aimerais voir publiés ici. Pour revenir à celui-ci, ce voyage en Patagonie avec Michel Houellebecq ne craignais-tu pas que ça devienne ce que tu appelles un "plan d'indien" ? C'est-à-dire un plan foireux, un truc complètement raté et improbable. Tu n'avais pas peur que le dépaysement et l'isolement fassent ressortir une tension ou une sorte d'incommunicabilité ?

Juremir Machado da Silva : La maison d'édition m'a envoyé tous les articles qui ont été publiés sur le livre. Je les ai lus et il y en a quelques uns qui disent que c'est moi qui ai entraîné Houellebecq en Patagonie. Mais ce n'est pas vrai, c'est lui qui m'a invité à aller en Patagonie. C'est lui qui avait cette idée. Et quand on échangeait des e-mails pour organiser son voyage à Porto Alegre, il m'a dit, à un moment donné, qu'il fallait que je lui organise un voyage en Patagonie et pour savoir si j'étais partant pour qu'on y aille ensemble. Comme Claudia, ma femme, avait ce rêve d'aller en Patagonie, alors j'ai dit oui. Après, évidemment, on se demandait si ça allait marcher parce que Houellebecq est un peu replié sur lui-même. Est-ce qu'il va bavarder, ouvrir la bouche ou passer tout le temps sans rien dire ? Il y avait cette inquiétude mais l'idée, au départ, était de lui. Moi, j'aime ce type de choses, c'était une occasion intéressante pour être ensemble, discuter, bavarder avec lui, et pour voir la Patagonie. Et ça a marché à la fin. Houellebecq est vraiment différent au quotidien. Je me sentais en me promenant avec lui comme si j'étais avec un copain comme toi. On discutait. Ce n'était pas comme si je promenais avec le grand écrivain, il n'est pas comme ça. C'était comme des copains qui se taquinaient, qui disaient n'importe quoi. C'était très simple. Et il a même commencer par prendre des initiatives. Il disait par exemple, "bon, c'est moi qui me charge d'aller chercher du vin". Nous sommes même allés acheter des chaussures. J'avais besoin d'acheter une paire de chaussures et lui, ça l'a beaucoup amusé. Nous sommes allés en Patagonie pour briser la glace et c'était chaleureux.

Maintenant, je trouve ça intéressant de voir ce qu'écrivent les journaux : il y a des clichés. Et c'est bien sûr pareil au Brésil. Les choses doivent se passer d'une certaine façon même si ce n'est pas vrai. Donc j'ai appris avec ce livre là, en lisant ce que les journaux ont écrit, que les journalistes français sont exactement comme les Brésiliens. Ils organisent la réalité d'une certaine façon et il faut que ça soit comme ils l'ont imaginé même si c'est le contraire !

O. C. : Mais ça tu ne le découvres pas, tu as vécu en France, tu sais que les clichés sont courants dans la presse.

Juremir Machado da Silva : Il y a par exemple un truc amusant. Je crois que c'est l'AFP qui a commencé ça. Et beaucoup de journaux de certaines villes françaises l'ont répété. C'est l'histoire des pingouins-manchots et des loups de mer-lions de mer. Pour nous, les oiseaux qui existent en Patagonie, ce sont des manchots. Mais j'ai lu qu'en français, on utilisait de plus en plus le même mot pour parler des pingouins et des manchots. C'est-à-dire les manchots, eux, ils peuvent voler. Tandis qu les pingouins qui sont dans le Nord, eux ne volent pas. Donc, nous, ce sont des manchots. Mais dans notre conversation, Houellebecq et moi, principalement à cause de moi, on disait 'pingouins'. Et j'ai mis 'pingouin' dans le texte. Et quand Erwann le traducteur a voulu mettre manchot, je lui ai dit de laisser 'pingouins'. Et Erwan s'est fait critiquer et a eu des remarques disant qu'il ne s'y connaissait pas en zoologie. Mais ce n'est pas sa faute, c'est moi, parce que dans notre conversation on parlait de pingouin. Et pareil pour le lion de mer. En Patagonie, on utilise les deux mots pour le même animal. Et on a une discussion dans le livre. Je dis : "est-ce que ce sont vraiment des loups de mer ou est-ce que ce sont des lions de mer ?" Et Houellebecq dit : "ce sont des lions de mer". Et, finalement, j'ai demandé : "est-ce que ce ne sont pas des éléphants de mer ?". Lui, il me disait, "non". Mais, donc, on discutait sur les noms utilisés. Ce n'était pas une conversation scientifique. Et je lisais les journaux qui écrivaient : c'est dommage qu'ils aient utilisé improprement pingouins et loups de mer. Il y a même une remarque bizarre. Je ne sais pas si c'était Libération qui écrivait : "ils ont utilisé pingouin et loups de mer et le CNRS n'a même pas sourcillé" ! C'était un bavardage, c'était pas scientifique.

O. C. : Je me rappelle très bien ce passage, ça fait presque deux ans que je l'ai lu, quand tu m'avais envoyé le manuscrit. Je m'en rappelle. C'était un des plus amusants du livre donc ça ne m'a pas étonné que la presse reprenne les anecdotes et cite les passages où Houellebecq parle du mauvais exemple que donnent les loups de mer et le bon exemple que donnent les pingouins.

Il y a une question que j'ai envie de te poser depuis des années mais tu ne m'as jamais vraiment répondu quand je t'en parlais. Alors qu'on insiste souvent sur la dimension sordide pour évoquer Houellebecq et ses livres, il y a un des aspects de ses romans qui me semble complètement sous-estimé : ils sont drôles ! Il fait partie des auteurs les plus drôles que je connaisse. Et, franchement, il est assez rare de vraiment rire lors d'une lecture. En raison de ton amitié avec Michel Houellebecq, je t'ai demandé plusieurs fois de lui poser la question mais tu ne m'as jamais répondu : rigole-t-il lui même pendant qu'il écrit ? Cherche-t-il à être drôle ? Tu m'as souvent dit que vous rigoliez bien ensemble, qu'il avait de l'humour mais comme romancier, est-ce une dimension de son œuvre à laquelle il est attaché ?

Juremir Machado da Silva : Tu as raison, Houellebecq, c'est quelqu'un qui cherche l'ironie et la satire. Il veut vraiment trouver les mots qui blessent mais, en même temps, qui font rire. Je suis toujours étonné de voir qu'on dit que son écriture était plate. Son but n'est pas d'enjoliver les phrases mais d'être caustique, sarcastique. Il nous a raconté que ça donne beaucoup de travail d'arriver à provoquer cet effet sarcastique. Donc je trouve que c'est un style difficile à construire. Il faut avoir l'inspiration, trouver les mots et il les trouve ! Son but n'est pas de faire des phrases difficiles ou jolies…

O. C. : Mais la question c'est : est-ce qu'il rigole tout seul en écrivant ?

Juremir Machado da Silva : Ca, je ne sais pas. Je crois. Moi, je rigole énormément en lisant Houellebecq. Je trouve ça intelligent, ça fait rigoler. Je trouve ça étonnant quand j'entends qu'il a une mauvaise humeur incroyable, qu'il n'aime rien du tout, qu'il déteste tout le monde. Non ! C'est un mec qui s'amuse énormément. En discutant du monde, il se moque. Il y a eu aussi un journaliste qui a critiqué en disant qu'il s'attendait à beaucoup plus d'informations sur la façon dont Houellebecq travaille, comment il construit les personnages. Mais, pendant ce séjour, je crois qu'il ne voulait pas trop parler de ça.

O. C. : Ben, il était en vacances !

Juremir Machado da Silva : Je crois que ça n'est pas venu. Moi, j'étais là pour faire un livre, je n'étais pas là pour faire des entretiens. On parlait. J'ai simplement raconté ce dont on parlait de façon spontané. On s'amusait, on bavardait, on buvait. Donc je ne posais pas des questions en me disant, "tiens, il me manque ça". C'est après coup que je me suis dit : tiens, mais, finalement, je peux écrire un livre sur ça.

O. C. : Pour parler de musique. Ce que j'ai remarqué en lisant le livre, c'est que vous aviez un goût en commun. Vous êtes tous les deux admiratifs du style de Charles Trénet.

Juremir Machado da Silva : Moi, j'adore Charles Trénet. Et Houellebecq, il était gentil, vraiment sympathique. Il le chantait pour moi. Mais je ne sais pas s'il aimait vraiment.

O. C. : Parce que Trénet, on voit plus le côté positif, presque premier degré, alors que si Houellebecq est plus cynique, sarcastique… Ou alors il aime ça au second degré, il rigole de tant de naïveté ?

Juremir Machado da Silva : Peut-être… Je sais qu'il connaissait les chansons, les paroles et qu'il les chantait très bien. Et ça m'a beaucoup amusé, ça m'a fait plaisir parce qu'il chantait pour moi des trucs que j'aimais bien. Et moi, j'aime vraiment Charles Trénet. Moi, je suis un paysan, j'aime ce côté nostalgique, la "Douce France", "Que Reste-t-il de nos amours", ces choses-là… Je ne pensais pas que Houellebecq sache chanter des choses comme ça, je pensais qu'il était très sophistiqué. Et ça a animé nos soirées. Des petits concerts de Houellebecq juste pour nous.

O. C. : Il a enregistré des disques, tu sais ?

Juremir Machado da Silva : Oui, mais je n'ai jamais vraiment écouté vraiment, juste un peu sur internet…

O. C. : Bon, j'ai un CD à la maison mais je dois bien dire que je ne l'ai jamais écouté. Et toi, pourrais-tu envisager de faire comme lui, d'enregistrer un disque. Et si c'était le cas, quelle musique choisirais-tu comme accompagnement ?

Juremir Machado da Silva : Ce serait impossible pour moi parce que je chante tellement faux…

O. C. : Mais Houellebecq, il ne chante pas non plus, il dit ses textes sur un fond musical...

Juremir Machado da Silva : Bon… J'aimerais chanter mais c'est tellement faux. Cette année, j'ai fait beaucoup de conférences à propos de mes livres. Souvent elles étaient organisées par des mairies. J'ai fait cinquante-trois villes et à chaque fois, il fallait chanter l'hymne national. Mais là aussi c'était tellement faux que j'ai arrêter de chanter. Même l'hymne national.

O. C. : Je sais que c'est un secret mais j'aimerais que tu me parles de ce disque que tu caches au fond d'un tiroir de ton bureau. On parle beaucoup de musique brésilienne dans nos colonnes et quelques lecteurs en sont de vrais connaisseurs mais je suis sûr que, même parmi les plus incollables d'entre eux, personne ne le connaît.

Juremir Machado da Silva : (rires) José Mendes. Ca fait longtemps que je ne l'ai pas écouté. (Il cherche parmi ses disques à portée de main). Ah, ça s'est important : Charles Trénet. Et ça aussi : Yves Simon.

O. C. : Yves Simon ? Mais ça, tu l'écoutes seulement parce que c'est un de tes amis !

Juremir Machado da Silva : Non, non, j'écoute. Et je trouve ça bien. (Brandissant enfin le CD) Ah, voilà José Mendes. Je vais te faire écouter ça. C'est un chanteur de musique régionale, de la musique gaúcha. C'est, disons, très ringard mais j'aime quand même. Tu entends ? C'est sa chanson la plus célèbre. L'accordéon et la façon de chanter sont typiques de l'Uruguay et d'ici, de cette partie du Brésil. C'est aimé par l'équivalent brésilien des lecteurs de Chasse, Pêche, Nature et Traditions. Très ringard.

O. C. : Il y a un accordéon mais c'est quoi comme style ?

Juremir Machado da Silva : Ca s'appelle de la musica gaúcha ou de la musica gaúchesca. C'est la musique traditionnelle du Rio Grande do Sul.

O. C. : Et même parmi tes amis, il n'y a que toi qui écoute ça ?

Juremir Machado da Silva : Mais bien sûr ! Ils trouvent ça horrible (rires) !

O. C. : Pour en revenir à ton livre, il a été bien accueilli par la critique. Cela t'a-t-il permis de nouer des contacts avec des éditeurs pour faire traduire tes romans puisque je ne pense pas que les Editions du CNRS publie de la littérature ?

Juremir Machado da Silva : Si ça se vend bien peut-être que j'aurai des ouvertures pour publier mes romans. Au niveau de la presse, ça se passe bien. Je crois qu'il y a déjà eu une trentaine d'articles dans les journaux, même si ce n'était des gros papiers mais plutôt des petites notes. Mais il y a eu quelques avis très positifs. Christophe Bourseiller, Le Figaro, Le Point...

O. C. : Et tu es déjà sur d'autres projets ?

Juremir Machado da Silva : Oui, je vais écouter Criolo !

A lire :
Juremir Machado da Silva, En Patagonie avec Michel Houellebecq, CNRS Editions (2011)
On a beaucoup écrit sur Houellebecq, souvent en quête de scabreux ou de sensationnel. Voici le récit de moments partagés, dans une certaine forme d'intimité, dans un vrai rapport d'amitié. Houellebecq a accepté la publication du texte de Juremir, sans y opposer la moindre correction, sans lui demander de supprimer les passages qui évoquent le mouchoir qui lui sert de doudou. C'est aussi un beau livre sur la littérature à travers ces échanges entre deux écrivains passionnés. Et c'est l'occasion de découvrir le style de Juremir. Pour le connaître, je le retrouve bien là. Et j'en suis d'autant plus impatient de voir ses romans traduits en français.

Vous pouvez également retrouver Juremir Machado da Silva sur son blog hébergé par le Correio do Povo, un des quotidiens de Porto Alegre.
Et voir son incroyable bibliographie sur sa page Wikipédia...

Wando : une seule "Nega do Obaluaê" et 17 000 petites culottes

2012-02-09T23:23:00.003+01:00

Les hommages à Wando se multiplient dans la presse brésilienne : à soixante-six ans, le chanteur romantique qui vient de mourir d'une crise cardiaque avait trouvé une place bien particulière dans le cœur de ses compatriotes. Jusqu'à sa mort, j'ignorais son immense popularité. J'en étais resté à deux de ses premières chansons, en 1975, une reprise assez groovy de l'inusable "Na Baixa do Sapateiro" et "Nega do Obaluaê", découverte bien plus tard.

Si j'avais aimé ses débuts assez funky, je n'avais pas réalisé que Vanderley Alves dos Reis, dit Wando, était devenu une telle vedette. Quand j'ai vu les premières annonces de sa mort, je n'ai même pas réalisé qu'il s'agissait du même chanteur. Certes, sa silhouette avait considérablement changé. Il a été emporté par une crise cardiaque car, s'il ne buvait ni ne fumait, Wando avait des problèmes de poids. Son organisme ne pouvait supporter les 110 kg d'un type qui ne faisait pas d'exercice et qui mangeait trop gras et trop de viande... Ah, les dégâts du churrasco !

J'avais découvert sa version de "Na Baixa do Sapateiro" il y a une bonne dizaine d'années car elle figurait sur la compilation Brazil 70's sorti à cette époque par les Disques Superclasse. Bien entendu, elle était largement outrepassée sur l'album par des morceaux de Tim Maia et Gerson "King" Combo, respectivement "Terapêutica do Grito" et "Swing do Rei". Mais si inusable que soit le standard d'Ary Barroso, on n'en compte plus les versions superflues, d'où le mérite de Wando d'être parvenu à en faire un truc qui balance bien, inspiré de la vague du samba-rock alors en vogue.

L'année suivante, en 2001, je découvrais sans le savoir un des succès de Wando. Sur leur album Zona e Progresso, Pedro Luis e A Parede reprenaient "Nega do Obaluaê". C'était même un de mes titres préférés d'un excellent album (album où, pour info, ils chantaient également le "Saudação ao Toco Preto" de Candeia). Je n'avais alors pas fait le rapprochement entre son auteur et l'interprète de la reprise funky d'Ary Barroso. Ce n'est que quelques années plus tard, à l'époque où des blogs de musiques brésiliennes avaient vu le jour et proposaient de vieux albums en téléchargement, que je cherchais trace de Wando et de l'album où figurait sa version de "Na Baixa do Sapateiro". Je pensais alors avoir à faire à un obscur chanteur de soul brésilien depuis longtemps relégué à l'anonymat. Et je fus heureux de finalement découvrir cet album de 1975, sobrement intitulé Wando, celui-là même où figurait cette reprise mais aussi ce terrible "Nega do Obaluaê" ! Que je pus donc attribuer à son auteur.

Wando était donc devenu un chanteur à succès. Dans un registre qui avait fait une croix sur la finesse. Car il était chanteur romantique, célèbre pour ses chansons abordant frontalement ces choses-là. Les histoires d'amour entre hommes et femmes. Le sexe. Il avait même gagné le surnom de "chanteur le plus érotique du Brésil", ce qui n'est pas rien. Rappeler que ses plus gros tubes s'intitulent "Fogo e Paixão" ou "Obsceno" devrait permettre de se faire une idée assez imagée de son répertoire. Mais pour comprendre le déclic qui donnera son style inimitable à sa carrière, il faut évoquer son "morceau de bravoure", un geste dont il ne pourra se défaire jusqu'à la fin et que le public réclamera à chaque concert. Cela commença à l'époque de son album Tenda dos Prazeres, en 1990. Il se coiffa sur scène d'une petite culotte. A chaque artiste son indispensable accessoire, à Screaming Jay Hawkins le cercueil, à Alice Cooper le serpent, et à Wando... la petite culotte. Ce rituel bien établi lui donna une originalité probablement enviée par nombre de ses collègues.

Les culottes, il confessait dernièrement en compter plus de 17 000 dans sa collection ! De toutes tailles, formes et couleurs. Car son public féminin était généreux. Plutôt que de lui envoyer des fleurs, les femmes lui jetaient leur petite culotte. Qu'il se faisait ensuite un honneur d'humer passionnément. Parce que j'ai un fond charitable et que je souhaite avant tout honorer sa mémoire, je ne vous proposerai pas la moindre la photo de lui, la culotte sur la figure, mais si vous faites une recherche d'image sur votre moteur de recherche habituel, vous pouvez être sûr que c'est la première qui apparaîtra.

Emporté trop tôt, il avait lancé un blog dédié à la petite culotte, Historias de Calcinhas. Véridique ! Il avait l'ambition d'en faire un projet interactif : "ici, je vous vous raconter mes histoires de culottes, et toi ? Tu vas me raconter les tiennes ?". On en est malheureusement resté à la déclaration d'intention.

Wando était donc une figure, un chanteur romântico-brega, un maître du samba-joia, terme qui désigne le pendant brega du samba. Justement, c'est Gaby Amarantos, la diva du tecnobrega, qui lui a rendu le plus curieux des hommages, avec une déclaration d'une poésie toute surréaliste sinon brega : "cette homme connaissait la valeur d'un café versé dans la culotte" ("Esse homem sabia o valor de um café coado na calcinha").

Criolo à Bahia avec Ilê Aiyê : "Somo crioulo doido e somo bem legal"

2012-01-31T17:14:00.001+01:00

Criolo était ces derniers jours à Salvador pour rencontrer Ilê Aiyê et tourner un nouveau clip haut en couleurs. Pour l'occasion, Criolo a participé à l'enregistrement d'une nouvelle version de l'hymne d'Ilê Aiyê, "Que Bloco É Esse". Un choix tout à fait de circonstance... En effet, cette rencontre entre le rappeur pauliste d'origine cearense et le plus ancien des blocos afros de Bahia était écrite ! Certes pas dans le "Grand Rouleau" mais, plus prosaïquement, dans les paroles originales du morceau :

"Somo crioulo doido e somo bem legal
Temos cabelo duro é só no black power"

Nous rappellerons que jusqu'alors Kleber Gomes était connu dans les cercles du hip hop de São Paulo sous le nom de Criolo Doido, "Créole Fou", et qu'il vient seulement d'abandonner le "doido" !

Fondé par Vovô en 1974, Ilê Aiyê n'est pas seulement le plus ancien des blocos afros de Salvador, c'est aussi le plus intransigeant. C'est dans le quartier de Liberdade, le plus grand quartier noir d'Amérique du Sud en nombre d'habitants, qu'Ilê Aiyê a vu le jour. Il présente la particularité d'exclure de ses rangs les Blancs et les Métis. Il fut donc accusé de racisme alors que personne ne s'était jusqu'alors offusqué que le club de tennis de Bahia soit resté si longtemps interdit aux Noirs.

A l'origine, la formation devait s'appeler Poder Negro mais la police l'aurait interprété comme une menace. Dans l'impossibilité d'adopter ce nom, Vovô se tourna vers les coquillages, les buzios, cette pratique divinatoire du candomblé, pour en choisir un nouveau. Ce fut donc Ilê Aiyê qui sortit, un nom qui signifie en yoruba maison de Noirs !

Dès l'origine, Ilê Aiyê ne s'est jamais éloigné du candomblé. Il faut dire que la figure vénérée du groupe, sa matriarche, était elle-même une très respectée mãe de santos : Mãe Hilda, mère du fondateur Vovô, à la tête du terreiro Ilê Axé Jitolu.

Ilê Aiyê a toujours eu vocation à réinventer son Afrique mythique, fantasmée, tribale. Et comme tous les blocos afros, il a ses propres couleurs : jaune, rouge et noir. Mais s'il a toujours incarné le combat pour la fierté des populations noires brésiliennes, il s'est fait connaître par la grâce de quelques morceaux popularisés par des vedettes nationales : Gilberto Gil a ainsi chanté "Que Bloco É Esse" et Daniela Mercury, "O Mais Belo dos Belos".

Ilê Aiyê, c'est aussi une armée de percussionnistes, comme on en voit tant à Salvador, et qui en fait une des formations emblématiques du genre. Au point d'en être son volcan ? C'est ce que suggère Criolo dans les paroles qu'il a ajouté au morceau : "o volcão da Bahia é o tambor d'Ilê Aiyê / Hoje a terra vai tremer". "Le volcan de Bahia est le tambour d'Ilê Aiyê, aujourd'hui, la terre va trembler" !

Le clip, réalisé par Ricardo Spencer, est construit autour de cette image. On découvre Criolo partir à la recherche d'Ilê Aiyê. Alors qu'il monte vers la ville haute à bord du funiculaire de Pilar, il remarque que l'alarme vibre. Effectivement comme si la terre tremblait. Il se lance ensuite à la poursuite du son des tambours dans les rues de Liberdade jusqu'à rencontrer le bloco et sa sculpturale chanteuse d'Ilê Aiyê, Iracema Killiane, pour y être accueilli et adopté.

Après vingt ans de carrière dans l'underground, Criolo était la plus belle révélation brésilienne de 2011, porté par son fantastique album Nó na Orelha. Il enchaîne la nouvelle année et d'emblée se trouve au bon endroit pour rendre ce bel hommage au bloco afro le plus radical de Bahia.

Le clip a été présenté samedi 28 janvier lors de la Noite da Beleza Negra, d'Ilê Aiyê, la Nuit de la Beauté Noire, où devait être élue la nouvelle Deusa do Ébano, la Déesse d'Ébène.

Quant à Criolo, il sera de retour à Salvador le 5 février pour donner un concert à la Concha Acústica.

Le Retour de D'Angelo

2012-01-29T22:47:00.132+01:00

D'Angelo est en ce moment même sur la scène du Zénith. Ce retour méritait hommage. Annoncée depuis quelques mois, sa tournée européenne demandait confirmation le moment venu. Pensez, après une douzaine d'années d'absence, on pouvait sérieusement douter de son retour. Allait-il une fois de plus faire faux bond ?

Un come-back de D'Angelo ? De l'artiste le plus brillant et charismatique de sa génération ? Si brillant que personne n'a depuis pris sa place, personne ne sort du lot des chanteurs de soul, funk, R&B comme lui s'en détachait à l'époque. Son retour ? On avait presque cessé d'y croire. Il a d'ailleurs tout fait pour qu'on n'y croit plus. Lui, l'auteur de l'album le plus essentiel de ce début de millénaire, Voodoo, semblait avoir pris le gâchis pour compagne. Les rares morceaux inédits qu'il ait proposé pendant toute cette période ne dépassaient pas le stade de la démo ! Seul le titre de l'un d'eux, "I Found my Smile Again", laissait espérer que leur auteur aille mieux et qu'il ait, littéralement, retrouvé son sourire !

Cette longue traversée du désert l'aura vu aux prises avec les abus divers. Classique. De ces années-là a-t-il seulement tiré une "connaissance par les gouffres" ? Même pas.

?uestlove, un de ses amis proches qui était son batteur lors de la tournée de Voodoo, a révélé combien D'Angelo était quelqu'un de tenaillé par le doute. Un aveu qui semblait difficilement imaginable à quiconque a eu la chance de le voir lors de son légendaire concert du Grand Rex, en 2000. Je n'avais jamais envisagé une seconde que ce type puisse douter de lui, comme le soulignait ?uestlove ! Au contraire, l'homme qui était sur scène semblait tellement sûr de son propre charisme. Le type pouvait tout oser. En état de grâce, jouant avec le public et ses émotions. D'Angelo avait un charisme et une présence inouïs.

Pourtant, ?uestlove expliquait combien, certains soirs, c'était un calvaire pour lui de monter sur scène, combien il ne se sentait pas près physiquement à le faire. Que les retards étaient dûs à ses doutes ! D'Angelo se sentait prisonnier de son image, de ce fameux clip de "Untitled" qui l'avait consacré sex-symbol à la musculature parfaitement sculptée ! Aussi, disait ?uestlove, quand son ami ne se sentait pas assez affuté, retardait-il le concert pour se lancer dans des séries de pompes et d'abdos à n'en plus finir !

Au Grand Rex également, il était arrivé très en retard. Les sifflets et les cris montaient dans la salle. L'ambiance brûlait d'une incroyable tension. Puis, l'obscurité se fit et le son lourd suffit à calmer tout le monde. D'Angelo apparut et avait déjà tout le monde dans sa poche. Qui aurait pu imaginer qu'il flippait en coulisses et s'épuisait en exercices !

Alors, ce soir, je ne suis pas au Zénith... C'est dommage. En même temps, même si les premiers témoignages de son concert à Stockholm sont enthousiastes, je doute que cette tournée puisse rivaliser avec celle qui suivit la sortie de Voodoo. Peut-être vaut-il mieux garder le souvenir d'une soirée électrique, d'un groupe de musiciens fantastique qui jouait un funk torride au service d'un artiste au sommet de son art. Peut-être le concert le plus extraordinaire que j'aie jamais vu !

Ces dernières années, on avait compris que D'Angelo allait mal. S'il était familièrement appelé D' tout court par ses proches et ses fans, on rappelera qu'en français, D' tout court, ça se prononce "déprime" ! Les rares images circulant de lui montraient quelqu'un qui avait pris beaucoup de poids. Quand on sait l'importance qu'il attachait à son apparence, on imaginait qu'il devait se sentir au fond du trou, son narcissisme en vrac. Et, en même temps, on mesurait ses contradictions. Car, après tout, il était bien celui qui avait écrit un simili-manifeste pour le livret de Voodoo où il regrettait le manque de spiritualité de ses contemporains. Celui qui y affirmait : "I, personnally, believe in art as it exists in the context of the phrase 'thou art God'. In this phrase, art is the word that connects the individual (thou) to their higher self (God) or to that which is universal". Et Dieu, qu'est-ce qu'il en a bien à foutre que vous ayez des biceps affutés et des abdos en tablettes de chocolat, hein ? D'Angelo devenu bouffi n'avait pas besoin d'un préparateur physique ou d'un diététicien, plutôt d'un bon shrink !

Mais, forcément, quand les seules images d'un artiste que l'on voit pendant des années sont des photos volées où il n'est pas à son avantage, pour rester poli, on sent bien que l'apparence est un sujet épineux pour l'intéressé. Surtout quand les affiches pour ces nouvelles dates de 2012 sont illustrées par une photo d'avant ! Il y a bien malgré nous une curiosité malsaine qui vient nous titiller : à quoi resemble-t-il aujourd'hui ? Est-il toujours bouffi ?

Les premières images de D'Angelo sur scène en 2012 sont rassurantes. Le bonhomme est évidemment plus massif, plus lourd mais il se présente avec un t-shirt sans manches, biscottos à l'air ! N'aurait-il rien compris ?

Bon, n'allez pas croire que je pinaille, qu'importe le physique, bien sûr que je me réjouis qu'il soit en forme plutôt que négligé. Sur les vidéos du concert de Stockholm, il semble détendu, souriant, heureux d'être là et c'est l'essentiel. Le retour d'un si grand artiste est forcément un grand moment. Demain, je me précipiterai même pour chercher des compte-rendus et des vidéos de ce concert au Zénith. Et, surtout, vite la suite ! Je suis franchement impatient de découvrir son nouvel album, qu'il sonne comme un vieux disque de Funkadelic, guitares au vent, ou n'importe... Félicitations à Michael Eugene Archer, dit D'Angelo, pour ce retour. Nous lui souhaitons, après cette longue épreuve surmontée, une belle et longue carrière !

Parce qu'il le vaudou bien : D'Angelo (Re-Post)

2012-01-29T22:35:00.000+01:00

A l'heure qu'il est D'Angelo est sur la scène du Zénith. Un tel come-back de l'enfant prodige méritait bien un petit hommage. Tout d'abord en re-postant un texte publié il y a deux ans et reprenant une chronique de Voodoo que j'avais écrite dix ans plus tôt ! Il se trouve que ce message est la page la plus lue de tout l'Elixir ! Notre number one absolu en terme de visites ! C'était le premier volet d'une série que j'inaugurais et destinée à présenter mes albums favoris de ce début de millénaire et Voodoo était sans discussion possible mon disque favori de cette nouvelle ère.

Parce qu'il le vaudou bien : Voodoo (Les 10 du Millénaire)

Avec quelque temps de retard, je réalisais que nous venions de clore la première décennie de ce siècle et donc du Millénaire. Le genre de date qui invite toujours à un premier bilan. Le déclic eut lieu il y a quelques jours, alors que je découvrais le nouvel album de Build An Ark. Je me faisais la réflexion que Dawn, leur précédente production, était assurément un des disques qui m'était le plus cher de ces dernières années. Du coup, je me demandais : tiens, à propos, c'est quoi mes disques préférés de ce début de 21ème siècle ? Ce en toute subjectivité, bien entendu.

L'occasion de jeter un regard dans le rétro et d'évoquer des coups de cœur inscrits dans la durée, des albums qui auront résisté à l'épreuve du temps. Mes incontournables perso... L'occasion de les évoquer ici sous une bannière grandiloquente : les 10 du Millénaire. Présenté comme ça, ça en jette. Je ne garantis pas que j'irai jusqu'à dix mais commençons...

Premier sur la liste, indétrônable : le Voodoo de D'Angelo, sorti en l'an 2000. Cette année-là, mon podium aurait été complété par le Tudo Azul de la Velha Guarda da Portela et par le Zumbi d'Andrea Marquee, deux disques brésiliens. Ce choix de Voodoo en number one du millénaire prend un tour particulier quand l'on sait que son auteur n'a toujours pas, depuis, sorti de nouvel album. Dix ans déjà ! Puisse 2010 être enfin l'année du retour fracassant de celui qui avait définitivement quelque chose à part, ou de plus, que ses collègues. Un égo ? Une mystique ?

Voilà ce que j'écrivais à l'époque de la sortie de Voodoo dans les colonnes de la revue Cultures en Mouvement...

Parce qu'il le vaudou bien...

Voodoo (EMI), album au titre pour le moins ambitieux, marque le retour de D’Angelo cinq ans après. Révélé par Brown Sugar en 1995, D’Angelo fut d’emblée bombardé tête de file de la « nouvelle » soul, au même titre que Me’shell Ndégeocello ou Erykah Badu, par exemple. Sévère avec ses pairs trop exclusivement dédiés au bizness, D’Angelo a préféré, à la fructification de son capital commercial, une voie qu’il décrit comme spirituelle. Nous n’attendions pas autre chose de celui que Libé a proclamé rien moins que le « Dalaï-Lama de la soul » (et qui ne l’empêche pas de vouloir absolument nous montrer ses abdos). Il n’y a pas dans la voie de D’Angelo le moindre renoncement au corps, au contraire sa musique évolue dans la plus sensuelle des moiteurs. Construite sur des tempos alanguis posés de la frappe sèche d’Amir ?uestlove, batteur de The Roots, accompagnée d’une guitare minimaliste ou de Roy Hargrove aux cuivres, les voix curieusement mises un poil en retrait, la soul de D’Angelo prend le temps d’enfoncer le clou du groove, s’immisce par la longueur des morceaux et reste brute sur cette colonne du beat qui doit autant au hip-hop qu’à cette analogie vaudou librement adaptée. Ce « vaudou » est aussi une référence au « voodoo child », Jimi Hendrix, dont l’esprit a inspiré l’album, d’ailleurs enregistré dans son Electric Lady Studio (mais on trouvera aussi l’influence de Prince sur certains morceaux). Un disque envoûtant, parce qu’il le vaudou bien.

(Olivier Cathus, Cultures en Mouvement n°27, mai 2000)

Dix ans ont passé. Que s'est-il passé, où a-t-il dérapé ? De cette génération, une autre figure emblématique a également explosé en vol à l'orée d'une carrière prometteuse, Lauryn Hill. Wyclef Jean, son partenaire des Fugees, aurait confié à la presse qu'elle serait bipolaire... Mais, dans le cas de Michael Archer, dit D'Angelo, quelle embryon d'explication peut-on évoquer ? Car l'exigence artistique ne suffit plus, dix ans après. Des rumeurs de nouvel album courent depuis plusieurs années sans que rien ne vienne. Un coup, c'est son ami ?uestolve qui dit qu'il s'est remis sérieusement au boulot, un autre coup, c'est D'Angelo lui-même qui annonce un projet dans l'esprit des premiers Funkadelic... Sans suite... A l'arrivée, seules deux chansons circulèrent : "Really Love", dont on dit que c'est ?uestlove lui-même qui serait responsable de sa "fuite" sur le net, et "I Found my smile again", dont le titre laissait espérer que son auteur aille mieux...

De quoi souffrirait-il, bon sang, celui qui faisait se pâmer les filles quand il s'exhibait torse poil, tout en pec' et tablettes de chocolat ? Quelques abus de toxiques, une fréquentation trop assidue des paradis artificiels, ? Bah, rien que de très banal, c'est le travers habituel d'un musicien en panne d'inspiration. Faudrait-il plutôt chercher du côté du narcissisme ? En effet, il est avéré que notre homme a beaucoup grossi. Je suis trop charitable pour vous montrer directement la photo mais certains commentaires l'apostrophaient du style, "eh mec, tu te laisses aller, tu ressembles plus à rien, on dirait le frère d'Ol' Dirty Bastard". Ayant ainsi perdu de sa superbe, lui est-il trop difficile de se montrer aujourd'hui ? Car, pour rester dans la métaphore, alors que Libé le comparait à l'époque au "Dalaï-Lama de la soul", disons qu'aujourd'hui D'Angelo en serait plutôt le Bouddha ventripotent. S'il a souvent comparé sa musique à une quête spirituelle, pareille métaphore devrait l'encourager sur ce long chemin...

"Músico", un extrait du prochain Lucas Santtana en écoute

2012-01-25T21:56:00.003+01:00

Il faudra attendre jusqu'au mois de mars avant de découvrir le prochain album de Lucas Santtana. Pour patienter, voici un premier extrait de O Deus que Devasta Mas Também Cura, son cinquième album. Nous venons d'en dévoiler la pochette, et nous en comprenons mieux le sens après avoir lu l'article que lui a consacré Marcus Preto* pour la Folha de São Paulo. C'est un divorce qui a inspiré le thème de l'album. Le jour où Lucas Santtana a quitté le domicile conjugal, en mai 2010, Rio connaissait une de ses pires tempêtes. Outre la pluie, le sable dans les rues empêchait la circulation, paralysant la ville. D'où cette peinture de Gregory Thielker où le monde est vu à travers une pluie battante sur le pare-brise d'une voiture !

"Músico", cette première chanson que l'on découvre avant la sortie de l'album, est la reprise d'un morceau de Paralamas do Sucesso en collaboration avec Tom Zé... Pour l'enregistrer avec lui, Lucas Santtana s'est entouré d'une équipe de choix. Pensez, on y retrouve CéU, Curumin, Gustavo Ruiz, Maurício Fleury (Bixiga 70), Rica Amabis (Instituto), Bruno Buarque et Marcos Gerez (Hurtmold). Et encore, j'attends encore un peu avant de compléter la liste des musiciens ayant participé à l'album !

En proposant ce morceau en avant-première, Lucas Santtana a voulu remercier le FAM (Fundo de Apoio a Música), le fond de soutien à la musique de la Municipalité de Rio, qui l'a aidé à réaliser cet album.

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* Marcus Preto, "Lucas Santtana transforma fim do casamento em mote do novo CD", Folha de São Paulo (24/1/2012)

La Pochette du prochain album de Lucas Santtana

2012-01-21T21:47:00.001+01:00

Quand nous avions interrogé Lucas Santtana début novembre, il nous avait confié être déjà dans la phase de mixage de son prochain album. Son cinquième. Il me disait qu'on y trouverait toujours beaucoup de samples mais cette fois-ci des "samples symphoniques".

Dernièrement, nous avions appris le titre de l'album : O Deus que Devasta mas Também Cura. Nous venons maintenant de découvrir sa pochette.

Celle-ci est l'œuvre de Gregory Thielker, peintre américain adepte du photoréalisme et dont l'eau est au centre de son travail puisqu'il peint le monde comme vu à travers le prisme d'un pare-brise ruisselant d'une pluie battante.

A signaler également, avant d'avoir pu découvrir l'album, que Lucas Santtana interprétait déjà le morceau "O Deus que Devasta mas Também Cura" sur l'album de Gui Amabis, Memórias Luso Africanas, sorti l'an dernier...

Le site de Gregory Thielker http://www.gregorythielker.com/

Un avant-goût de Nothing for Granted, le nouvel album de Sandra Nkaké...

2012-01-19T22:43:00.000+01:00

Nothing for Granted, le deuxième album de Sandra Nkaké sort le 20 mars prochain. La pochette a été dévoilée. Prochainement, et pour patienter, c'est une interview exclusive que nous proposerons. Une interview qui dessine le portrait d'une artiste entière et sincère, une sacrée personnalité !

Un teaser vient maintenant d'être mis en ligne pour annoncer la couleur de l'album. On y entend un extrait du morceau "Like a Buffalo". On ne s'en étonnera pas car, en novembre, lorsque nous avions pu découvrir les chansons de ce nouvel album lors du concert de Sandra Nkaké à Gignac, c'est le titre qui se détachait. D'ailleurs, Sandra et ses musiciens l'avaient interprété deux fois dans la soirée, le rejouant lors du rappel.

Bertha Butt est veuve de Jimmy Castor

2012-01-17T21:31:00.001+01:00

On a appris hier soir le décès de Jimmy Castor. Personne mieux que lui n'aura su incarner le funk des âges farouches ! Jimmy Castor, né en 1947, a commencé dans le doo-wop, remplaçant la jeune vedette Frankie Lymon au sein des Teenagers, avant de passer au saxophone, ou d'alterner allègrement la musique et la comédie. Avant d'obtenir son plus gros succès avec le fuzzy en diable "Troglodyte (Cave Man)" en 1972, vendu à plus d'un million d'exemplaires et qui figurait sur son deuxième album, It's Just Begun. Certes, on ne saurait réduire Jimmy Castor à Bertha Butt, sa vénus callipyge de Néanderthal, mais c'est pourtant par cette seule figure que nous souhaitons lui rendre hommage. Un hommage que nous lui avions rendu de son vivant dans l'émission Goutte de Funk, sur Divergence-FM, lors d'une édition consacrée exclusivement au booty. "Booty Regression : Petite Cosmogonie de la Paire de Lunes", ça s'appelait.

Le booty était déjà là à l'âge des cavernes, aux temps des troglodytes. Il faisait déjà tourner les têtes et dresser les gaules. En témoigne ce titre de Jimmy Castor, un des plus drôles de l'histoire du funk. Rarement un artiste aura aussi bien rendu le râle viril de nos ancêtres préhistoriques. Le titre étant devenu son plus gros succès, il lui donnera quelques années plus tard une suite, "The Bertha Butt Boogie", du nom de la big woman qui rend fou notre troglodyte. Notre homme des cavernes en quête de plaisir s'en va attraper une femme par la tignasse. Il s'agit de Bertha. Bertha Butt. Mais il s'avère qu'elle est bien plus grande et forte que lui. Car à écouter Jimmy Castor, il est clair que cette Bertha n'a pas la silhouette de Raquel Welch (ou de Rae Dawn Chong) mais semble davantage s'être échappée d'un dessin de Robert Crumb où les femmes sont démesurément plus grandes que les hommes. Ainsi, Bertha aurait aisément pu écraser le troglodyte, à l'inverse, elle se prit d'affection pour lui. Pour leur plus grand plaisir réciproque.

"What we're gonna do right here is go back, way back, back into time.

When the only people that existed were troglodytes... cave men... cave women...

Neanderthal... troglodytes.

Let's take the average cave man at home, listening to his stereo.

Sometimes he'd get up, try to do his thing.

He'd begin to move, something like this : "Dance... dance".

When he got tired of dancing alone, he'd look in the mirror :

"Gotta find a woman gotta find a woman gotta find a woman gotta find a woman".

He'd go down to the lake where all the woman would be swimming or washing clothes or something.

He'd look around and just reach in and grab one. "Come here... come here".

He'd grab her by the hair.

You can't do that today, fellas, cause it might come off.

You'd have a piece of hair in your hand and she'd be swimming away from you (ha-ha).

This one woman just lay there, wet and frightened.

He said: "Move... move".

She got up. She was a big woman. BIG woman.

Her name was Bertha. Bertha Butt.

She was one of the Butt sisters.

He didn't care. He looked up at her and said:

"Sock it to me sock it to me sock it to me sock it to me sock it to me

sock it to me sock it to me sock it to me!".

She looked down on him.

She was ready to crush him, but she began to like him. She said (falsetto):

"I'll sock it to ya, Daddy".

He said: "Wha?".

She said (falsetto):

"I'll sock it to ya, Daddy".

You know what he said? He started it way back then. I wouldn't lie to you.

When she said (falsetto)

"I'll sock it to ya, Daddy",

he said "Right on! Right on! Hotpants! Hotpants! Ugh...ugh...ugh".

C'est ça le problème avec les comiques : même quand il meurent, on rigole encore...

Letieres Leite : "les traditions afro ancestrales nous parviennent par la fibre optique"

2012-01-11T23:47:00.035+01:00

On ne pouvait rêver mieux alors que nous lançons un nouveau projet de site dédié aux musiques brésiliennes et à leur matrice, les afro-sambas, que de traduire une interview que Letieres Leite, maestro bahianais à la tête du formidable big band Orkestra Rumpilezz, vient d'accorder à Guilherme Xavier Ribeiro pour MTV Brésil. Il y analyse la place des musiques afros au Brésil, tout en distinguant deux contextes sociaux très distincts selon que l'on soit dans le Nord ou le Sud du pays.

Nous avions relevé en 2011 que l'afrobeat longtemps ignoré (ou inconnu ?) au Brésil commençait à faire naître des vocations. Les exemples de Metá-Metá, Bixiga 70 ou Pipo Pegoraro figurant parmi les vraies réussites de 2011 en la matière. La réflexion de Letieres Leite embrasse plus large et profond que ce phénomène récent, elle se fait même prophétique, imaginant avec sagesse le futur prochain de la musique mondiale.

Maestro, c'est à vous...

L'afrobeat au Brésil, en temps que musique afro et ses conditions d'émergence :

"C'est un fait, il y a désormais une nouvelle manière de considérer la musique afro-brésilienne. Je me suis rendu compte qu'il y a des gens dans le Sudeste qui cherchent à découvrir la musique ancestrale avec sérieux et beaucoup d'implication et à comprendre ses origines. Des recours à cette musique ont été utilisés sur les disques de Mariana Aydar, dans le projet de Kiko Dinucci, dans celui de Bixiga 70, celui d'Otto et, en quelque sorte, cela finit par constituer un courant au sein duquel on retrouve également des gens du Nordeste, avec les groupes de percussions de Récife ou du Maranhão. Et ce type de recours vaut pour n'importe quel style de musique, ça peut se retrouver dans le rock, l'électro, ou la musique savante.

L'afrobeat est une musique qui ne correspond pas à ses clichés : l'idée qu'il est une musique intuitive. C'est une musique qui exige une véritable science, qui est organisée, qui a de la rigueur, de la complexité, au contraire de ce que les gens peuvent imaginer. C'est une musique qui a une conscience totale de ce qui se passe mais parce qu'elle n'a pas été reconnue au sein du monde académique et par la systématisation rigoureuse de la vision européenne, a toujours cette image de musique mineure. Mais les gens commencent à se rendre compte de sa richesse.

Le Brésil possède une prétendue démocratie raciale qui n'existe pas. Culturellement il y a de très sérieux problèmes de l'acceptation de la culture noire comme culture élaborée. C'est un vrai problème d'identité, d'accepter le métissage des personnes. Le Brésil est noir, il n'est pas blanc.

Que des Noirs soient loin de l'afrobeat, c'est un fait, cela mérite d'être discuté. Cela se produit à Rio et à São Paulo mais moins à Salvador. Les gens qui font de l'afrobeat à Salvador vivent à la périphérie. C'est un phénomène qui date de la fin des années soixante-dix, dans le quartier de Liberdade, à Salvador, où il y avait quelques musiciens. C'est le contraire à São Paulo où seule la classe moyenne y avait accès parce que les informations circulaient à l'intérieur d'un univers virtuel, donc les personnes qui avaient un accès privilégié à internet les découvraient en premier. Mais à Bahia, c'est le contraire. C'était produit à la périphérie et c'est le capitalisme oligarchique qui l'a usurpé de façon asservissante, en utilisant la créativité de la musique produite à la périphérie pour faire de l'argent.

J'ai l'impression que ce mouvement venu du Sudeste et qui a commencé dans un milieu virtuel, dans la mesure où il va s'étendre, va rencontrer un écho à la périphérie. Parce que tu vas difficilement trouver un lieu de prédominance noire au Brésil où il n'y ait pas des gens qui s'identifient à ces rythmes à cause de la religion, comme le candomblé, qui est la matrice de ces rythmes, et du samba. Parfois, les gens l'oublient mais le samba est un rythme afro-brésilien. Son ADN est arrivé amarré dans la cale d'un navire négrier".

Les musiques afro peuvent-elles devenir des musiques de masse ?

"Le risque, c'est que la conception de ces médias de masse consiste à extraire, sans replanter. On prend quelque chose pour en tirer des bénéfices exorbitants et ensuite le jeter à la poubelle. Mais je crois peu probable que cette musique soit absorbée de la sorte. Tout d'abord en raison de ses origines et, ensuite, parce que ces systèmes de mass-médias gigantesques s'effondrent. Aujourd'hui, il n'y a pas de grands arbres, pas de grandes plantations. Les grands conglomérats de production musicale de l'industrie du disque ne font plus aussi peur qu'il y a vingt ans. Auparavant, un artiste restait dans l'ombre de cet arbre gigantesque dans l'espoir d'un jour pouvoir en croquer le fruit. Aujourd'hui, tu parviens, de diverses manières, à faire que ton travail soit diffusé. Je trouve que l'afro est bien engagé sur ces nouvelles voies. La tendance, c'est que la musique ancestrale chemine par la fibre optique. Elle vient de l'argile pour circuler par la fibre optique".

Le futur ?

"La tendance est que la musique ait de moins en moins en elle de traces régionales, car le grand nom de la musique dans le futur sera musique universelle. Je me rend compte que la production équilibre de plus en plus ses divers éléments, plus rien n'est vraiment exacerbé, très technologique ou très acoustique. Tout est utilisé de manière plus intelligente. Et c'est ce qui se passe partout dans le monde, je le vois aussi bien à Istanbul, Buenos Aires ou au Nigéria. Avec moins de notions individualistes et en se soumettant plus au collectif, par le biais de collaborations".

"Negros estão longe desse afrobeat", l'interview intégrale en version originale...

Une Mue spectaculaire

2012-01-08T23:59:00.000+01:00

Cela faisait longtemps que j'en rêvais, c'est désormais réalité. Un vrai site est sur le point de voir le jour pour tout ce qui traite des musiques brésiliennes. Cette fameuse mue spectaculaire évoquée dans la présentation du "programme" de l'année. Le nom de domaine est acheté... Je m'étonne même qu'il ait été encore disponible. Il y a encore beaucoup à faire. D'autant que des échéances professionnelles se mettent de la partie. L'activité de l'Elixir s'en trouve donc considérablement ralentie...

Les archives de l'Elixir y seront également transférées et je m'apprête à passer quelques heures à expurger mes textes des mentions faites à ce havre de passion partagée !

Je ne vous donne pas encore le nom de ce nouveau projet, je vous en annoncerai le lancement très prochainement ! Et merci à tous ceux qui m'ont encouragé ici depuis bientôt trois ans.

L'Autotune comme lifting ? Quand Gal Costa est métamorphosée par Caetano

2012-01-04T22:05:00.123+01:00

La grande surprise de la fin d'année fut la sortie du nouvel album de Gal Costa, entièrement composé et produit par Caetano Veloso, surprise parce que ce Recanto est carrément électro ! Un virage dans la carrière de Gal que seul Caetano probablement pouvait la convaincre d'effectuer. Car il faut une sacrée confiance en l'autre pour se livrer à lui de la sorte...

Que Gal Costa et Caetano Veloso travaillent ensemble sur un album, quoi de plus normal. Ils ont commencé la carrière ensemble, en 1967, par un disque en duo, le très bossa-nova Domingo, un album qui contient une chanson de Caetano ayant traversé sa carrière, le délicieux "Coração vagabundo". Et, depuis quarante-cinq ans, Gal n'a jamais cessé de chanter les compositions de Caetano. Entre eux, les liens sont plus qu'amicaux, presque fraternels.

Gal Costa n'avait pas sorti d'album studio depuis longtemps, depuis Hoje, en 2005. Celui-ci contenait de belles choses et voyait Gal se rapprocher de la jeune génération ou choisissant le répertoire du disque parmi les chansons d'auteurs moins fameux que ceux auxquels elle se dédiait habituellement. Hoje était surtout marqué par une approche acoustique d'où notre surprise aujourd'hui.

Gal a donc délaissé l'acoustique pour l'électro. Elle a soixante-six ans. Caetano soixante-dix dans quelques mois. On sait qu'au fond de lui, il y a toujours un adolescent curieux, que son art est sa jeunesse éternelle. Quitte pour cela à vampiriser ses jeunes collègues. Mais être resté "jeune" ne fait pas forcément de vous un musicien capable de sortir un album de musique électronique consistant. Autour de lui, pour l'enregistrer, on retrouve donc des musiciens plus jeunes : son fils Moreno, le désormais indispensable Pedro Sá, Donatinho, fils de João Donato, Kassin, ainsi que Rabotnik et Bartolo (Duplexx). Qu'en est-il des textures, des rythmiques ? Le disque est très downtempo et minimal, mais surtout on a l'impression que l'électro sert à obtenir des couleurs dures et froides. C'est le parti-pris de Caetano... Et quand on tient le "tube", le morceau qui va se danser, "Neguinho", c'est pour mieux y épingler le matérialisme et le manque de curiosité de ses contemporains !

Car avec Recanto, on a l'impression que Gal s'est livrée aux mains de Caetano, en baissant la garde et lui laissant toute liberté. Que l'album soit une œuvre de Caetano, cela ne fait aucun doute. Il n'a pas fait que composer l'intégralité des morceaux, dont neufs titres inédits, et produire l'album, il l'a pensé et conceptualisé. Une impression renforcée par l'interview qu'ils ont donné pour présenter l'album. Il ne lui laisse pas en placer une ! Il parle, parle et Gal semble curieusement en retrait, presque étrangère au processus. Dans le processus, il semble que Moreno a beaucoup joué le go-between. Gal recevait les morceaux que lui envoyait Caetano en mp3 et c'est avec Moreno qu'elle s'en imprégnait, y apportait ses suggestions. Puis Moreno revenait vers son père pour avancer dans la création de l'album.

Pour décrire un tel virage dans la carrière de Gal, peut-on parler, à son âge, de mue ? Et si l'épiderme doit servir de métaphore, plutôt que d'une mue, est-il plus juste de parler d'un... lifting ? Curieuse impression car si les habits sont modernes, rien n'est fait pour cacher l'impact du temps sur la voix de Gal. Son visage s'affiche fièrement, sans maquillage, sans artifices. Sublime, toujours, mais quelle est loin l'insouciante sensualité de l'icône des années hippies, celle dont nous évoquions les fameuses dunes où se retrouvaient la jeunesse rebelle. Que le verso de la pochette les montre en leurs jeunes années ne fait que renforcer cette idée, souligner la distance. Le chant de Gal n'a plus la même souplesse, sa voix est plus grave. Et c'est aussi ça le thème du disque. Ne rien cacher du temps qui passe, de ce qui signifie vieillir. Aussi cette sobriété imposée par l'âge doit-elle se révéler plus que se cacher, contrairement à ce pourrait laisser croire l'électro du projet.

Emblématique de cette idée, "Autotune Autorerótico". Comme son titre l'indique, il joue avec l'autotune. On pourra toujours moquer Caetano, se dire qu'il est le vulgaire suiveur d'un effet déjà éculé et devenu insupportable, que c'est un outrage fait à la voix de sa muse, ce serait se tromper : jamais l'utilisation de l'autotune n'avait été faite avec une telle sensibilité. En ce sens, il n'est pas question de lifting, mais au contraire de souligner le trucage... Le geste n'est pas le même de mettre un filtre d'autotune sur la voix d'un jeune n'ayant jamais su chanter juste que sur celle d'une des grandes divas de la musique brésilienne de ces cinquante dernières années. Comme une manière à la fois ludique et émouvante de dire que les personnes âgées ont besoin d'assistance ! De même "Tudo dói", littéralement "tout fait mal", qui rappelle qu'avoir mal c'est être encore vivant.

Caetano a parfois besoin de passer par la voix des autres pour être personnel. Il signe un album d'une rare émotion. Il glisse les échos de son enfance et de son Recôncavo natal sur "Segunda" où le rythme est gratté au prato e faca, par un couteau sur une assiette, comme le faisait son nounou Dona Edith qui s'en était fait un nom : do Prato. Et Caetano puisque ce n'est pas lui qui chante peut bien s'amuser à balancer un rap ! Caetano a déjà rappé, ce n'est pas nouveau, c'était au début des années quatre-vingt, sur le morceau "Lingua", en duo avec Elza Soares. C'est donc sur l'autre titre dansant, "Miami Maculelê", le dernier morceau de l'album, alors qu'on ne l'avait pas entendu jusque-là, qu'il se lâche ! Et même si son flow est loin d'être impérissable, pouvait-il rêver plus beau pied-de-nez ? Il invente l'électro et le rap de vieux et vous emmerde !

Jorge Ben chante "Umbabarauma" (version 2010)

2012-01-03T22:23:00.001+01:00

2012, c'est l'année où l'on va fêter la génération brésilienne de 1942. Rendre hommage pour leurs soixante-dix ans à Ben, Gil, Caetano, Tim, Milton et Paulinho. Pour tout de suite être dans le bon tempo et commencer l'année sur les chapeaux de roue, il fallait un morceau dantesque, une bombe de groove. Et en la matière, Jorge Ben a tout ça en catalogue. Et histoire de prendre de ses nouvelles, voici une version de "Umbabarauma" enregistrée en 2010 avec Mano Brown à São Paulo, dans les magnifiques studios YB.

Faut-il encore présenter Jorge Ben ? Selon leurs goûts, les admirateurs de Jorge Ben préfèreront tel ou tel disque, Samba Esquema Novo, en 1962, A Tábua de Esmeralda, en 1974, etc... On peut avoir un penchant pour d'autres disques qu'Àfrica Brasil mais il faut reconnaître que, de toute sa carrière, celui-ci ne sonne comme aucun autre.

Sorti en 1976, c'est le premier album où il joue de la guitare électrique, instrument qu'il adopte à partir de cette date, au détriment de sa fidèle guitare-nylon. Mais la guitare électrique ne fait pas tout et n'explique pas ce qui distingue Àfrica Brasil des autres disques de Jorge Ben. Ce n'est pas son disque qui "balance" le plus : tous ses disques "balancent". Mais c'est son disque à la fois le plus funk et le plus rock. Il a doublé la batterie, multiplié les percussions, introduit des breaks de rythmes redoutables. Il a forcé sur sa voix. Oubliée la caresse, il crie presque. Ce son brut et cette voix éraillée font d'Àfrica Brasil un disque à part dans la carrière de Jorge Ben.

Le premier morceau est déjà un hymne : "Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)" ! Il ne faut pas en attendre considérations ésotériques ou alchimiques. Non, si hymne il y a, c'est à la gloire d'un joueur de football, l'homme-but, l'homem-gol. Umbabarauma était son nom, il était ce "fer de lance africain" et portait le n°10. Ce n'est pas la seule fois où Jorge Ben a consacré une chanson au football. Mais où "Fio Maravilha" évoquait la malice, "Umbabarauma"dégaine la grosse artillerie : tribal !

Pour être admis à travailler avec le maître, on s'est probablement bousculé au portillon ! On retrouve dans l'équipe sélectionnée pour façonner le son de cette nouvelle interprétation, des figures contemporaines majeures : Daniel Ganjaman (Instituo, Criolo...), Duani Martins et Zegon (N.A.S.A.). Mais aussi Pupilo et Gustavo da Lua (Nação Zumbi) aux percussions. Et parce que "Umbabaurama" est aussi un morceau porté par ses chœurs féminins, ils sont ici confiés aux Negresco Sisters, à savoir Céu, Anelis Assumpção et Thalma de Freitas ! Participe également à l'aventure Gabriel Ben Menezes, fils de Jorge.

Mais le personnage principal de cette nouvelle version, c'est bien entendu Mano Brown. Le leader des Racionais MC's*, groupe culte du rap brésilien, est un personnage d'une incroyable notoriété alors même qu'il a toujours fui les médias. Ce n'est rien de dire que leurs tableaux des quartiers périphériques de São Paulo lui ont garanti une street cred' à vie !

Qu'attendre d'une nouvelle version de "Umbabarauma" ? Pas grand-chose. Le morceau est déjà un classique et ce n'est pas aujourd'hui que Jorge Ben pourra en donner une meilleure interprétation. D'ailleurs, Daniel Ganjaman est des plus lucides à ce sujet : on ne pourra jamais faire mieux mais, pour lui, c'est déjà un peu entrer dans la légende que de participer à ce projet. Et, ma foi, ça tient plutôt bien la route.

Evidemment, un tel projet n'avait pu voir le jour qu'une année de Coupe du Monde. Ce serait gâcher le plaisir que d'en donner le sponsor, je vous le laisse deviner... Restons-en là, c'était sympa de voir Jorge Ben interpréter un de ses morceaux cultes avec fraîcheur et sentir l'admiration dans les yeux de ses jeunes partenaires !

Pour ceux qui en deviendraient mordus, il existe un making-of du morceau en trois parties...
1/3
2/3
3/3

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* Sur leur album Sobrevivendo no Inferno, en 1997, ils avaient repris "Jorge da Capadócia"

Le Programme de 2012 ?

2012-01-02T22:53:00.000+01:00

"La vie est une chose trop importante

pour être prise au sérieux"

(Chesterton)

Meilleurs Vœux à tous ! En attendant la grande mue spectaculaire que j'espère, un grand merci à tous ceux qui nous accompagnent dans cette aventure et, en particulier, ceux qui veulent bien laisser des commentaires, c'est le meilleur des encouragements. En récompense, si l'Elixir du Dr. Funkathus régulièrement vous consommez, 2012 ne sera pas l'année de la lose.

Bien sûr, on a beau accueillir le nouvel an les bras ouverts, on ignore ce qu'il va nous réserver en surprises et découvertes musicales. Parmi les artistes que l'on suit, on sait cependant que Lucas Santtana et Rodrigo Campos vont sortir prochainement leur nouvel album. Déjà deux bons motifs d'impatience. Mais comme d'habitude, peut-être par angoisse de la page blanche, nous allons trouver des prétextes à célébrations. Puisque nous ne pouvons inventer la suite, on peut déjà annoncer quelques rétrospectives et hommages que nous allons rendre cette année !

La formidable génération 1942 fête ses 70 ans

Au Brésil, 1942 fut une année exceptionnelle. Sont ainsi nés cette année-là, entre le 22 mars et le 12 novembre, Jorge Ben, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tim Maia, Milton Nascimento et Paulinho da Viola. Combien de pays rêveraient d'avoir ne serait-ce qu'un seul de ces six artistes pour égayer tout un siècle ? Mais, voilà, à lui tout seul, le Brésil est une planète musicale.

En plus, ils ont plutôt l'air en forme nos garçons de 1942, certains ayant depuis longtemps adopté une hygiène de vie irréprochable, hormis Tim Maia, déjà parti de ses excès... Caetano ? Il faut l'écouter se lancer dans le rap sur "Miami Maculelê", un titre de Recanto, l'album électro de Gal Costa qu'il vient de composer et produire, pour comprendre que le bonhomme cherche encore à surprendre et provoquer comme un adolescent rebelle ! Nous profiterons donc de 2012 pour fêter à tous leurs soixante-dix ans... Et c'est Jorge Ben qui sera premier de la liste !

Les 50 ans de Carlinhos Brown

... et quand, en novembre, nous en aurons fini d'honorer cette génération de 1942, il sera tout juste temps de fêter les cinquante ans de Carlinhos Brown !

1987 ? What the F*** ?

Après avoir revisité 1991, vingt ans après, nous renouvellerons nos plongées en archéologie musicale. Je ne suis pas nostalgique mais vingt-cinq ans, c'est une date ! Nous évoquerons deux formations britanniques. Car, que je sache, en matière de libération des droits d'auteur, personne n'est allé aussi loin dans la provocation que The Justified Ancients of Mu Mu en cette année 1987...

Et, c'est encore du côté de Bahia, avec Gerônimo et quelques autres, que nous poursuivrons ce voyage dans le temps, mais je ne vous en dis pas plus...

Voilà quelques pistes pour animer 2012.

D'ici là, avec le son, c'est bon !

Le Top 10 du Dr. Funkathus : les coups de cœur de 2011

2011-12-31T15:23:00.001+01:00

D'accord, proposer une sélection de ses albums préférés de l'année, c'est : 1. arbitraire, 2. paresseux, 3. ça ne vole pas très haut, etc... Ceci posé, comme une année ne se passe heureusement pas sans coups de cœur, je souhaite une fois de plus les partager après les avoir déjà présentés plus en détail tout au long de 2011. Autrement dit, quand on n'aime pas, pas de palmarès ! Or, cette année, quelques albums m'ont beaucoup plu, touché ou fait vibrer.

Etant entendu que cette sélection vaut à un instant T, j'avais l'an dernier laissé la place à l'inconnu et au changement d'opinion en ne proposant qu'un Top 9 ! Et comme il n'y a que les imbéciles qui ne changent pas d'avis, si je devais refaire aujourd'hui cette sélection 2010, elle serait considérablement différente de celle proposée alors !

Il n'y a pas eu cette année un album très largement au-dessus des autres comme l'avait été The ArchAndroid de Janelle Monáe. Cette année, les choses sont plus serrées, il y a deux albums que j'ai bien du mal à départager et, à vrai dire, je m'en fous un peu. Ce genre d'exercice est déjà suffisamment bêta pour ne pas y rajouter de la mesquinerie. Voilà : il y a deux albums que j'adore plus que les autres. Metá Metá de Kiko Dinucci, Juçara Marçal et Thiago França et Nó Na Orelha de Criolo. Et, hormis, ces deux-là, l'ordre n'a aucune espèce d'importance. Je ne suis pas encore assez maniaque pour tenir compte d'un critère subsidiaire positiviste, le compteur de lectures de mon juke-box virtuel !

Et je précise aussi que ce n'est pas non plus contradictoire que la liste que j'ai proposée à Vibrations soit sensiblement différente de celle de l'Elixir. Pour Vibrations, j'avais adopté un point de vue plus objectif, ou vaguement, avec l'idée de relever des albums "qui comptent" sans être trop exclusivement brésilo-centré. Ici, qu'on ne s'étonne par contre pas de ne trouver quasiment que des albums brésiliens : ce sont aussi les disques que j'ai le plus écouté, tout bonnement !

Enfin, chose extraordinaire, sept des mes dix albums préférés de l'année ont été proposés en téléchargement gratuit (mp3 320 kbps) par leur auteur !

1. Kiko Dinucci, Juçara Marçal et Thiago França, Metá Metá (Desmonta)

En trio acoustique, Kiko, Juçara et Thiago ont signé un album fantastique d'une profonde spiritualité, très inspiré par le candomblé et les religions afro-brésiliennes. Ils jouent une musique qui tend vers l'élévation, qui excelle tant dans la détente que dans la tension. Une musique qui passe de ballades tout en apaisement apollinien à des montées hypnotiques évoquant les figures d'orixas dans la fièvre d'un afrobeat réinventé et porté par la voix sublime de Juçara. Essentiel.

Lire : la chronique et un entretien exclusif sur l'Elixir et la chronique adaptée pour le site de Vibrations...
A télécharger gratuitement sur le site de Kiko ou sur la Musicoteca

1. Criolo, Nó Na Orelha (ôLôKo Records)

Si Lucas Santtana est la grande révélation brésilienne en Europe, c'est Criolo qui est la véritable révélation de l'année au Brésil ! Le rappeur de Grajaú, quartier périphérique de la Zona Sul de São Paulo, a signé un album magnifique qui le voit endosser un rôle de chanteur, voire même de crooner ! Grâce à l'appui, le talent et les encouragements de Daniel Ganjaman et Marcelo Cabral, ses producteurs, il a sorti un disque d'une grande variété, brassant le rap avec l'afrobeat, le samba ou le reggae. Bouleversant et toujours à fleur de peau. Et, il faut bien le dire, avec cette mue, il a probablement dû réaliser que sa voix de chanteur est bien meilleure que sa voix de MC ! "Linha de Frente" et "Bogotá" sont aussi parmi mes chansons préférées de 2011.

Lire : la présentation de l'album et pas mal d'autres petites choses sur Criolo...
A télécharger gratuitement sur le site de Criolo ou sur la Musicoteca

3. Passo Torto (Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Rodrigo Campos et Romulo Fróes) (YB)

C'est la loi de la survie dans le monde de la musique brésilienne : les musiciens sont dans la nécessité de mener plusieurs projets de front. D'un impératif économique, on ne s'attendrait pas à trouver un tel niveau d'excellence. Ainsi, notre bande de jeunes musiciens paulistes se configure et re-déploie en une multitude de formations à géométrie variable et en albums passionnants. Ensemble ou séparément, on retrouve donc Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Thiago França, Rodrigo Campos, Guilherme Held, ou Romulo Fróes trustant cette sélection de mes albums favoris de 2011. Passo Torto, c'est la rencontre de trois compositeurs qui ont écrit à quatre mains les chansons de ce disque, accompagné d'un formidable contrebassiste qui, de son archet, donne une belle profondeur au son de l'ensemble. Un disque de cordes, uniquement : guitare, cavaquinho et contrebasse. Contrairement à Metá Metá, l'autre disque de Kiko Dinucci sorti cette année, il n'est plus question ici d'élévation mais de spleen urbain. De désenchantement plus que de foi. Avec la qualité du son YB, produit par Mauricio Tagliari et mixé par Carlos "Cacá" Lima. Un album dont se détache la chanson "Cidadão", absolument magnifique. Romulo n'a peut-être jamais aussi bien chanté que sur ce titre.

Lire : la chronique de l'album "La Mélancolie à nu"
A télécharger sur le site de Passo Torto ou sur la Musicoteca

4. Seu Jorge, Músicas Para Churrasco, Volume 1 (Universal)

Après son album "américain" avec le groupe Almaz, signé sur le label californien Now Again, Seu Jorge est retourné au Brésil et il consacre donc un album, voire même une trilogie, à une institution nationale au Brésil : le barbecue ! Et pour ça, il balance un disque hyper funky où il continue de brailler de sa voix éraillée d'écorché ! La "musique pour barbecue" est-elle fonctionnelle, demandais-je à son propos cet été ? Elle l'est devenue, oui, mais pas pour cuire ma viande : c'est le disque que je fous à fond quand je fais les sols et passe balai et serpillière. Le truc qui donne du cœur à l'ouvrage : "Olé Olé" !!!

Lire la chronique "Le Barbecue de Seu Jorge"

5. Mariana Aydar, Cavaleiro Selvagem Que Te Sigo (Universal)

Pour le plus formidable travail d'orchestration de l'année. Entouré de musiciens brillants, le maestro bahianais Letieres Leite (Orkestra Rumpilezz) tisse une toile instrumentale de grande classe.

Lire la chronique

6. Pipo Pegoraro, Taxi Imã (YB)

L'afrobeat commence à faire naître des vocations au Brésil et le phénomène est récent. C'est sa rythmique élastique qui donne sa cadence au disque de Pipo Pegoraro. Entouré d'une floppée de musiciens, il prend le temps de faire durer les morceaux et y pose sa voix en douceur. Le genre de disque qu'on réécoutera volontiers avec le retour des beaux jours.

Lire la chronique "Ou comment Pipo Pegoraro imagine l'afrobeat tropicaliste"

A télécharger sur la Musicoteca

7. Anelis, Sou Suspeita Estou Sujeita Não Sou Santa (Scubidu Records)

Après avoir fait partie du groupe Dona Zica, Anelis Assumpção se lâche enfin et sort son premier album. Depuis son adolescence Anelis chante, depuis qu'elle accompagnait sur scène son père, Itamar Assumpção. C'est d'ailleurs avec la voix d'Itamar et une de ses compositions encore inédite que s'ouvre le disque, provoquant une étonnante continuité de l'œuvre familiale avec le fantastique "Mulher Segundo Meu Pai". Et cet album est une œuvre ambitieuse, longue comme un double-LP, qui la place d'emblée parmi les artistes de sa génération à suivre de près.

Lire la chronique "Ou comment la fille d'Itamar Assumpção s'est fait un prénom"
A télécharger sur la Musicoteca

8. The Dø, Both Ways Open Jaws (Cinq7)

Les amateurs d'indie pop ne considèreront peut-être pas le deuxième album de The Dø comme une des réussites de l'année. Si je ne me trompe, il figure seulement à la 37ème place du classement pop/rock/rap des Inrocks. Je m'en tamponne. Pour moi qui n'écoute que peu de pop/rock (parce qu'à l'écoute, mon intérêt est souvent trop vite gagné par l'ennui) Both Ways Open Jaws est un album qui m'a captivé. The Dø, couple d'amour et de musique, Olivia Merihlati et Dan Levy, semble littéralement touché par la grâce. On a l'impression qu'il ont déjà tellement tout intégré, des field recordings d'Alan Lomax à l'electro pop Micachu, qu'ils peuvent désormais créer en toute liberté, avec naturel et évidence.

Lire la chronique

9. Romulo Fróes, Um Labirinto em Cada Pé (YB)

Romulo Fróes aimerait que l'on oublie parfois sa réputation de penseur de la musique brésilienne actuelle pour que l'on se concentre sur ses disques, pour ne pas que ses analyses pointues fassent de l'ombre à sa musique. Sur cet album produit par Mauricio Tagliari, aucun risque qu'on soit distrait de la musique : les textures sonores sont suffisamment denses avec les guitares de Guilherme Held, le cavaquinho de Rodrigo Campos et le saxophone de Thiago França, et la voix de Romulo a gagné en assurance. Ouf, il peut continuer à être bavard quand il parle de musique, on l'écoutera et le lira toujours avec intérêt, cela ne nous distraira pas de l'essentiel !

Lire la chronique "Comment traverser les murs du labyrinthe"
A télécharger sur son site ou sur la Musicoteca

10. Caçapa, Elefantes na Rua Nova (Garganta Records)

Il fallait un album "difficile" dans la liste, lequel se révélait très vite hypnotique. Un disque instrumental qui va savamment dénicher le psychédélisme au fin fond d'un tradi-moderne idiosyncrasique. C'est tout ça qu'explore les trois violas dinâmicas polyphoniques de Caçapa.

Lire la chronique "Caçapa et la finesse des éléphants"
Le site très didactique de Caçapa.

Festoyez bien !

Lucas Santtana, ou l'art de réinventer cinquante ans de tradition : une interview pour l'Elixir !

2011-12-30T21:30:00.001+01:00

Avant de présenter mes albums favoris de 2011, histoire de boucler la boucle, voici en quelque sorte le cadeau de fin d'année que réserve l'Elixir à ses lecteurs : une interview inédite de Lucas Santtana. Si nous avons fréquemment dit ici que Criolo est la révélation de l'année au Brésil, de ce côté-ci de l'Atlantique, c'est sans conteste Lucas Santtana qui est la révélation brésilienne de 2011. Qu'il est loin le temps où je pouvais écrire que Lucas Santtana était "le secret le mieux gardé de la musique brésilienne" !

De façon assez paradoxale puisque Sem Nostalgia, l'album qui lui a apporté cette reconnaissance, est sorti au Brésil en 2009 mais dût attendre l'été dernier pour trouver un label, Mais Um Discos, qui le sorte en Europe. Ce qui explique que l'album de Lucas ne figure pas dans le palmarès 2011 de l'Elixir. Il était pour moi le meilleur disque de 2009 même si, cette année-là, je ne m'étais pas amusé à établir de classement de mes coups de cœur. (Parenthèse : ce n'est pas une contradiction par contre que, quand le magazine Vibrations me demande la liste de mes albums favoris, je l'y mette en bonne place. Dans la perspective de l'actualité musicale européenne/internationale, Sem Nostalgia est effectivement un album de 2011).

Personnellement, Lucas Santtana est un artiste que j'adore depuis l'époque d'Eletro Ben Dodô, son premier album, il y a une dizaine d'années. Je l'avais même fait figurer dans mes dix disques favoris de ce nouveau millénaire : "Manifeste Afro-Tropicaliste du IIIe Millénaire" ! Et quand j'ai projeté de réaliser des interviews exclusives pour l'Elixir, le premier musicien vers qui je me suis tourné était naturellement Lucas Santtana. Par e-mail, il m'avait donné son accord de principe et demandé de lui envoyé mes questions. Il ne s'attendait bien sûr pas à être assailli par une cinquantaine de questions revisitant l'ensemble de sa carrière, aussi me laissa-t-il sans réponse. Il fallut attendre que s'inaugure ma collaboration avec le magazine Vibrations pour que le contact soit renoué. On me demandait un article qui présente la nouvelle génération de musiciens brésiliens en recentrant mon propos sur Lucas Santtana, coup de cœur de la rédaction qui venait de le découvrir, et Seu Jorge. Et libre à moi d'y ajouter quelques noms.

Cette fois-ci, le rendez-vous fut pris par le biais de son attachée de presse en Angleterre. Ne pouvant malheureusement monter sur Paris pour son concert et l'interroger en face-à-face, nous décidâmes d'enregistrer l'interview la veille, le 1er novembre, alors qu'il était encore à Londres. Nous nous sommes retrouvés face-à-face certes, mais par écrans interposés, sur Skype, alors qu'il était dans le hall de son hôtel à siroter un soda. Ce fut un échange détendu et très sympa. Lucas devait être rassuré d'avoir à faire à quelqu'un qui connaissait bien son œuvre et, en même temps, soulagé d'avoir évité de se coltiner le fardeau de répondre par écrit à ma liste immense de questions ! En une demi-heure, nous nous sommes concentrés sur l'essentiel, à savoir son actualité, son dernier album, Sem Nostalgia, où il réinvente brillamment le format voz-violão si important dans la grande histoire de la musique brésilienne. Mais, comme vous devez bien vous en douter, je n'ai pas pu m'empêcher de glisser dans la conversation une ou deux questions sur Eletro Ben Dodô ! Et il m'a même parlé de son futur disque qui devrait sortir début 2012 !

O. C. : Quand on a connu, comme toi, le succès critique dès ses débuts, est-ce une forme de reconnaissance importante à tes yeux de pouvoir tourner en Europe et d'y voir ton album distribué ?

Lucas Santtana : Oui, c'est important de pouvoir jouer en Europe car, que ce ce soit en France, en Allemagne, en Italie ou en Angleterre, il y a un public qui aime beaucoup la musique brésilienne, qui accompagne son histoire. Il y a des gens comme toi qui connaissent ma musique depuis dix ans. Alors c'est pour cette raison que je trouve important de pouvoir venir en Europe, en raison de l'amour des gens pour la musique brésilienne. La musique brésilienne est connue dans le monde entier.

Avec internet, enfin, tout semble plus proche. Il ne faut plus penser le Monde séparément avec le Brésil, l'Europe mais penser le monde comme un seul monde. On parle des langues différentes mais nous avons quand même des langages communs. La musique est une langue universelle. Et, finalement, je n'ai pas tant l'impression de lancer un disque en Europe. Je pense que je suis en train de lancer un disque dans plus de pays, d'atteindre d'autres lieux.

O. C. : C'est peut-être ton disque le plus international, on y trouve plusieurs chansons en anglais, penses-tu que cela le rende peut-être plus accessible ?

Lucas Santtana : Oui, peut-être. Mais quand j'ai fait le disque, qui contient plus de chansons en anglais qu'en portugais, ce n'était pas pensé ou destiné au marché international. C'est une coïncidence…

O. C. : C'est peut-être aussi l'influence d'Arto Lindsay avec qui tu as composé plusieurs titres de l'album ?

Lucas Santtana : Oui, j'ai toujours fait des musiques pour mes disques avec Arto. Alors, cette fois-ci, quand je lui ai dit, "viens, on va écrire des musiques pour nouvel album", il avait déjà deux chansons prêtes en anglais, encore inédites, qui n'avaient jamais été enregistrées. Mais je trouve ça important. Dans tous mes disques, il y a toujours une ou eux chansons en anglais. Et j'aime bien la langue anglaise pour chanter, c'est quelque chose qui se passe naturellement.

O. C. : Il est difficile de t'associer à une scène précise tant ta musique est originale et suit sa propre voie… Tu es Bahianais mais tu vis à Rio. A quels artistes cariocas es-tu lié, dans quels lieux vas-tu jouer ? Quelle est l'importance de Rio pour toi ?

Lucas Santtana : Pour moi, Rio a été important parce que, quand j'habitais à Bahia, internet n'existait pas encore. Aussi il était très difficile pour moi d'avoir accès à l'information. Pour que je puisse découvrir Fela Kuti, il avait fallu qu'un ami ramène un LP d'Europe puis qu'il le copie en cassette pour les amis. Vraiment, c'était très difficile d'avoir accès à l'information. Et quand je me suis installé à Rio, j'ai eu accès à beaucoup plus de choses. J'ai pu voir beaucoup de films, trouver beaucoup de disques, découvrir de nouveaux styles musicaux qui n'arrivaient pas jusqu'à Bahia. Pour toutes ces raisons, ça a été important pour moi d'aller vivre à Rio. Parce que c'est un centre culturel du Brésil plus riche.

O. C. : Plus riche que Salvador ?

Lucas Santtana : Salvador possède sa propre richesse et elle est la seule à l'avoir. Mais quand j'y vivais, il était plus difficile d'y assimiler ce qui venait d'ailleurs. C'est différent aujourd'hui. Avec internet, n'importe qui, en n'importe quel point du globe, peut accéder à tout. A mon époque, pendant mon adolescence, ce n'était pas le cas et Rio a été très important.

O. C. : Mais quand je regarde ton agenda de concert, j'ai l'impression que, chaque mois, tu joues dans tous les coins du pays mais assez peu à Rio, que tu ne sembles pas forcément y être attaché à un lieu particulier…

Lucas Santtana : C'est le problème depuis un moment, il n'y a pas assez de lieux où se produire. L'endroit où je joue le moins de tout le Brésil, c'est Rio ! C'est pareil pour beaucoup d'artistes qui vivent à Rio et qui jouent le plus souvent ailleurs qu'à Rio. C'est le même problème. Parce qu'il n'y a pas assez de lieux adaptés et qu'ils ne paient pas bien, alors ça ne vaut pas la peine de s'y produire. Sauf pour les festivals qui sont des événements bien organisés qui paient correctement. Là, une nouvelle salle vient de s'ouvrir, le Studio RJ qui est un bon lieu pour jouer.

O. C. : Peut-être aussi que Rio reste encore très branché sur le samba, et notamment une interprétation assez classique du samba, ta musique étant plus originale et inclassable…

Lucas Santtana : Oui, il y a aussi ce côté-là. Ceux qui font du choro ou du samba peuvent jouer plus facilement à Rio. Mais si tu fais une musique plus originale, un travail d'auteur si je puis dire, tu auras moins de lieux où te produire à Rio. Et aussi, à Rio, tu as aussi ce côté "estival" : les gens vont voir un concert mais, pour eux, c'est aussi l'occasion d'aller boire des coups, draguer les filles. Ils vont au concert mais il y a des choses aussi importantes que le show lui-même. A São Paulo, le show, c'est le show, les gens sortent pour aller au concert, tu vois ! (rires).

O. C. : Sur Sem Nostalgia, tu te confrontes au format voz-violão. Mais tu subvertis la contrainte, en quelque sorte. Les sons de guitares peuvent être samplés, tu joues des percussions sur la caisse… Comme si tu avais voulu casser le format.

Lucas Santtana : Oui. Ce format existe au Brésil depuis au moins cinquante ans. La borne serait João Gilberto, en 1958. Et, en cinquante ans, ce format n'a jamais évolué. Alors que si tu prends un autre format établi comme le power trio dans le rock, à savoir guitare-basse-batterie, c'est le cas. Si, dans cette configuration, tu écoutes un enregistrement des années soixante, puis un enregistrement des années-soixante-dix, et des années quatre-vingt, tu remarqueras que le même format musical s'est transformé avec les années. Parce que sont apparues de nouvelles pédales pour les guitares, de nouveaux sons, de nouveaux micros pour capter différemment le son de la batterie. Et tu trouves des formations guitare-basse-batterie qui ne jouent que du jazz, que du rock… Donc le même groupe d'instruments sert à plein de choses différentes. Mais, au Brésil, les artistes qui ont chanté en s'accompagnant à la guitare n'ont rien changé de cette formule. Alors, j'ai voulu faire un disque de voz-violão mais je voulais y amener quelque chose de nouveau. Je me suis demandé de quelle manière je pourrais y parvenir. Comment faire que ce voz-violão sonne de plusieurs manières différentes. Donc, l'idée c'était de faire un disque de voz-violão mais qui ne sonne pas comme un disque de voz-violão.

O. C. : Te confronter au format voz-violão, c'était peut-être aussi une façon de t'inscrire dans une filiation de Bahianais qui l'ont pratiqué et sont allés poursuivre leur carrière à Rio comme Dorival Caymmi ou João Gilberto ? Surtout que tu considères encore ces artistes comme des influences.

Lucas Santtana : Bien sûr, ils m'ont beaucoup influencé : Caymmi, João Gilberto, Caetano, Gil, Jorge Ben. Et quand je fais le "Super Violão Mash-Up" ou le "Violão de Mario Bros", c'est fait exclusivement à partir de samples des guitares de Jorge Ben, Caymmi, etc… C'est comme de leur rendre hommage mais sans trop les respecter non plus. C'est un hommage à ma façon.

O. C. : J'adore vraiment ton premier album, Eletro Ben Dodô, il est comme un portrait musical de ta ville, de Bahia. Tu y fais référence à toutes les formations du cru : les Muzenza, Timbalada, Olodum, Ilê Ayiê, Apaches do Tororó, etc... C'est un disque qui reflète la musique de Salvador au début des années 2000, quand s'inventait un nouveau langage de percussions et que tu as mis en avant sur ton disque mais c'était quoi l'idée ? Est-ce que c'est parce que tu en étais déjà loin à Rio, que tu en avais la saudade ?

Lucas Santtana : J'avais conscience qu'il existait une culture de la percussion à Bahia, une culture de la rue. Mais je percevais aussi autre chose. La culture afro y était très intériorisée et j'ai voulu la faire communiquer avec des éléments extérieurs. L'idée de ce disque, c'était que tous les instruments aient une fonction rythmique. La guitare ne fait pas d'harmonie, elle joue une rythmique. La basse fait du rythme, la voix fait du rythme. Comme si tous les instruments étaient de percussions. C'est mon idée de départ. Et l'autre idée, c'était de montrer aux jeunes de Salvador qu'ils pouvaient faire une musique de percussions mais pensée d'une manière plus globale et pas seulement locale.

O. C. : L'an dernier, tu participais au disque de Baiana System. Je parlais justement avec Roberto Barreto il y a deux jours, pendant qu'il était à Copenhague pour le WOMEX. Leur concert a fait un tabac et ils devraient pouvoir faire une petite tournée en Europe l'an prochain. Pour moi, leur projet n'est pas seulement de moderniser un instrument presque tombé en désuétude comme la guitarra baiana mais c'est aussi, comme l'avait fait Eletro Ben Dodô, de moderniser la musique percussive de Bahia, tout en gardant son langage, ses timbaus qui claquent.

Lucas Santtana : Ce que fait Baiana System est excellent. Comme tu le dis, il ne s'agit pas seulement de sortir la guitarra baiana des trio elétricos, il l'amène à la surf music, à la cumbia, vers d'autres univers musicaux. Et aussi il prend ce langage de la percussion, le mêle à l'électronique. Et lui donne une dimension urbaine. Ca cesse d'être une musique folk, ou traditionnelle, pour devenir une musique urbaine. Et c'est ça qui est très intéressant.

O. C. : Il y a une chose étonnante en ce moment au Brésil. Même si la crise du disque y est la même que partout dans le Monde, on a l'impression que les musiciens y vont de l'avant et positivent. C'est incroyable de voir que Kiko Dinucci, Criolo, Romulo Fróes, Baiana System, etc... proposent leurs disques en téléchargement gratuit. Alors, bien sûr, la situation est différente. En Europe, il n'y a pas suffisamment de lieux pour que les artistes puissent se produire régulièrement alors qu'au Brésil, faire connaître sa musique permet d'obtenir une plus grande notoriété et donc de jouer plus souvent. Sans vendre de disques, les artistes peuvent vivre de leur musique. Mais la situation est malgré tout difficile et nécessite de l'imagination pour inventer un nouveau schéma…

Lucas Santtana : Au Brésil, pour les gens de ma génération, pouvoir télécharger la musique a été un truc super important. Parce qu'il y a encore une dizaine d'années, il était encore impossible de faire connaître ta musique par le biais de la radio. Aujourd'hui, on entend plus des gens de ma génération passer à la radio mais il y a dix ans, ce n'était pas le cas. Alors internet était le seul moyen d'atteindre le public et il fallait donc laisser notre musique pour qu'elle soit téléchargée et puisse se disséminer rapidement. Et c'est vrai, du coup, que les disque ne se vendent plus beaucoup mais on gagne notre vie grâce aux concerts, en composant une musique pour un film, et tout ce qu'on peut imaginer de cet ordre-là. Et pour dire vrai, ça valait le coup d'offrir son disque en téléchargement gratuit parce que ça permettait de se faire connaître et, du coup, faire plus de concerts, plus de travail grâce à ce disque. Au Brésil, on vit grâce aux concerts.

O. C. : Il y au aussi des lois, comme la Loi Rouanet, qui incitent les entreprises à pratiquer le mécénat culturel en échange d'exonérations fiscales, mais on entend parfois dire qu'il n'y a que les artistes les plus célèbres qui en profitent.

Lucas Santtana : Non, je ne crois pas que ce soit le cas. Il y a beaucoup d'artistes indépendants qui parviennent à être publiés s'ils obtiennent des subventions. Et il en existe au niveau national, mais aussi régional, municipal. Et si tu obtiens ces subventions, ça t'aide beaucoup. Parce qu'enregistrer un disque coûte cher, ce n'est pas vrai qu'on puisse faire un disque bon marché. Alors ça permet aux artistes de faire des disques de qualité et de payer tout le monde, les musiciens, l'ingénieur du son, le graphiste qui fait la pochette. C'est de l'argent qui circule dans le milieu musical. Après, c'est vrai ce que tu me dis mais uniquement dans le cas du mécénat d'entreprises. Celles-ci ne veulent financer que des artistes qui sont déjà très connus, pour ne pas prendre de risques. Mais il existe plein d'aides possibles.

O. C. : Bon, je t'ai expliqué que Vibrations m'a commandé un article centré sur toi mais où il sera aussi question de quelques autres artistes. Pourrais-tu me dire en quelques mots ce que tu pensent d'eux ? De Seu Jorge pour commencer ?

Lucas Santtana : C'est une des plus belles voix du Brésil, c'est un grand crooner, un grand interprète. C'est un très bon chanteur avec un timbre de voix très spécial. Et aussi un grand acteur, un grand artiste vraiment.

O. C. Et Kiko Dinucci et son trio Metá Metá ?

Lucas Santtana : Kiko est un très bon guitariste. J'ai beaucoup aimé Metá Metá parce qu'ils parviennent à retrouver cette sonorité des vinyles, des vieux disques brésiliens. Par les arrangements, les sonorités. C'est un peu comme ça que j'ai conçu Sem Nostalgia, même si c'est plus tourné sur le futur, où que le passé est lié au futur. Metá Metá actualise le passé d'une manière organique.

O. C. : Criolo ? Tu as participé avec lui au disque de Gui Amabis, Memórias Luso-Africanas.

Lucas Santtana : C'est un très bon disque. Il a rassemblé beaucoup de monde. Criolo, Céu, Tulipa, Curumin, et moi. Il est très bon. C'est un travail de samples, presque tout est fait à partir de samples mais ils sont utilisés presque comme si c'était joué, c'est très sophistiqué. Ce n'est pas comme dans le hip-hop où tu as un sample et un beat par-dessus, là, c'est très sophistiqué, c'est accordé. C'est un travail d'artisan avec les samples.

O. C. Et l'album de Criolo ?

Lucas Santtana : Il est très bon. Criolo, ça fait vingt ans qu'il est dans le truc. Et ça n'arrive que maintenant mais c'est bien de voir un type qui n'a jamais renoncé. Et c'est intéressant également parce que les groupes de rap au Brésil ont toujours beaucoup imité les Américains avec les mêmes beats. Là, c'est bien de voir le rap se mélanger avec le samba, la musique brésilienne. C'est quelque chose de salutaire pour le rap brésilien, qu'il ne reste pas à toujours imiter le rap américain.

O. C. : Y a-t-il quelque chose qui t'a frappé en Europe ? Une anecdote ? C'est la première fois que tu viens ?

Lucas Santtana : L'an dernier, je suis déjà venu mais c'était seulement à Lisbonne.

O. C. : Ah, Lisbonne, c'est toujours la porte de l'Europe pour les Brésiliens !

Lucas Santtana : Hier, c'était le premier concert en Angleterre, demain le premier à paris. Ce sont mes débuts ici. Ce que j'ai ressenti ? La première fois que je suis venu en Europe, c'était quand je jouais avec Gilberto Gil, j'avais vingt-trois ans. Je ne connaissais encore rien du Monde et l'Europe me paraissait vraiment très différente. Mais aujourd'hui, je remarque surtout tout ce qu'il y a en commun : les rues, le métro, les boutiques, la nourriture. Chaque lieu a ses caractéristiques, sa personnalité mais même si l'architecture est différente, je ne ressens pas tant de différences dans le monde.

O. C. : Notamment grâce à internet et aux réseaux sociaux, où chacun peut se connecter par centre d'intérêt ?

Lucas Santtana : Exactement, exactement. Et aussi parce qu'il y a beaucoup plus de migrations. De plus en plus, les grandes villes sont cosmopolites et rassemblent des gens venus du monde entier. Le monde se rapproche, et c'est plutôt bien.

O. C. : Je ne pourrai malheureusement pas assister à ton concert parisien mais j'ai compris que tu devais déjà revenir l'an prochain pour faire plus de concerts. J'ai bon espoir de te voir enfin sur scène !

Lucas Santtana : Oui, je vais revenir l'an prochain !

O. C. : J'ai cru comprendre que ton prochain album était déjà presque prêt, qu'il était déjà enregistré.

Lucas Santtana : Oui, il est en phase de mixage.

O. C. : Et à quoi va-t-il ressembler, sera-t-il dans une continuité avec Sem Nostalgia ?

Lucas Santtana : C'est un disque qui est très centré sur le groupe, en train de jouer live. Mais il y a aussi beaucoup de samples symphoniques. Parce que quand j'étais adolescent à Bahia, j'écoutais beaucoup de musique classique symphonique. Je suivais cette éducation classique et donc, même si j'écoutais de tout, il y avait beaucoup de musique symphonique. Et ça a beaucoup influencé ce que je fais. Mes quatre disques sont tous très différents entre eux. Mais ils ont tous une chose en commun qui est la recherche de textures musicales. Tous mes disques sont composés de chansons mais leurs arrangements recherchent des textures de sons superposés, des textures particulières. Et c'est quelque chose que l'on retrouve dans la musique symphonique. En raison de la variété des instruments de l'orchestre, chaque combinaison produit une texture particulière, différente. Puis, j'ai arrêté d'écouter du classique pendant longtemps. J'y suis revenu l'an dernier et ça a beaucoup influencé le prochain album.

O. C. : Mais ce sera à partir de samples ?

Lucas Santtana : Oui, ça va être samplé mais certains sons seront joués.

O. C. : Parce que les samples, c'est moins cher que d'avoir un orchestre ?

Lucas Santtana : Tu m'étonnes ! Un orchestre ? Ca, c'est impossible (rires) !

Un grand merci à Lucas pour cet échange. Sem Nostalgia figure parmi les meilleurs albums de l'année pour de nombreuses publications. Cela lui permettra, pour son retour l'an prochain, d'avoir plus de dates de concert. Personnellement, après qu'il l'ait invité dans son émission sur la BBC, je caresse l'espoir qu'il soit programmé par Gilles Peterson dans le Worldwide Festival qui se déroule à Sète. Autant dire à deux pas. D'ici là, vous pourrez découvrir prochainement dans l'Elixir une interview de Lewis Hamilton, alias Mais Um Gringo, le jeune Anglais qui a fondé le label Mais Um Discos qui a sorti Sem Nostalgia en Europe.

Et j'apprends à l'instant que le cinquième album de Lucas sortira en mars et s'appelle O Deus.

"Xirley" et les meilleures vidéos de 2011

2011-12-28T21:26:00.157+01:00

Fin décembre, vient le temps des bilans et l'occasion de se rappeler nos coups de cœur. Avant les sélections musicales, un coup d'œil sur nos vidéos préférées parce que désormais l'image accompagne presque toujours le son. Pour les blogueurs, YouTube ou Vimeo sont des opportunités extraordinaires de faire partager la musique que l'on aime. Cela peut même devenir une solution de facilité, un truc de gros feignant. On copie le code pour que la vidéo soit embedded et pof, ça fait un post en deux coups de cuiller à pot. Mais sur l'Elixir, on n'est pas comme ça. On essaie au moins de présenter les choses et l'artiste. C'est quand même la moindre des choses. Par contre, proposer sa sélection de l'année, ça, je l'avoue, c'est un peu paresseux.

Alors, si rien ne m'a autant enthousiasmé que, l'an dernier, le "Tightrope" de Janelle Monae qui est probablement la vidéo que j'ai vu le plus grand nombre de fois de toute ma vie, cette année ma vidéo préférée, c'est "Xirley" de Gaby Amarantos.

Gaby Amarantos, "Xirley", par Priscilla Brasil

Nous l'avions annoncé, avec Gaby Amarantos, la "Muse de la tecnobrega", c'est une tornade de qui allait frapper le Brésil. On attend la suite avec la sortie de son "vrai" premier album.

Ce petit film réalisé par Priscilla Brasil raconte une histoire. Il raconte en plusieurs tableaux l'ascension vers la gloire d'une chanteuse partie de tout en bas de l'échelle. Très autobiographique et ironique. Le décor et les tenues changent mais, toujours dans un coin, tout aussi kitsch que le reste, la petite statue de Nossa Senhora de Nazaré à qui Gaby voue un culte.

Si "Xirley" est mon clip préféré, c'est parce qu'il donne la pêche. Vous le regardez et vous avez envie de tout écarter sur votre passage comme la tornade Gaby !

Présenté ici le 20 octobre...

Carlinhos Brown dans les Petites Planètes, par Vincent Moon

et
dom & Kiko Dinucci, "Ciranda Para Janaína", par Jeremiah

Il y a désormais une école Blogothèque dès lors qu'il s'agit de filmer la musique quand elle se joue. Il s'agit d'être au cœur de l'action et de tourner autour des musiciens, voire de tourner sur soi-même pour saisir un panorama à 360° du lieu. Dit comme ça, ça n'a l'air de rien mais avec le talent de ces jeunes réalisateurs, c'est une véritable tentative d'immersion du spectateur sur le lieu de l'action. J'ai cru voir que la collection Ocora fondée par Charles Duvelle était une influence pour Vincent Moon. Ces enregistrements sont de véritables référence en matière d'ethnomusicologie et d'enregistrements de terrain. Charles Duvelle allait sur le terrain mais pour rendre compte de la dynamique de leur exécution, accompagnant souvent une cérémonies, des danses, etc., ne posait pas ses micros mais les déplaçait discrètement afin d’être toujours au cœur de l’action. Vincent Moon, Jeremiah et les autres réalisateurs issus de la Blogothèque semblent avoir adopté ce principe et transposé dans leur cinéma musical. En voici les deux exemples que j'ai préférés cette année.

Tourné dans son studio de l'Ilha dos Sapos, dans le Candéal, le film consacré à Carlinhos Brown par Vincent Moon, est une tournerie funk imparable. Avec Brown, quand ça commence à jouer, ça chauffe très vite ! La collection Petites Planètes qui conduit Vincent Moon à faire le tour du monde pour rencontrer des musiciens dans leur environnement est un projet magnifique. Réalisé sous licence Creative Commons et n'existant que grâce à vos dons !

Présenté le 25 mai...

Quand Jeremiah filme Dominique Pinto, aka dom (sa chérie) et Kiko Dinucci interprétant "Ciranda Para Janaína" sur un balcon, au vingt-quatrième étage d'un immeuble de São Paulo, il saisit un moment de grâce intimiste alors que le crépuscule tombe sur la ville.

Présenté le 30 novembre...

Criolo, "Subirusdoistiozin" par Tom Stringhini

OK, Criolo est la révélation de l'année au Brésil, on l'a déjà dit et répété. Mais il illustre l'importance pour un artiste qui propose son album en téléchargement gratuit d'avoir des clips soignés, de véritables petits films, afin d'être en rotation sur MTV ou abondamment regardé sur YouTube car ce qui compte, c'est désormais de se faire une notoriété et multiplier les concerts.

Avec "Subirusdoistiozin", Tom Stringhini réalise une belle reconstitution, un film "en costumes" des années 80. Avec le grain de l'image qui va avec. Un retour au temps de l'enfance de Criolo et les époques qui se succèdent jusqu'à aujourd'hui autour de l'échoppe d'un coiffeur...

Présenté le 31 août...

Madvillain, "Strange Ways", par JYB (Jean-Yves Blanc)

Pour être franc, je ne suis allé que deux fois au cinéma cette année. Pour voir Rio et Tintin. Et même si c'était pour accompagner mes enfants, j'ai me suis bien régalé. Depuis Shrek, j'adore les films d'animation en images de synthèse. Mais j'aime aussi beaucoup le hand-made. Et les imperfections qui vont avec. Le côté bricolo hyper-inventif d'un Michel Gondry. Ou le soin obsessionnel d'un Nick Park à confectionner ses personnages en pâte à modeler et ses décors. Jean-Yves Blanc, aka JYB, est un de ces passionnés méticuleux. Cela déjà quelques années qu'il sculpte les figures du hip hop et du funk en pâte à modeler. Ici, avec son matériau habituel, il a réalisé "Strange Ways", un titre de l'album Madvillain, un classique instantané du rap, l'œuvre de Madlib et MF Doom. Dans le cadre d'un concours organisé par le label Stones Throw qui invitait les vidéastes amateurs à illustrer un titre de leur choix du catalogue. Et vous savez-vous, il n'a même pas fini premier, quelle injustice !

Présenté le 22 septembre...

Les Alchimistes du Son : un documentaire sur l'innovation dans la musique brésilienne

2011-12-27T18:07:00.000+01:00

Je me lamente suffisamment de ne pas avoir accès à de nombreux documentaires réalisés sur la musique brésilienne pour ne pas manquer de signaler celui-ci. Et, même mieux, le partager ici-même. Alors, sortez le fauteuil et posez-vous, voici Alquimistas do Som de Renato Levi, d'après un scénario de Fernando Salém  , un film d'une heure consacré à l'innovation dans la musique populaire brésilienne.

Nous y découvrons des images d'archives et les témoignages entrecroisés de Tom Zé, Lenine, Arnaldo Antunes, Egberto Gismonti, Carlos Rennó ou Arrigo Barnabé. Comme il le dit en introduction, pour Lenine, le fait d'être issu d'un peuple métis et d'avoir une culture hybride pousse le musicien brésilien à l'expérimentation. Et Arnaldo souligne que le Brésil a déjà une tradition de musique populaire très sophistiquée. Et comme Arrigo Barnabé, toujours dans l'introduction, estime que les traditions n'ont pas le même poids historique en Amérique du Sud qu'en Europe, on en déduira que le Brésil est un terrain propice à l'innovation musicale.

Découpé en époques, le premier chapitre de ce film évoque João Gilberto et la bossa nova. Enfin, surtout João Gilberto. Et Tom Zé de rappeler que, quand la bossa apparaît en 1958, alors qu'il a vingt-deux ans, elle fut vraiment la folie de sa jeunesse, l'étendard de sa génération. Lenine rappelle que le Brésil était alors considéré comme le pays du futur. Brasilia, sa capitale sortait du néant imaginée par les plans d'Oscar Niemeyer, un architecte visionnaire (et communiste)*. La bossa a mis le Brésil sur la carte du Monde, comme le dit Tom Zé : "nous n'étions jusqu'alors qu'à la périphérie de la planète et le monde ignorait tout de nous puis, grâce à la bossa nova, le monde entier a su ce qu'était le Brésil"... Il nous dit combien le chant feutré de João Gilberto était tellement impensable en ces temps de chanteurs à voix qu'il fut surnommé le "ventriloque" !

L'époque suivante est celle du Tropicalisme qui introduit les guitares électriques, fait redécouvrir au pays ses rythmes régionaux, cherche du côté des musiques contemporaines et voue un culte à João Gilberto ! Mouvement culturel comme il y en eut quelques uns de par le monde à la fin des années soixante, le Tropicalisme fut considéré comme "une trahison à la nation", rappelle Tom Zé. Et en matière d'expérimentation, le lutin bahianais possède une imagination des plus fertiles. Au tout début du film, on le voit interpréter, en 1978, un de ses morceaux "Música et Músicas", œuvre avec orchestre, bandes et outils. Il intègre à sa musique des bandes, des transistors, de vrais instruments et où il fait chanter la rencontre des cloches agogô et d'une disqueuse ! Du Tom Zé en majuscule ! Comme le dit Arnaldo Antunes, ce n'est pas seulement de la musique mais aussi de la performance, pour la dimension scénique, pour l'attitude, cette intégration des objets et bruits du quotidien.

On voit des images de Caetano Veloso, en pleine période hippie, expliquer que le Tropicalisme était né d'une révolte contre les limites établies du bon goût. Ce qui demeure aujourd'hui une caractéristique forte chez lui.

C'est Egberto Gismonti qui propose une belle métaphore pour décrire la portée du mouvement. Il prend l'image de la catapulte : pour projeter quelque chose loin dans le futur, il faut d'abord qu'elle se tende vers le passé.

Est ensuite présentée la Vanguarda Paulista et ses figures comme Arrigo Barnabé et Itamar Assumpção. Apparu à la fin des années soixante-dix à São Paulo, cette scène mêlait elle-aussi les références en une musique parfois difficile. Barnabé était un musicien savant qui avait l'ambition d'introduire des éléments dodécaphoniques ou atonalistes dans la musique populaire brésilienne. Pour filer la métaphore un brin caricaturale, si Jobim c'est Debussy, alors Arrigo Barnabé, c'est Schönberg ! Entendez par là que cette Vanguarda Paulista n'a pas choisi la facilité, que sa musique n'était pas du genre à nous caresser dans le sens du poil. Mais aussi avec Itamar Assumpção et Arrigo Barnabé, même l'expérimentation peut être funky !

Dans la partie suivante, on flirte avec les musiques savantes. Pour Uakti, l'innovation passe par l'invention d'instruments originaux et fabriqués sur mesure. L'influence, entre autres, de Walter Smetak et Hans-Joachim Koellreutter est évoquée. Ce grand compositeur allemand installé au Brésil dans les années trente, a développé un enseignement dont peuvent se revendiquer Tom Zé, ou Marco Antônio Guimarães, fondateur du groupe Uakti. "J'ai eu le bonheur, dit Tom Zé, d'avoir fréquenté, dans un pays où des gens crèvent de faim, une école de musique hyper-sophistiquée qui a pu ouvrir les yeux de tant d'élèves".

Marco Antônio Guimarães souligne qu'en matière d'invention de nouveaux instruments, la richesse du monde de la percussion est infinie. Ce qui est très bien illustré par le film. Carlinhos Brown serait un représentant de cette école mais, ici, c'est Naná Vasconcelos qui fait montre de cette incroyable inventivité. Mais ce grand maître prévient : "la percussion, ce n'est pas seulement pour faire du rythme. C'est aussi pour faire des sons. Les sons de la nature, du vent, de la rivière, des animaux". On entendra en écho Hermeto Pascoal déclarer que "tout le monde veut imiter les animaux". Difficile, en effet, d'évoquer l'innovation dans la musique brésilienne sans retrouver Hermeto Pascoal.

Renato Levi, Alquimistas do Som (2003), en intégralité :

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* Il quittera d'ailleurs le pays quand celui-ci basculait dans la dictature et profitera de son exil français pour dessiner notamment le fameux siège du Parti Communiste Français, place du Colonel Fabien. Aujourd'hui centenaire, Niemeyer a également eu l'inspiration d'écrire les paroles de quelques sambas, comme nous l'apprenait BossaNovaBrasil.

Son of Bazerk : complètement Bazerk !!! (1991, vingt ans après)

2011-12-22T23:25:00.001+01:00

Nous avions annoncé le retour de Son of Bazerk il y a un an jour pour jour mais, en cette année 2011 dans le cadre de notre rétrospective 1991, vingt ans après, c'est le moment d'évoquer les vingt ans de leur chef d'œuvre, leur seul et unique album avant leur récente reformation : Bazerk Bazerk Bazerk !

Son of Bazerk, c'était peut-être la plus grande voix de l'histoire du rap. Chuck D. de Public Enemy en est convaincu : "Son of Bazerk has the greatest voice ever !". Le groupe se distinguait de ses collègues en s'inspirant du style de James Brown, une tension rythmique incroyable, un beat ultra sec, des costumes bien coupés et une pochette inspirée du Please Please Please du Maître... Assez flagrant, n'est-ce pas ?

En un seul album, Bazerk, Bazerk, Bazerk, sorti en 1991, Son of Bazerk a acquis un statut culte. Il faut se souvenir, si vous en avez l'âge, de l'impact du groupe à sa sortie. "J.Dub's Theme", "Change the Style", "What Could Be Better Bi***", etc. Qui a entendu ces titres n'est pas près de les oublier ! Une bombe. Sans exagérer. Une vraie bombe.

D'ailleurs, en parlant de bombe, c'est Keith et Hank Shocklee du bien nommé Bomb Squad, délaissant Public Enemy le temps de produire Son of Bazerk, qui réalisèrent l'album. Il était absolument incompréhensible que pareil album ne connaisse pas de suite. Ironie de l'histoire, c'est Hank Shocklee qui serait responsable de la fin de l'aventure en les renvoyant à leurs chères études, n'ayant jamais jugé dignes d'être sorties les propositions de nouvel album du groupe. C'est du moins ce que déclara Son of Bazerk dans une interview accordée à Unkut en 2008. Une version des faits qui est démentie par Shocklee. Who knows... Cela va jusqu'à en faire perdre sa lucidité à Bazerk qui prétend détester la musique de "Change the Style", alors que c'est un numéro hallucinant de virtuosité, justement par cette façon vertigineuse de jongler avec les styles.

"- Je détestais la musique sur “Change the Style”, ce n'est pas ce que je leur ai donné.
- Mais les gens considèrent ça aujourd'hui comme un classique !
- Pour moi, c'est nul. J'en ai rien à foutre. Je déteste cette chanson"

Curieuse réaction... Tout le monde était pourtant béat devant un tel morceau. Dee Nasty, notre ancien French Zulu King, disait alors son admiration pour le travail du Bomb Squad sur ce disque : "la qualité des machines ouvre des horizons de plus en plus vastes, et on arrive à des choses complètement extrémistes comme Son of Bazerk. C'est l'équipe qui est derrière Public Enemy, Bomb Squad, qui fait les musiques. Si tu décortiques ce qu'ils font, ça devient de la folie. Je ne sais pas combien de minutes de samples ils font. Tu as quatre rythmiques qui tournent en même temps, là-dessus plein d'arrangements... Tu as l'impression que dix DJs jouent en même temps" (in Terminal n° 56, novembre-décembre 1991).

Si mon titre préféré demeure le "J.Dub's Theme", "Change the Style" est une véritable démonstration, un tour de force destiné à mettre la concurrence sur les rotules ! Je vous laisse découvrir ça !

Encore aujourd'hui, Bazerk Bazerk Bazerk reste un de mes disques de rap préférés.

PS : les lecteurs fidèles reconnaîtront des extraits du texte publié l'an dernier. Certes, mais c'est mon anniversaire et je n'ai pas le temps d'en faire plus. Et puis, c'est déjà pas mal, non ?

Flavia Coelho et sa "bossa muffin", ou l'ingérence française en matière de musique brésilienne

2011-12-21T22:19:00.053+01:00

Certes, Baden Powell a fait une partie de sa carrière en France. Certes, Naná Vasconcelos a sorti ses deux premiers albums sur le même label que Baden, Saravah. Mais pour deux grands maîtres, combien de fumisteries ? Il s'agit d'une vieille manie nationale, une forme d'ingérence qui ne dit pas son nom. En France, on a une fâcheuse prétention à avoir notre propre vision de la musique des autres. En matière de musique brésilienne, la dernière venue s'appelle Flavia Coelho. Et c'est elle qui est mise en avant par la grande chaîne de supermarchés culturels qui avait jadis vocation à être "agitateur culturel" ! Alors qu'au Brésil l'année a été particulièrement riche en albums sublimes, en France on préfère la Bossa Muffin, sic !

Parce qu'en France, on ne se contente pas de faire découvrir de nouveaux artistes brésiliens, non, on préfère carrément inventer un nouveau style musical, ici la bossa muffin ! Il s'agit du titre de l'album de cette charmante jeune femme qui a tapé dans l'œil d'un professionnel de la profession qui a pignon sur rue et possède deux studios d'enregistrement...

Les musiciens brésiliens à avoir fait carrière en France sont nombreux, y compris ceux qui sont restés inconnus dans leur pays d'origine, ce qui est souvent un mauvais présage. De cette longue histoire se détachent bien quelques figures de génie, Baden Powell ou Naná Vasconcelos donc. Quelques divisions en dessous, il y eut également Nazaré Pereira, Mônica Passos ou Les Etoiles. Ou plus récemment Bïa ou Márcio Faraco. Tous ayant en commun d'avoir à un moment de leur carrière vécu en France et d'y avoir été signés sur un label national. Nous eûmes aussi droit à des styles dénaturés et présentés dans une version racoleuse, Kaoma pour la lambada ou Carrapicho pour le bumba meu boi. Mais reconnaissons également que c'est sur un label français, Delabel, que Carlinhos Brown a sorti Alfagamabetizado, son premier album.

Si le monde de la musique au Brésil est un univers hyper-concurrentiel débordant de talents où il est difficile de faire son trou, le choix de la France n'a rien d'un Eldorado. Outre que l'exil est le meilleur combustible de la saudade, on peut souhaiter à Flavia Coelho d'enchaîner les dates et avoir suffisamment de cachets pour obtenir le statut d'intermittente du spectacle.

Franchement, je n'ai rien contre Flavia Coelho et sa musique. Mais c'est quoi cette bossa muffin, à part une tentative éhontée de faire du racolage musical ? C'est une musique plutôt bien troussée, souvent acoustique, et qui balance plutôt reggae. Les paroles sont le plus souvent en portugais... La musique de Flavia Coelho est légère, enlevée... Ensoleillée est le qualificatif qui reviendra le plus souvent pour la décrire parce qu'on n'a pas grand-chose d'autre à en dire. Ses chansons sont peut-être très personnelles mais... insipides, sans aucun caractère. Et la prose que nous sert son Blue Line Productions, son label, en guise de biographie sent carrément l'arnaque à plein nez. "Son titre, Bossa Muffin (...) claque comme une déclaration d’indépendance, ou un manifeste. Mais un manifeste sans dogmes ni mots d’ordre, qui dans la spontanéité du geste musical chanterait avant tout les vertus du métissage, de la mondialisation sous son visage le plus humain". Du vent, le genre de phrases creuses que nous balancent les labels pour faire mousser des artistes trop plats.

Dans le rap, la street credibility est parfois un critère d'exclusion alors que l'on sait pourtant que tous les rappeurs ne viennent pas du ghetto et que c'est notamment le cas de quelques uns parmi les plus intéressants d'entre eux. Mais la street cred', ça sert à repérer les intrus, les "faux", les avatars inventés par les maisons de disque parce qu'ils sont moins gênants... Appliquée à d'autres genres musicaux, il serait parfois bon d'interroger la crédibilité de certains artistes ? D'où vient Flavia Coelho ? A quelle scène brésilienne est-elle rattachée ? Par quels pairs est-elle reconnue ? Cela nous fera gagner du temps.

On sait le peu de place accordée en France aux musiques brésiliennes. Actuellement, s'ouvre pour la musique brésilienne une période exceptionnelle de créativité où de nouveaux artistes très nombreux re-visitent leurs racines pour mieux être ouvert à leur temps. A l'humble échelle de ce blog et rien que cette année, nous avons présenté de nombreux albums et artistes passionnants. Au lieu de ça, à l'heure des cadeaux de Noël, que voit-on en tête de gondole ? Navrant...

Anelis, ou comment la fille d'Itamar Assumpção s'est fait un prénom

2011-12-20T15:01:00.000+01:00

Si São Paulo est devenu la capitale culturelle du Brésil et abrite aujourd'hui une grande diversité de scènes musicales, le phénomène est encore récent. De cette nouvelle génération pauliste, certains musiciens revendiquent l'héritage du premier mouvement indépendant issu de la ville, la Vanguarda Paulista. Un mouvement avant-gardiste tourné vers l'expérimentation pour s'émanciper des carcans dominé par les figures d'Itamar Assumpção et d'Arrigo Barnabé. Parfois, au sein de cette relève, les liens avec la Vanguarda Paulista sont carrément filiaux. Ainsi Iara Rennó est-elle la fille de la chanteuse Alzira Espindola et du parolier Carlos Rennó, tous deux acteurs de cette scène. Tulipa Ruiz est la fille d'un musicien d'Itamar Assumpção. Quant à Anelis, une des filles d'Itamar en personne, elle a sorti cette année son premier album.

Lancé au printemps dernier, Sou Suspeita Estou Sujeita Não Sou Santa a été depuis mis à la disposition du public par Anelis, en téléchargement gratuit (mp3 320kbps) sur la Musicoteca. Ce qui est le prétexte pour qu'on en parle : il vous sera facile d'aller vous le procurer ! Pour des débuts, elle a mis la barre assez haut. Avait-elle le choix ? Non. Quand on est la fille d'un musicien culte, on est attendu au tournant. C'est d'ailleurs la voix d'Itamar Assumpção que qui ouvre cet album de façon magistrale avec l'excellent "Mulher Segundo meu Pai". Un titre inédit de celui-ci qu'elle interprétait déjà en 2005 sur l'album Filme Brasileiro de son premier groupe, Dona Zica. Un groupe indépendant de São Paulo clairement en avance de quelques années sur son temps. Et pour souligner l'inscription familiale, Anelis a également invité sa sœur Serena et sa fille Rubi !

S'il est parfois considéré comme un artiste maudit", le "maldito da MPB", Itamar Assumpção est donc une légende. Un documentaire vient d'ailleurs de lui être consacré, Daquele Instante em Diante. Outre son œuvre majeure, Itamar s'est illustré pour avoir, parmi les premiers, voulu s'affranchir des majors. Il était rebelle à ce système et donc dérangeant. La liberté artistique a un prix et ce combat, son combat, n'était pas encore à l'ordre du jour pour ses pairs musiciens. Aujourd'hui, sa démarche trouve un écho au sein de la nouvelle génération qui peut se revendiquer de lui. On ne s'étonnera donc pas qu'Anelis ait sorti ce premier album sur un label indépendant. Ni qu'elle le propose désormais en téléchargement gratuit. Si Itamar était encore là*, nul doute qu'il aurait été le premier à inciter sa fille à adopter une telle démarche !

S'adapter à un nouveau modèle de diffusion de la musique est une chose, encore faut-il signer une œuvre exigeante pour être à la hauteur d'un tel pedigree. C'est là que les choses se corsent car il n'est pas aisé de se faire un prénom. Mais sur ce plan-là aussi, Anelis réussit brillamment ses débuts en solo. Sous ses airs de gamine espiègle, à trente ans, elle a déjà un long parcours dans la musique : encore adolescente, elle accompagnait déjà son père sur scène aux chœurs, avant d'être de l'aventure Dona Zica, formation où elle retrouvait sa copine d'enfance Iara Rennó, autre enfant de la balle.

Ce premier album a visiblement été longuement mûri et les morceaux déjà rodés sur scène depuis plusieurs années. Car Anelis signe là un disque d'auteur, composant la plupart des titres. Et ils sont nombreux ! Quand la très grande majorité des albums brésiliens semble encore marquée par les traces d'un phonograph effect qui limite à douze le nombre de chansons et à une quarantaine de minutes la durée, elle signe un "double-album" de plus d'une heure et dix-sept morceaux**. Un telle durée étant peut-être une façon de conjurer la pression ou de démontrer qu'elle tient la distance.

Sou Suspeita... est aussi l'accomplissement de son travail de chanteuse. Elle est impeccable dans tous les registres, y compris le rap (ce qui ne surprendra personne : elle anime en effet l'émission Manos e Minas consacrée au rap et aux cultures urbaines). Sa voix ne souffre ici aucune comparaison, même quand elle s'entoure de ses consœurs CéU, Thalma de Freitas ou Karina Buhr.

Entre les ballades et le reggae et ses grosses basses, se glissent sans perdre le fil ni la cohérence globale du projet des touches jazzy rétro sur "One Day", rock ou afros sur "Sonhando". Pour donner corps à ce répertoire, lui donner un son, elle est accompagnée d'une formation particulièrement pointue dont la moitié des membres appartient au groupe de reggae pauliste Rockers Control, paraît-il le meilleur de la ville : Cris Scabello (guitare), Mau Pregnollato (basse) et Bruno Buarque (batterie). Elle s'inscrit aussi dans la lignée familiale puisqu'on trouve également à ses côtés Lelena Anhaia (guitare) et Simone Sou qui avaient fait partie des Orquídeas do Brasil, le groupe féminin qui accompagna Itamar. Les invités sont nombreux et contribuent à étoffer la texture sonore de ce disque. Citons simplement Curumin à la batterie (son mari à la ville) ou Daniel Ganjaman aux claviers...

A côté de morceaux reggae qui trouveraient sans mal leur place sur la bande-son ensoleillée de nos humeurs légères, les ballades sont inspirées, de vraies chansons. Anelis Assumpção nous offre un album où les trames sont complexes et qui s'avère si dense que les écoutes ne l'épuisent pas mais en révèle toute la riche matière. Une vraie révélation.

Anelis, Sou Suspeita Estou Sujeita Não Sou Santa (2011)

@ Musicoteca (mp3 320 kbps)

01. Mulher Segundo Meu Pai
02. Bola Com Os Amigos
03. Amor Sustentável (avec Gero Camilo)
04. Passando a Vez
05. Deita I
06. Secret (avec Céu et Thalma de Freitas)
07. Neverland (avec Céu)
08. Sonhando (avec Karina Buhr et Flávia Maia)
09. Estrela
10. Quaresmaira (avec Alzira E)
11. One Day (avec Cris Scabello)
12. Alta Madrugada (avec Céu et Thalma de Freitas)
13. Deita II
14. Luz Nos Meus Olhinhos
15. Paixão Cantada (O Urso da Cara Brilhante)
16. O Importante é o que interessa (avec Lurdez da Luz et Rodrigo Brandão)
17. Como é Gostoso

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* Itamar Assumpção est décédé en 2003, à cinquante-trois ans seulement.

** Macunaima, le très ambitieux premier album de son amie Iara Rennó, inspiré du roman de Mario de Andrade, avait également la durée d'un double-LP.

Hommage à Cesaria Evora : le chant comme hygiène de vie

2011-12-19T16:07:00.000+01:00

Une des plus grandes voix du Monde vient de s'éteindre. De Cesaria Evora, on disait qu'elle avait mis l'archipel du Cap-Vert sur la carte du Monde. A-t-elle vraiment fait connaître les mornas et coladeras au public international ? Elle a surtout fait passer un frisson et touché l'universel. Elle était aussi la preuve que le chant se contrefout de l'hygiène de vie que lui prescrivait ses médecins.

Révélée à presque cinquante ans, Cesaria Evora avait dans son chant une vie d'épreuves, une vie à chanter dans les bars, une vie et des amours déçues. Que serait devenue sa voix si elle n'avait pas bu et fumé autant ? Si elle n'avait pas souffert en amour ? Si elle n'avait pas été, aussi et surtout, une bonne vivante qui aimait bien rigoler ?

José da Silva, le patron de Lusafrica, l'homme et le label qui l'ont révélée, a eu la bonne idée de rééditer ses premiers enregistrements quand elle chantait pour Radio Mindelo. Âgée d'une vingtaine d'années seulement, elle n'était alors qu'une charmante jeunette au beau brin de voix. Elle chantait déjà parfaitement juste mais sa voix ne portait pas encore cette émotion bouleversante qui fera d'elle cette grande dame de la chanson, cette "diva aux pieds nus".

Le répertoire qui figure sur ces premières sessions a été revisitée par Cesaria durant toute sa carrière, nous en avons choisi deux exemples :

Cesaria Evora, "Sangue de Beirona", Radio Mindelo - Early Recordings (mp3 320kbps)
Cesaria Evora, "Sangue de Beirona", Cabo Verde (1997) mp3 320 kbps

Cesaria Evora, "Mar Azul", Radio Mindelo - Early Recordings (mp3 320kbps)

Cesaria Evora, "Mar Azul", Mar Azul (1991) (mp3 320kbps)

En apprenant sa mort, j'ai repensé à l'article de Véronique Mortaigne pour Le Monde, publié en septembre dernier, "Au Bord du vide, Cesaria Evora tira sa révérence" (23/9/2011). La mort dans l'âme, elle venait d'annuler tous ses prochains concerts et annonçait sa retraite définitive. Alors qu'elle avait fêté ses soixante-dix ans l'été dernier, ce qui avait eu raison d'elle, apprenait-on, n'était pas l'alcool ni le tabac mais les... chips !

"Un jour, cet été, une enfant est venue chez moi, elle avait un petit paquet de chips à la main. Je voulais les goûter, mais je n'osais pas lui demander. Quand elle est partie, j'ai demandé à Piroque d'aller m'en acheter. Le jour suivant, pareil, et ainsi de suite". Ainsi de suite... Cesaria ne savait visiblement pas s'arrêter... "J'aime le goût du sel et le croquant. Avec une petite bière, non ? Vous voyez comment c'est, les petits paquets de chips portugaises ? Si on m'avait laissé en acheter un, je vous aurais montré". Incorrigible !

Cesaria était peut-être compulsive, célèbre pour sa générosité, elle possédait aussi une sagesse qui concluait par une morale cette histoire : "la petite fille aux chips n'est pas responsable, on n'a pas à envier ce que l'autre tient dans sa main".

FFF : quand le funk français était adoubé par George Clinton (1991, vingt ans après)

2011-12-15T22:43:00.000+01:00

"Leurs cauchemars sont nos rêves,

leurs peurs sont nos espoirs.

Dès que nos tempos résonnent,

ils sont dans le brouillard.

Je dédicace ce couplet

à tous les bourgeois de la terre,

se sent concerné qui doit, ou qui veut"

(FFF, "Tout pour le Kifff")

Il serait impensable de boucler cette rétrospective sur 1991*, vingt ans après, sans rendre hommage à FFF dont le premier album, Blast Culture, est sorti cette année-là. Plus encore que sur disque, les découvrir sur scène fut une claque monumentale ! Car avant d'être adoubé par George Clinton, FFF, la Fédération Française de Funk, a chauffé les salles avec une saine fureur !

Avec FFF, il faut commencer par le début et dire l'impact incroyable de leurs concerts. Avant de découvrir leur premier album, je les avais vu sur scène. Lors de je ne sais plus quelle soirée, j'avais aussi remarqué sur les murs de l'Hopital Ephémère, dans le XVIIIe, des affiches annonçant : "FFF, ils arrivent". Ou un truc dans le genre... Se replonger dans cette époque, le début des années quatre-vingt-dix, c'est se souvenir qu'il y eut sur Paname un petit microcosme dédié au revival funk. Un funk placé sous les meilleurs auspices, allant biberonner à la meilleure source, pas celle d'un moonshine frelaté mais celle des purs millésimes, celles des cuves de master blenders. Au sein de ce microcosme, si Juan Rozoff avait la flamme, les deux groupes majeurs étaient sans conteste FFF et la Malka Family, récemment présentée ici en plusieurs épisodes.

Les deux formations se détachaient mais étaient assez complémentaires. Quand Malka poussait loin le bouchon du bordel ambiant tout en cultivant la disponibilité de guys next door, FFF semblait taillé pour le succès. D'ailleurs, ils ont tout de suite signé chez Sony ! Il est plus facile de gérer six gars que douze, en termes d'image et de marketing s'entend ! Le problème de Malka était bien là : comment construire sa carrière quand il faut partager les cachets à parts égales entre une bonne douzaine de gars ! Certes, FFF était deux fois plus nombreux qu'un power trio mais deux moins que Malka. Et, surtout, le groupe possédait sa star, sa personnalité charismatique capable d'être sur le devant de la scène et tirer les autres comme une locomotive. Marco Prince était une vraie bête de scène. Le type qui démarre la journée en arrosant ses céréales d'une bonne rasade d'égo-trip. Mais suffisamment malin pour cultiver la mégalomanie au second degré, parce qu'il sait très bien qu'elle est le bagage minimum pour qui prétend chanter dans un groupe de funk ! Le refrain du premier titre de l'album, quand un chœur de nanas chantent : "Marco, viens m' chercher", est à prendre dans ce sens-là. Humilité et grand spectacle ne font pas bon ménage.

Alors oui, quand j'ai vu débarquer ces types sur scène, ce fut une bonne claque. Si Marco Prince était le chanteur qui faisait défaut aux autres formations, et qui en plus jouait du trombone, la palme d'argent de la présence la plus forte revenait tranquillement à Niktus, le bassiste. La première fois que je l'ai vu, j'ai à demi-halluciné : avec son manteau de plumes blanc (le même que dans le clip ci-dessous), ces énormes bagouzes à tous les doigts, on aurait cru un Lemmy échappé de Mötörhead pour empoigner la basse de Bootsy ! Et le type demeurait imperturbable sur scène, planté droit, impassible : il nous rappelait que l'art du cool commence par savoir rester de marbre et ne rien laisser passer de ses émotions. J'apprenais ensuite qu'il était un ancien de Cosmic Wurst, un groupe de hardcore mené par Pat Ca$h, un des types qui donnait l'air d'être parmi les plus branchés de Paname (il organisait des fêtes et était dans la mouvance de Nova-Actuel) mais avait aussi des airs de poseur tête à claque. Nicolas Baby, alias Niktus, était d'ailleurs à l'origine de FFF. C'est lui et Marco Prince qui ont commencé à jouer ensemble avant que ne se greffent au projet Krichou Montieux à la batterie, Yarol Poupaud à la guitare, Philippe Niel, aka "Félix", aux claviers, et "Pinpin" au saxophone. Ce dernier était un rescapé de la génération précédente, Philippe Herpin (de la Croix Herpin pour l'état civil) avait en effet joué dans Marquis de Sade, emblématique formation de la new wave rennaise.

Le moins qu'on puisse dire, c'est que FFF la jouait musclé. Plus que du funk, comme leur nom, splendide trouvaille, le laissait croire, ils disaient jouer du fonck ! A savoir un mélange de funk et de rock. Et, en matière de rock, ils pouvaient compter sur un guitar hero littéralement déchaîné : Yarol Poupaud, frère de l'acteur Melvil. J'avais à l'époque un ami qui me disait répéter dans le local mitoyen de celui de FFF : l'enfer ! Ils étaient tellement à donf et jouaient tellement fort que c'était juste impossible de s'entendre. Et à ce petit jeu, je soupçonne Yarol d'avoir été le premier à pousser le volume de son ampli. Sur scène, c'était la même chose : il lui était difficile de mettre fin à un solo ou une envolée bruitiste. En matière de raffut, Krichou n'était pas loin derrière. Il faisait partie de ces batteurs pour qui la performance est également physique. Notre grand costaud à dreadlocks tapait comme un malade. Je l'ai vu une fois sur scène pour son projet Liquid, dans mon souvenir plutôt drum n bass, rivaliser avec une boîte à rythmes et il faut dire que c'était assez impressionnant.

FFF ? Qu'on n'aille pas dire qu'ils se la pétaient. C'est juste que ça faisait partie du job et, en la matière, ils assuraient grave et avaient une sacrée allure.

Dans la foulée de Blast Culture, un album produit par Bill Laswell, ma chère, il ne passa pas inaperçu que l'on retrouve George Clinton dans le clip de "New Funk Generation". Mieux, de son épée, il les adoubait au pied du Sacré Cœur. Waaahhh, trop la classe !!! A ce stade, je précise que le chauvinisme n'a que peu à voir avec le patriotisme, encore moins le nationalisme, surtout avec celui qui nous est emballé-pesé par le gouvernement, ce truc qui pue la xénophobie. En voyant Clinton dans le clip de FFF, on était juste fier, c'était une reconnaissance de ce qui se passait ici en matière de funk. Certains en ricaneront aujourd'hui mais il y a vingt ans, c'était juste inespéré. Dans la foulée, le groupe fut admis au sein de la Black Rock Coalition. Là encore, c'était historique. Dites-moi si je me trompe mais je ne pense pas qu'un autre groupe français ait jamais été invité à faire partie de cette confrérie.

Tant pis s'il n'est pas toujours un poète inspiré, Marco Prince a signé sur Blast Culture des refrains définitifs comme : "Mama Fonck, plus fonck que toutes les mamas" ! Eh, qu'est-ce que vous voulez ajouter à ça ! Quant à son veni vedi vici, c'était presque la devise de toute une génération : "FFF vit, a vécu et vivra : TOUT POUR LE KIFFF !!!"

Sorti en 1993, Free For Fever, leur deuxième album, était encore meilleur. Une bombe indémodable, un boucan d'enfer, une déflagration qui n'a pas pris une ride. On en reparle pour ses vingt ans ?

Quand j'ai acheté l'album, c'était en double-vinyl. Outre l'album, il y avait un disque live en bonus. Si j'arrive à le faire ripper d'ici la fin du mois, je vous le propose en téléchargement. C'est un témoignage historique de ce formidable bruit de funk et de rock que jouait FFF.

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* J'espère encore trouver le temps de présenter le premier album de Galliano, emblématique de l'acid-jazz et du premier label de Gilles Peterson, Talkin Loud !

Guinga et Marcelo Pretto : le duo du docteur et de l'ogre

2011-12-14T21:55:00.000+01:00

Quand deux monstres se rencontrent, ça fait boum, splash, hiiie ! Guinga et Marcelo Pretto sont ces deux monstres. Guinga invite le second le temps d'interpréter "Nítido e obscuro", composé par le premier sur des paroles d'Aldir Blanc. Il ne sont même pas sur scène, juste assis sur des chaises face à quelques spectateurs. Et c'est impressionnant : leur duo, c'est de la voltige de haut vol !

Si je les qualifie de "monstres", c'est surtout parce que Marcelo Pretto me fait penser à un ogre. Un ogre gentil. Un chanteur de la démesure. Cet ancien membre des Barbatuques et de A Barca est aussi à l'aise dans l'onomatopée et la percussion vocale que dans le chant proprement dit, y compris le chant caressant. Un Brésilien certes mais qui semble sortir d'un élevage d'oies et de canards du Périgord. Il a en tout cas le gabarit de celui à qui je commande mes foies gras et confits : une bonne taille XXL de rubgyman.

Quant à Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, dit Guinga, il contraste sérieusement avec son collègue. Surnommé le "Docteur", il est tout en élégante réserve. Guinga s'est imposé comme un des grands guitaristes brésiliens, un virtuose discret, maître des harmonies.

Ce petit message est aussi l'occasion de saluer mon compère blogueur qui est un connaisseur, grand fan de Guinga et amateur des Barbatuques. Il s'agit bien sûr de Thierry de BossaNovaBrasil. Lire le billet quotidien de Thierry est, en général, une des premières choses que je fais le matin. Après mon copieux petit-déjeuner puis après avoir déposé les enfants à l'école, s'entend. Mais avant d'aller travailler. J'allume mon ordinateur, consulte mes mails et ouvre la page de l'Elixir. Notre bonhomme étant matinal, j'y trouve le lien vers sa nouvelle chronique. Pour commencer la journée d'humeur légère !

Caçapa et la finesse des éléphants

2011-12-13T23:42:00.009+01:00

Le Brésil est décidément un pays de cordes et de guitares de toutes sortes. Et malgré la richesse des traditions, les artistes parviennent encore à découvrir des approches originales. Si Lucas Santtana s'est brillamment amusé à subvertir la contrainte du voz-violão en pratiquant le sample autant qu'en jouant vraiment sur sa guitare, si Robertinho Barreto a modernisé le langage de la guitarra baiana, c'est à la viola dinâmica que s'est consacré Caçapa.

Elefantes na Rua Nova, son premier album, est un des plus singuliers sortis au Brésil cette année. Il s'agit d'un disque instrumental consacré à un concept musical typiquement nordestin, le rojão, et concentré donc sur cet instrument inhabituel, la viola dinâmica, présent sur trois pistes différentes et joué avec des accordages différents. Si vous vous imaginez qu'il faut être musicien et féru d'instruments à cordes, pour apprécier ce projet, que vous l'imaginez trop aride et conceptuel, vous faites erreur. Il faut écouter le travail de Caçapa car il est particulièrement hypnotique. Il invente là une sorte de coco psychédélique, comme si la surf music devenait aussi ésotérique que la kabbale !

Cela fait déjà quinze ans que Rodrigo Caçapa est présent sur la scène musicale du Pernambouc. On a déjà pu mesurer tout ce que la musique d'Alessandra Leão doit au travail de Caçapa. Sur Dois Cordões notamment, on était saisi par ces entrelacs polyphoniques de violas. Mais les amateurs peuvent suivre sa carrière depuis son premier groupe, Chão e Chinelo, inscrit dans le mouvement manguebit né à Récife. Mais, que ce soit comme musicien, compositeur, arrangeur ou producteur, la liste est longue des disques auxquels a participé Caçapa. Pour son premier travail solo, il rassemble tous les savoirs acquis au service d'une exploration très réfléchie de nouvelles pistes instrumentales.

Caçapa s'est attaché au timbre de la viola dinâmica, une viola à résonateur. C'est dans les années quarante que le luthier Del Vecchio, basé à São Paulo, a inventé l'instrument. Depuis d'autres luthiers, en particulier dans le Nordeste, fabriquent des violas dinâmicas. Comme le dobro, la viola dinâmica possède une sonorité métallique et nasale. Construite sur le même principe, elle possède en guise de rosace un disque d'aluminium qui lui donne cette résonance particulière. La vibration des cordes est transmise à une pièce de bois qui la répercute à son tour au disque d'aluminium. L'instrument est principalement utilisé dans le Nordeste, en particulier par les repentistas dans les traditions de la cantoria. Egalement surnommée viola de sete bocas, en raison de ses sept "bouches", la viola dinâmica possède dix cordes, cinq paires de deux, mais il existe plusieurs systèmes d'accordage. Le projet est ambitieux et musicalement complexe. Heureusement, Caçapa est un garçon qui a les idées claires et explique avec beaucoup de simplicité sa démarche. Il présente ici l'instrument :

Autre élément mystérieux, qu'est-ce que le rojão ? Tous les titres sont numérotés plutôt que nommés. Il y a ainsi les "Coco-Rojão n°1", "Coco-Rojão n°2", "Coco-Rojão n°3" et "Coco-Rojão n°4", les "Baiano-Rojão n°1" et "Baiano-Rojão n°2", le "Samba de Rojão n°1" et le "Rojão n°1". Nous voilà bien avancés ! En fait, dans le Nordeste, le rojão désigne les styles traditionnels quand il ne sont pas clairement définis, comme chez Jackson do Pandeiro par exemple. Il renvoie aussi au toque de viola des repentistas. C'est de ce sens du rojão qu'est né le projet de Caçapa puisque le disque est véritablement dédié à un instrument.

Comme il l'explique dans cette autre vidéo ci-dessous, "une des particularités de ce disque est l'utilisation de textures polyphoniques. Qu'est-ce que la polyphonie, c'est l'utilisation de différentes lignes mélodiques qui exige une grande clarté de l'espace sonore". Ainsi, il accorde ses trois violas différemment, l'une viola privilégiera les graves, l'autre les médiums, et la dernière les aigus.

On retrouve pour accompagner Caçapa, Alessandra Leão, sa femme, aux percussions, et Hugo Linns à la guitare basse acoustique. A signaler que ce dernier joue lui-même de la viola dinâmica sur ses projets solos.

Si sa musique est particulièrement envoûtante, il ne faut pas manquer de souligner l'accent mis sur la présentation du projet. Le site internet qui l'accompagne est un modèle en termes didactiques. On peut ainsi écouter certaines pistes de l'album en suivant les partitions. On distingue ainsi les partie de chacun des instruments. C'est particulièrement intéressant dans le cas de la viola dinâmica présente sur trois pistes qui s'entrecroisent. D'un simple clic, on peut choisir de n'en écouter qu'une seule, deux ou les trois ensemble. C'est beaucoup plus qu'un gadget, c'est toute la clarté de son projet que souhaite partager Caçapa. Sur son site, vous trouverez également d'autres vidéos où il explique sa démarche.

Une œuvre passionnante qu'il faut laisser tourner en boucle.

Le site dédié à l'album Elefantes na Rua Nova : http://www.cacapa.mus.br/

Robertinho Barreto, leader de Baiana System : un entretien pour l'Elixir

2011-12-12T23:52:00.002+01:00

Vous ne connaissez pas encore Baiana System ? Préparez-vous, 2012 sera une bonne année pour eux ! Robertinho Barreto, le fondateur du groupe, nous a accordé une interview alors qu'il était à Copenhague pour le WOMEX. Il nous a présenté ce projet très particulier et a évoqué la place qu'y tient la guitarra baiana...

Baiana System, c'est un coup de cœur instantané. Un des meilleurs disques sortis de Bahia ces dix dernières années. Alors nous avions présenté Baiana System une première fois l'an dernier. Puis encore en septembre, sous le titre "Baiana System, mini guitare et gros sound system", cette fois-ci, en proposant l'album en téléchargement. Un album que l'on peut également se procurer gratuitement (en mp3 320kbps) sur le site du groupe. Parce que le projet initié par Robertinho Barreto est très cohérent et profondément ancré dans la musique locale. Avec Baiana System, il a considérablement modernisé la petite guitarra baiana, inventée par Dodô et Osmar pour défiler sur leur trio elétrico pendant le carnaval de Salvador. Dans Baiana System, outre cette petite guitare, les timbaus donnent cette couleur percussive si caractéristique de Salvador, mais aussi immergé dans l'univers des sound-systems et du dub.

Cette année, Baiana System était invité à se produire au WOMEX qui se tenait à Copenhague. Convaincu que Baiana System était une vraie révélation et qu'il avait le potentiel pour séduire le public européen, nous venons de le présenter dans "Novo Brasil", l'article que j'ai écrit pour Vibrations (n° 140). Nous avons interrogé Roberto Barreto alors qu'il était encore à Copenhague, le lendemain de sa prestation au WOMEX qui, visiblement avait fait un carton. Celui-ci était à son hôtel, s'apprêtait visiblement à sortir pour la soirée et se montrait très volubile pour parler de ce projet qui lui tient à cœur. Ce séjour fut des plus profitables puisqu'il nous a révélé que Baiana System viendrait tourner en Europe l'an prochain. Puisque je n'ai pas eu la place de citer cet entretien dans l'article de Vibrations, le voici donc dans son intégralité.

O. C. : Bonjour Roberto, alors, comment s'est passé ce passage au WOMEX ?

Robertinho Barreto : L'accueil a été très chaleureux pour le concert. Les feed-backs ont été très positifs. Et, aujourd'hui, sur le salon, j'ai rencontré quelques personnes, de très bons contacts qui vont nous permettre, l'an prochain, de faire quelque chose. On va organiser ça de façon plus… organisée ! Et on va faire au moins une petite tournée en Europe.

O. C : La musique de Baiana System est à la fois très originale et très cohérente parce que construite autour de la guitarra baiana. Mais quelqu'un qui entendrait Baiana System pour la première fois ne s'en rendrait pas forcément compte, peut-être que s'il n'y faisait pas attention, il croirait entendre une guitare normale.

Robertinho Barreto : Oui, oui, je vois ce que tu veux dire. Mais je pense quand même qu'il y aurait un doute dans la tête des gens. Car le timbre n'est pas le même. Ce n'est pas accordé comme une guitare. C'est plus aigu, c'est accordé comme une mandoline. Ca n'a pas autant de corps qu'une guitare. Alors les gens, même s'ils ignorent qu'il s'agit d'une guitarra baiana, devineront peut-être que ce n'est pas tout à fait la même chose. Ils seront dans le doute, ne devineront peut-être quel est l'instrument…

O. C. : Il y a deux jours, j'ai vu Hamilton de Holanda en concert. Tous les deux, vous êtes dans la position de pouvoir inventer un nouveau langage pour votre instrument. Chacun a son histoire, sa tradition. Lui, sa mandoline est au cœur du choro, toi, ta guitarra baiana vient des trio elétricos du carnaval bahianais. C'est très rare de pouvoir inventer quelque chose de neuf pour un instrument, ça doit être très excitant ?

Robertinho Barreto : Tout à fait. Parmi les choses qui me motivent, dans les musiques qu'on a enregistré pour le disque, c'est de proposer d'autres possibilités pour cet instrument, la guitarra baiana. Parce qu'elle était un petit peu oubliée, ici à Bahia. Il n'y avait plus que quelques personnes qui en jouaient sérieusement. Et elle était toujours associée à ce contexte particulier : le carnaval, les trios. Et toujours avec un répertoire qui faisait référence au passé, à la musique de ces vingt ou trente dernières années, qui est sans conteste celle de notre formation, la musique avec laquelle on a grandi, avec laquelle on a appris à jouer. Mais si tu ne proposes pas un dialogue nouveau de l'instrument avec des éléments contemporains, ça ne servira à rien.

Et il y a quelque chose que je perçois très clairement parce que, depuis trois ou quatre ans, je produis une émission de radio consacrée aux musiques africaines, ici sur une radio de Bahia. C'est combien cette musique a également été assimilée, associée à la musique du carnaval, ce contact avec la musique africaine, avec les guitares souvent jouées en lignes, comme dans le soukouss ou dans la guitare angolaise. Et tout ça m'a touché au point de transposer tout ça sur la guitarra baiana d'une manière très claire. Jouer avec toutes ces sonorités, et avec la tradition du choro et du frevo, et aussi avec la distorsion. Retrouver ces guitares hypnotiques comme le sont les guitares africaines, avec ces lignes qui se répètent en boucle…

O. C. : Sur l'album, il y a ce morceau "Da Calçada Pro Lobato", le titre qu'interprète Gerônimo, où j'avais bien perçu cette influence africaine qui me rappelait effectivement la musique congolaise, la rumba ou le soukouss. Mais j'ai aussi l'impression que le morceau est un hommage à Pio Lobato, la vedette paraense de la guitarrada ?

Robertinho Barreto : Oui, c'est tout à fait ça. J'ai voulu rendre un hommage à Pio. La musique lui est dédiée mais il s'est passé beaucoup de choses avant ça. J'avais déjà participé à une rencontre à Salvador entre la guitarra baiana et la guitarrada. Il y avait Mestre Vieira et Pio. Et j'avais en tête ce qu'avait dit Hermano Vianna, l'anthropologue. Il disait que les deux styles de guitares typiquement brésiliens, avec leur esthétique, leur façon de jouer, étaient la guitarra baiana et la guitarrada. Ce sont ces références qui m'ont inspiré ce morceau.

O. C. : Comme la guitarra baiana, la guitarrada est un style régional. Il est typique du Pará mais j'ai l'impression que Pio Lobato est devenu une référence nationale auprès des musiciens, beaucoup l'adorent. Pour autant, la guitarrada touche-t-elle aussi le grand public ?

Robertinho Barreto : Bien sûr, les musiciens l'apprécient mais elle commence aussi à s'immiscer dans la MPB. Avec Catatau (Cidadão Instigado, ndla) qui est un producteur et chanteur mais aussi d'autres qui commencent à s'y intéresser, et ainsi qu'à la chanson brega. Et la guitarrada accède ainsi à une scène contemporaine très forte. J'ai vu ces choses qui arrivent ici, comme la lambada... Et la guitarrada elle-même possède aussi ces mêmes influences africaines, comme celles de la musique angolaise des années 70 notamment : Bonga, David Zé, Jovens do Prendo. Tous ces groupes utilisaient ce style de guitare mi-soukouss, mi-caribéen. Et la guitarra baiana, quand elle est jouée avec un son clair, sans la distorsion, peut se rapprocher du style de la guitarrada. Et j'ai déjà évoqué avec Pio la possibilité d'un projet guitarrada-guitarra baiana. Et quand le morceau a été fini, j'avais en tête tout ça, et j'en ai profité pour en faire un hommage qui s'amuserait avec ces références de Belém. Et il y a aussi cette influence que tu as perçu de la guitare africaine, comme dans le soukouss ou en Angola. Dans mes influences, cela se sent.

O. C. : J'ai l'impression que la musique de Baiana System pourrait plaire à différents publics. Je suis persuadé que ça pourrait plaire au public rock parce que la guitare y est très en avant. Dans le rock justement, y a-t-il des guitaristes qui t'aient influencé ? Et ressens-tu cette dimension dans ta musique ?

Robertinho Barreto : Je ne sais pas, peut-être, peut-être... Avant ça, je faisais partie d'un groupe de rock de Salvador, Lampironicos. Et, à cette époque, nous avions un morceau déjà à la guitarra baiana, c'était quand je commençais à faire des recherches à son sujet. Le morceau s'appelait "Jegue Beck" ("Âne Beck", ndla), qui était un hommage. Et j'ai bien sûr été influencé par ces guitaristes dont l'importance est universelle, mais au final, je pense que ce que j'ai voulu développer est lié à la musique africaine, en allant chercher dans ce sens. J'étais un peu fatigué du côté guitar-hero qui est plus une notion anglo-américaine avec un type dans son coin. Et on est plus libre si on laisse de côté cet aspect-là. Alors que quand on voit Sékou Diabaté du Bembeya Jazz, on réalise que ce type est complètement dans la musique et pas dans son coin. Ce qui m'intéresse, c'est beaucoup plus l'idée d'un son qu'un guitariste en particulier.

O. C. : Le son de Baiana System est typiquement bahianais. Si tu y modernises la guitarra baiana, on y entend aussi beaucoup les percussions, en particulier le timbau qui, lui, a été modernisé par Carlinhos Brown. Tu as fait partie de Timbalada, es-tu proche de lui ?

Robertinho Barreto : Oui, même si dernièrement on s'est moins vu. Mais à l'époque de Timbalada, on était souvent ensemble. J'ai enregistré plusieurs disques avec lui et Timbalada. Puis, comme on était proches, il a produit quelques titres du premier album des Lampironicos et nous a permis d'enregistrer dans son studio, l'Ilha dos Sapos. On est toujours resté proches, il connaît bien le travail de Baiana System, il a accompagné le projet. On avait même pensé à ce qu'il participe à notre album mais ça n'a pas pu se faire. C'est lui qui a ouvert le concept de système, et pas seulement de sound system. C'est plutôt à l'image de notre fonctionnement, c'est-à-dire un système dont les parties se complètent. Là, il y a Russo Passapusso, notre chanteur, qui vient des sound-systems, qui a été embolador. Et véritablement Brown a ouvert ce concept, comme il a bien sûr ouvert la voie pour les percussions, pour le timbau. Toute percussion à Salvador qui soit venue après lui, a reçu son influence. D'une forme ou d'une autre. Pas seulement dans le son mais aussi dans la posture, je ressens ça chez la plupart des percussionnistes que je vois.

O. C. : Baiana System est aussi un projet fédérateur puisque l'album réunit plusieurs générations de Bahianais. On y retrouve Roberto Mendes et Gerônimo pour les "anciens" et Russo Passapusso et Lucas Santtana pour les "jeunes"... C'était l'idée, enregistrer un album trans-générationnel ?

Robertinho Barreto : Oui, je crois. Mais tout s'est passé très naturellement. On parlait tout à l'heure de "Da Calçada pro Lobato", il y avait aussi l'influence de Gerônimo dans ce morceau, même s'il y a la guitarrada. Marcelo Seco, le bassiste, et lui sont cousins et ils se connaissent très bien. Quand j'ai eu la musique, c'était évident pour moi que c'était lui qui devait la chanter. Sa participation illustre aussi cette idée de système. Elle montre à quelle source nous buvons. C'est la même chose avec Roberto Mendes. C'est une référence à la guitare et les choses se sont faites très spontanément. On l'a appelé, il est venu et il a joué. Et chanté. Il a parlé aussi, parce que le morceau auquel il participe est mi-parlé mi-chanté. Pareil pour Lucas. Il est passé et ça s'est fait spontanément. Mais c'est quelque chose de très important pour nous, c'est comme ça qu'on apprend, qu'on s'avance dans notre spirale.

O. C. : Ton disque est en téléchargement gratuit. Pour les musiciens de ta génération, il est plus important de faire découvrir sa musique et la jouer en concert que de vendre des disques ?

Robertinho Barreto : Je pense que c'est quelque chose qui touche tout le monde, d'une manière ou d'une autre. On ne peut rien y faire, rien contrôler de tout ça. Et il y a plusieurs expériences dont Lucas est d'ailleurs un pionnier. 3 Sessions in a Greenhouse est un disque qu'il a mis en téléchargement gratuit et qui a été beaucoup téléchargé, mais même malgré ça, c'est un disque qui s'est plutôt bien vendu. Les gens l'avaient téléchargé mais quand ils allaient au concert, ils étaient prêts à acheter le CD à la sortie. Alors qu'on le veuille ou non, c'est comme ça. On n'est encore qu'au milieu du chemin et on sait pas comment ça va évoluer. Et ce qui est sûr aujourd'hui, c'est qu'internet est un moyen de divulgation, et ça on l'a bien compris. Pour Baiana System, c'est comme ça que ça s'est passé. Il y a beaucoup de monde qui nous connaissait par internet, ça circulait sur les réseaux sociaux.

O. C. : Avec Baiana System, vous jouez plutôt sur Bahia ou plus dans le reste du pays ?

Robertinho Barreto : Je pense qu'on atteint un certain équilibre. En ce moment, on est sur plusieurs projets qui nous permettraient de tourner dans tout le pays. Il y a Conexão Vivo, Projeto da Oito, Caixa Economico, tous ces projets qui peuvent être réalisés grâce à des subventions. Tout ça crée un circuit. Et parfois, tu joues pour rien ou presque mais c'est comme de proposer tes albums sur internet, ça te fait connaître. Et tous ces projets permettent aux artistes de tourner. Et c'est vrai aussi qu'il y a des entreprises qui aident beaucoup les artistes. Natura, par exemple, a un projet très intéressant. Petrobras aussi. Au Brésil, il existe diverses possibilités pour un artiste de vivre de sa musique. Y compris les moyens les plus classiques. Alors, même si on ne peut plus faire tourner les groupes comme avant, si les cachets ont baissé, tout ça permet de faire vivre les musiciens au Brésil.

O. C. : Vous donnez beaucoup de concerts sur Salvador ? Est-il possible à un musicien d'y vivre sans jouer de l'axé music ?

Robertinho Barreto : C'est toujours difficile. Dans mon cas, comme je te le disais, je m'en tire aussi parce que je fais de la radio, que j'ai plusieurs émissions et que ça me donne une sécurité. Mais c'est déjà mieux qu'il y a quelques années, tu n'aurais pas pu envisager de faire seulement les choses qui te plaisent. Aujourd'hui, c'est un scénario envisageable. Il y a une petite scène ici, et elle va travailler avec la scène de Rio. On parlait de Lucas, j'ai joué dans son groupe quand il était venu à Salvador. Et Marcelo Seco aussi, et Juninho, le percussionniste qui joue avec nous en ce moment. Et ces artistes qui font une musique personnelle, intéressante, sont plus accessibles.

Mais trouver des lieux pour jouer à Salvador devient compliqué. Salvador ne possède pas encore un circuit qui te garantisse de jouer régulièrement et de jouer seulement à Salvador. Non, tu es obligé de jouer avec d'autres personnes et de tourner pour espérer t'en sortir.

O. C. : Beaucoup d'artistes brésiliens s'installent à São Paulo ? Et toi, est-ce une possibilité que tu as déjà envisagé ? Ou ton inspiration vient tellement de Bahia que tu estimerais difficile de faire ce que tu fais ailleurs ?

Robertinho Barreto : Oui, je crois. Bahia se reflète dans ma musique. J'ai l'impression que, parfois, quand les gens s'installent à São Paulo, ils cessent d'évoluer. Et je n'ai pas l'impression qu'aujourd'hui ce soit une nécessité d'habiter à São Paulo. Ca ne compense pas le coût de la vie là-bas. Je n'en sens pas la nécessité aujourd'hui comme ça pouvait l'être il y a quelque temps. Tu sais, avec internet, la manière dont tu peux faire circuler ta musique, entrer en contact avec les gens, il n'y a pas besoin d'être à São Paulo pour que les gens connaissent Baiana System. Et même si tu étais là, ce n'est même pas sûr que tu puisse t'intégrer à un circuit qui te permette de jouer. Tu peux faire ton truc de n'importe où. Notamment de Bahia, bien sûr ! Et puis, tu vois, je suis marié, j'ai une fille, tu imagines pour s'installer là-bas, il faut tout réorganiser. Je préfère rester à Bahia.

O. C. : Chez certains artistes de São Paulo, on sent une forte influence des traditions et des musiques afro-brésiliennes Chez quelqu'un comme Kiko Dinucci, par exemple. Es-tu sensible à son travail ?

Robertinho Barreto : Bien sûr, que je connais Kiko ! (se penchant en arrière pour accentuer son enthousiasme). Ce "marché indépendant", entre guillemets, j'aime pas trop le terme, dans cette scène, tout le monde finit par se connaître. Il y a un dialogue, une proximité entre les musiciens. Et tout le monde, à un moment, va se retrouver sur des projets communs. Par exemple, Chico Correa qui est notre DJ depuis le début, monte un projet avec Juninho Costa, qui est un super guitariste, qui a joué avec Brown, avec Ivete, avec tous ceux que tu peux imaginer, un type très bon. Et ce type a aussi fait des trucs avec Kiko. Kiko est un des artistes les plus créatifs de cette nouvelle génération de São Paulo. Comme compositeur, comme producteur aussi, j'ai vu des choses merveilleuses de Kiko. Padê avec Juçara Marçal est excellent. On a déjà eu quelques idées ensemble, avec la guitarra baiana et sa guitare. On a déjà parlé de monter un projet ensemble, d'autant que lui travaille beaucoup à partir de projets. Maintenant, c'est Metá Metá. J'aimerais bien faire quelque chose avec lui. Aussi parce son jeu de guitare est très spécial, et la façon dont il s'inspire des musiques africaines m'intéresse également. Ca pourrait donner lieu à un super dialogue entre nous, entre son univers et ce que je cherche. On en a déjà parlé : 'allez, viens, on va faire un truc ensemble'. Et aussi comme compositeur, je trouve qu'il est déjà très mûr.

O. C. : Y aura-t-il bientôt un nouveau disque ? Quels sont tes ambitions pour l'année qui vient ?

Robertinho Barreto : On y pense, il y a déjà des morceaux qu'on joue en concert. Il y a déjà des participations de prévus. Avec Lazzo Matumbi, par exemple, qui est aussi une figure des musiques noires de Bahia. Il y a Ilê Ayiê, parce qu'on aimerait bien enregistrer une base d'Ilê Ayiê pour faire un morceau. On était avec eux à Shangaï l'an dernier pour jouer pendant l'exposition universelle. On va essayer de faire quelque chose ensemble. Marcia Castro, aussi, on va peut-être faire quelque chose avec elle bientôt.

O. C. : Et une tournée en Europe ?

Robertinho Barreto : On aimerait bien revenir en Europe, pouvoir tourner dans les festivals et sur ce marché international. Parce qu'on sent bien que Baiana System a ce potentiel. Et c'est aussi important pour mûrir artistiquement de voyager, se confronter à cet environnement nouveau. Parce que les festivals, c'est un truc européen, les Américains ne savent pas organiser de festival, des shows oui, mais pas des festivals. C'est quelque chose que j'ai vécu avec Timbalada en tournant. Mais, ici, au WOMEX, les retours ont été super positifs. C'est pratiquement sûr qu'on viendra jouer l'an prochain.

OK, Roberto, on t'attend !

Pour vous convaincre du potentiel de leur musique, une visite sur le site de Baiana System s'impose. Vous pourrez toujours y trouver l'album en téléchargement gratuit !

"Freguês da Meia-Noite", le nouveau clip de Criolo

2011-12-11T21:37:00.053+01:00

Au Brésil, Criolo est plus que la révélation de l'année, c'est un véritable phénomène. Mais n'allez pas croire : il n'y a aucun paradoxe à offrir son album en téléchargement gratuit pour, dans le même temps, en présenter des extraits sous forme de clips particulièrement léchés.

Ce n'est pas parce que Criolo a proposé son album Nó Na Orelha gratuitement que c'est un truc au rabais. De même, il s'offre des clips très soignés. Après avoir soutenu le lancement de Nó Na Orelha avec "Subirusdoistiozin", voici maintenant "Freguês da Meia-Noite". Comme nous avons déjà eu le loisir de l'expliquer ici, Criolo le rappeur s'est ouvert avec ce nouveau projet à une grande diversité de styles. Entouré d'une équipe de formidables musiciens, il ne se contente pas de rapper, il chante aussi très bien. "Freguês" est même un boléro !

Réalisé par Arthur Rosa França et Samuel Malbon, "Freguês da Meia-Noite" est effectivement un véritable court-métrage où on compte presque une cinquantaine de personnes au générique. Avec son noir et blanc très esthétisant, on se croirait vraiment au cinéma. Mais on peut aussi se demander si ces images ne reproduisent pas un certain nombre de clichés propres au rap et à sa fascination pour l'univers du crime quand la musique de Criolo s'en est, au contraire, affranchie ! Entre exercice de style et stéréotype, je vous laisse situer ce film...

Pour Criolo, c'est une vraie stratégie de soigner la présentation visuelle de sa musique. Certes, on peut télécharger son disque pour rien mais il est presque impératif d'obtenir la meilleure visibilité. Un tel clip va profiter d'une rotation sur MTV Brasil et va être vu sur YouTube. Et, derrière, Criolo enchaîne les dates et tourne avec son super groupe. Cette semaine, il est même monté à New York pour jouer au Nublu Jazz Fest. Hier, de retour à São Paulo, il partageait l'affiche avec Q-Tip et Prince Paul ! En espérant de le découvrir bientôt en Europe...

D'ici là, côté clip, j'attends de voir illustrés mes morceaux préférés de l'album, "Linha de Frente" et "Bogotá".

Et toujours, Nó Na Orelha à télécharger gratuitement sur son site : http://www.criolo.net/

Criolo, Nó Na Orelha (2011) (mp3 320 kbps)

01. Bogotá
02. Subirusdoistiozin
03. Não Existe Amor em SP
04. Mariô
05. Freguês da Meia Noite
06. Grajauex
07. Samba Sambei
08. Sucrilhos
09. Lion Man
10. Linha de Frente

Partideiros, le samba de partido alto par ses acteurs : un documentaire de 1978

2011-12-09T22:37:00.001+01:00

Je viens de découvrir ce court documentaire sur Receita de Samba, un blog "ami" que vous trouverez en lien dans la colonne de gauche. Vinicius Terror, son auteur, est semble-t-il biologiste dans la vraie vie mais pour ce qui nous concerne, on retiendra qu'il nous propose régulièrement des documents rares sur le samba. Car la vocation de la Receita de Samba, c'est d'aller creuser vers les racines, d'honorer les grands anciens, les maîtres du samba, mais aussi ses acteurs de l'ombre. Il vient ainsi de mettre en ligne une vidéo qui est un témoignage précieux sur le partido alto, un documentaire réalisé par Carlos Tourinho en 1978 et simplement intitulé Partideiros.

Rien de tel que le samba de partido alto pour se faire une idée de la pratique conviviale du samba. Celui-ci se joue au fond des arrières cours, il est accompagné de nourritures roboratives, comme une feijoada, et de bières, beaucoup de bières. C'est une expression musicale collective. Autour d'un thème, accompagné d'un cavaquinho, éventuellement d'une guitare, et de percussions, les chanteurs se succèdent et improvisent leurs interventions. D'où cet incroyable côté festif, cette spontanéité parfois approximative. Et de là aussi cette façon d'entrer dans la ronde en y faisant irruption, parce qu'il y en a d'autres derrière qui attendent leur tour... Chacun exulte, s'exclame, à fond.

Partideiros est réalisé par Carlos Tourinho. Il a bénéficié des conseils experts de Nei Lopes et Rubem Confeti, sambistes eux-mêmes. On n'y retrouvera pas la même qualité cinématographique que dans Partido Alto de Leon Hirszman, présenté ici (même si le micro y apparaît souvent dans le champ). Partido Alto est un film exceptionnel, notamment pour la première partie concentrée autour de Candeia mais Partideiros est aussi une formidable plongée dans cette pratique du samba à l'écart des médias. On y retrouve même certains participants du film d'Hirszman : Osmar do Cavaco, inamovible et imperturbable sur son cavaquinho, Argemiro et Casquinha, éminents membres de la Portela.

Si le film est un témoignage précieux, c'est aussi parce qu'on y croise Clementina de Jesus. Hélas, on ne l'entend presque pas chanter. Par contre, qui s'en donnent à cœur joie, on découvre Geraldo Babão et Guara. Avec eux, la question de l'authenticité est tout bonnement hors de propos. Et quand je dis que le partido alto est un moment où l'on aime bien boire, on a l'impression que la fête a déjà commencé depuis longtemps quand ils sont filmés dans les rues. Face caméra, ils prennent le micro, balancent quelques mots. On les retrouve ensuite autour d'une table en pleine séance de samba. Et quels voix ! Des voix éraillées, des voix abîmées, des voix de samba ! Terrible. Le contraste est saisissant quand on découvre, interrogé juste après eux, Wilson Moreira, toujours avec le micro face caméra : voilà le beau gosse après les deux borraches !

Dans le film, on remarque aussi que nos vieux sambistes ont gardé le pied léger, comme en témoigne leurs pas de danse, cadrés au ras du sol.

Il ne faut pas s'arrêter à la première intervention de Bucy Moreira où le son est très mauvais, presque inaudible car ça s'arrange un peu par la suite. Il n'est de toute façon pas question de HD ou de haute-fidélité ici. Si fidélité il y a, c'est seulement à l'esprit du samba !

Baloji, Kinshasa Succursale : funk à la mode kinoise (re-post)

2011-12-08T22:45:00.006+01:00

Il arrive qu'un album connaisse une deuxième vie. Il s'agit parfois d'une perle dénichée au fond d'un vieux bac à disques poussiéreux, le rêve de tout crate-digger. Sinon ce sont les aléas de la promotion et du succès/échec qui dicte une telle renaissance. C'est ce qui se produit avec le Kinshasa Succursale de Baloji. L'album devait sortir l'an dernier sur Kraked, petit label français. Baloji raconte sur son blog comment celui-ci lui a finalement fait faux bond :

"Kinshasa Succursale devait initialement sortir le 4 octobre 2010 en France, jour où j’étais à Paris avec 3 de mes musiciens pour une semaine de promotion. Au programme: plusieurs directs notamment sur RFI, France Inter, Le Mouv ou Africa n°1, des interviews avec des médias presse tels que Libération et les Inrocks, un single en rotation sur 3 radios et une couverture de Mondomix. Quelques minutes avant de démarrer le premier live pour Le Fou du Roi sur France Inter, j’apprenais que mon album ne sortirait pas ce jour là pour des soi-disantes questions de distribution. Sur l’instant je ne réalise pas encore bien et tente de faire front afin de privilégier la dynamique de la promo en cours. Ce n’est que plusieurs semaines après que je comprendrai qu’il n’y aura jamais de sortie avec ce label.
Au-delà de la frustration, j’ai beaucoup appris dans ce fiasco qu’il m’importe peu de détailler ici mais qui aura des conséquences réelles sur l’agenda de mes projets suivants. Malgré cette déconvenue, j’ai, avec mon équipe, continué à construire les choses avec un début de développement international du live. Avec rigueur et passion, nous avons mis sur pied plusieurs dates internationales (USA, Canada, Suède, UK, Espagne,..) qui ont porté leur fruits. En 2012, nous retournerons dans certains de ces pays mais également dans d’autres contrées. Les retours presse et média (The Guardian, New-York Times, MTV US, …) et la reconnaissance du projet par des personnalités de scènes diverses telles Gilles Peterson, Nick Cave, Questlove, Idris Elba, … m’ont aussi motivé à ne pas laisser tomber ce disque.
Aujourd’hui, plus d’un après, Kinshasa Succursale existe à l’international. Il sort ce 21 novembre sous ce label défricheur et mythique qu’est Crammed Discs. Car la maison n’accepte pas l’échec".

C'est donc Crammed Discs qui a repris le flambeau. Un mal pour un bien. Avec ce nouveau label, sous une nouvelle pochette, nul doute que Kinshasa Succursale va avoir droit à l'attention qu'il mérite. D'autant que Crammed s'est imposé comme une référence en matière de musique congolaise (tradi-)moderne. Pourtant, internet oblige, nous avions bel et bien découvert l'album du rappeur belgo-congolais dès l'an dernier. Mieux, nous l'avions vu sur scène quelques jours après qu'il n'apprenne l'abandon du projet par son label.

D'emblée, une telle œuvre s'impose comme un coup de cœur. Nous avions été saisi par l'urgence du propos, qui coïncidait alors avec le cinquantième anniversaire de l'indépendance du Congo-Kinshasa. L'histoire derrière la musique était aussi une belle aventure. Retrouvons la chronique d'alors :

(Texte initialement publié le 8 octobre 2010)

Baloji passe ce soir au Zénith de Montpellier dans le cadre des Nuits Zébrées de Nova. Côté concerts, c'est un des événements locaux en ce début d'automne, l'occasion de découvrir sur scène un artiste dont le nouvel album, Kinshasa Succursale, est un vrai coup de cœur. Un album mêlant introspection sans fard et regard lucide sur le Congo, l'année du cinquantenaire de son Indépendance.

S'il apparaît sur les photos en dandy plus classe encore qu'un sapeur, s'il s'autorise même une ambiguïté que n'oserait pas un rappeur, ce ne sont pas les apparences qui importent. Car les textes de Baloji ne sont pas seulement intelligents, ils brûlent d'une urgence, urgence du propos à laquelle vient se greffer celle des conditions d'enregistrement. Seulement six jours à Kinshasa pour mettre une quinzaine de titres dans la boîte. Car à l'origine du projet, il y avait la volonté de Baloji de donner une seconde vie à certains morceaux figurant sur son album précédent Hotel Impala, en les ré-enregistrant à Kinshasa. Ils en sortent littéralement transfigurés. "A Kinshasa, il y a quelque chose de brûlant, d'intense qui bouffe la ville, la folie créatrice, ça pue la sueur. Ca m'a tellement inspiré. On voulait juste rejouer les anciens morceaux, mais au final on a fait quelque chose de totalement différent" (Vibrations n° 127).

Quelques années plus tôt, le jeune rappeur belgo-congolais avait pourtant raccroché le micro. Avec une honnêteté qui n'est pas si courante, Balo du groupe Starflam, estimait n'avoir plus rien à dire. Il s'arrêta donc de rapper. Jusqu'à ce qu'un événement particulier lui redonne une source d'inspiration depuis intarissable.

Cet événement, il l'a raconté souvent. C'est, après vingt-cinq ans de silence, une lettre de sa mère restée au Congo. Car L'histoire personnelle de Baloji est marquée par un déracinement. A l'âge de trois ans, il quitte le Congo pour la Belgique avec son père. Du coup, pendant longtemps il s'est défini comme un "Blanc aux cheveux crépus", un "Afropéen". Cette lettre fit alors office de déclic. En réponse à cette mère lointaine, il découvre en lui la matière pour enregistrer un album, Hotel Impala. Alors qu'il n'a pas mis les pieds au Congo depuis vingt ans, il se rend à Lubumbashi, pour retrouver sa mère. Il a alors la maladresse de lui offrir en guise de cadeau l'album que sa lettre lui inspira. Ce n'était pas le bon présent pour quelqu'un qui vit dans le dénuement et a d'autres jeunes enfants à nourrir. Un album ? Malaise, malentendu culturel. "Ce sont des cadeaux d’occidental, d’Européen. Ce n’est pas ça qu’elle attend.    Qu’est-ce qu’elle attend ?   Je suis son fils aîné, elle est veuve, j’ai cinq demi-frères et sœurs, et ils sont dans l’urgence… Ils attendent autre chose. Donc… C’était déplacé".

Ce fut une leçon et maintenant, après Hotel Impala, c'est donc l'épreuve du terrain. L'enregistrement sur place de Kinshasa Succursale. Véritable album de rencontres, sa force, outre la conviction du jeune homme, doit beaucoup à ces musiques incarnées. L'accompagnent l'Orchestre de la Katuba, la Chorale de la Grâce et la Fanfare de la Confiance. Ces apports transcendent littéralement sa musique. La comparaison s'impose puisque l'on retrouve de nombreux titres d'Hotel Impala. On voit la différence de traitement. L'intensité que leur confère le fait d'avoir été enregistré dans l'urgence avec les moyens du bord, en se pliant à la loi de l'Article 15.

"On a fait des rencontres incroyables, comme Rodrigue, un guitariste qui trouvait chaque riff en moins de cinq minutes, ou la fanfare de la Confiance, avec ses trombones fendus par le soleil, qui joue sur six titres. Konono N°1 a joué sur un titre, il y a eu trois coupures de courant pendant la prise, on n’a gardé que le likembe de Mingiedi. C’était compliqué, mais c’est du groove de la brousse, mon titre préféré. Kinshasa c’est une ville basée sur du temporaire. Dans Kinshasa Succursale, tout a été provisoire et tout le monde s’est adapté" (Mondomix).

Grand amateur de soul, il a voulu retrouver la transe des enregistrements "live", tous ensemble, sans overdubs, en une ou deux prises seulement, à l'ancienne. Et dans cette effervescence, il a bel et bien puisé une partie de son inspiration dans la soul. Ainsi, "Nazongi Nadko", ce titre étonnant avec les vétérans de Zaïko Langa langa et... Amp Fiddler, inspiré par Marvin Gaye. Baloji raconte qu'en effet, quand son père lui fit quitter le Congo, c'était pour l'emmener au pays de Marvin Gaye. "Quand j’ai eu ma mère en ligne, elle m’a dit 'je t’ai vu à la télé, sur MCM Afrique. On m’a dit que tu faisais de la musique, je t’ai tout de suite reconnu, j’ai toujours su que tu ferais ça : ton père m’avait dit qu’il t’emmenait au pays de Marvin Gaye'. Après m’avoir dit ça, j’hallucine un peu… C’est une métaphore, le sens de la formule comme on peut avoir dans le rap… Je suis arrivé en 1981 avec mon père, je vivais à Ostende, et effectivement Marvin Gaye vivait au même endroit. C’était un point de départ intéressant. Et ensuite j’ai découvert ce morceau de Marvin Gaye qui termine l’album, et putain c’est prophétique ! 'I’m going home to see my mother, I’m going home to see my dear old dad'… J’ai pris ce morceau comme s’il avait été fait pour moi".

Soul, funk bien sûr, intensément funk, plein de sa sueur, rumba, Baloji peut tout se permettre accompagné de ces formations bouillonnantes, porté par cette bande-son de feu. Cette musique incandescente couvre un flow peut-être un peu convenu, rattrapé par une impeccable diction. Indispensable pour saisir des textes riches de sens. Car c'est un regard d'une rare maturité que pose Baloji sur notre monde. Même sa reprise de "Indépendance Cha Cha", le "tube" pan-africain des Indépendances signé par Grand Kalle, est détournée pour faire sens, alors que la plupart de ses collègues n'en aurait tiré qu'un gimmick aguicheur, un refrain accrocheur. Lui l'utilise pour illustrer sa réflexion sur le contexte d'aujourd'hui, cinquante ans après cette indépendance du Congo.

"J'ai repris cette chanson fédératrice, symbole de la crédulité des prémices /
Pour que les démocraties progressent, il faut qu'elles apprennent de leurs erreurs de jeunesse"

Dans une interview à Mondomix, il explique son choix et les conditions dans lesquelles il a pu l'enregistrer : "la mélodie est incroyable et c’était un challenge intéressant. Je suis arrivé avec les textes écrits, il fallait juste qu’on trouve les interprètes… Mais ni l’arrangeur ni les musiciens ne voulaient mettre ces paroles sur ce titre parce que c’est un monument, qui fait partie du patrimoine musical. Je dis qu’après l’indépendance, le temps s’est arrêté au Congo. On a vraiment cette impression à Kin, parce qu’il y a très peu de constructions modernes. Tout date de l’époque coloniale : du chemin de fer aux institutions, c’est incroyable. Les musiciens étaient d’accord avec mon texte, mais ils avaient peur des représailles. Les services secrets, c’est certainement le truc qui marche le mieux au Congo. Ce sont les seuls à être « aware » comme on dit là bas. Finalement, à force de quatre heures de discussion, on les a convaincus de jouer".

Et en parlant de jouer, je suis impatient de le découvrir sur scène ce soir, en espérant que seront de la partie l'Orchestre de la Katuba, la Fanfare de la Confiance et la Chorale de la Grâce !

O.C. (8 octobre 2010)

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur Marisa Monte...

2011-12-07T23:17:00.001+01:00

Désolé pour le titre, je n'ai aucune révélation à faire sur Marisa Monte, aucune indiscrétion. C'est uniquement le titre de son album, O Que Você Quer Saber de Verdade (Ce Que Tu Veux Vraiment Savoir) qui m'évoque cette formule aguicheuse. Un album de Marisa Monte est toujours un événement car elle est particulièrement rare. Cela faisait déjà cinq ans qu'on attendait une suite au diptyque Universo ao meu Redor et Infinito Particular, tous deux sortis en 2006, une durée habituelle pour celle qui a toujours beaucoup espacé ses albums.

Avec le recul, on mesure la place qu'occupe Marisa Monte dans l'histoire de la musique brésilienne. Au début des années quatre-vingt-dix, c'est elle qui a insufflé un nouvel élan à la MPB. Elle en a d'emblée été sa diva et sa princesse, tant elle a une prestance toute aristocratique. La carrière de Marisa Monte ressemble à un sans-faute. Aucune trace de la moindre vulgarité, une élégance si indéfectible qu'elle en est presque énervante.

Faut-il rappeler combien Marisa avait, sur ses deux premiers albums en studio, Mais en 1991 et Verde, Anil, Amarelo, Cor-de-Rosa e Carvão en 1994, mis la barre très haut. Ces deux albums sont justement ceux qui ont renouvelé une MPB alors en berne, à la fois l'enracinant dans le samba et l'ouvrant sur l'extérieur. A ses côtés, on trouvait alors des figures d'une certaine avant-garde new-yorkaise tels Arto Lindsay, Marc Ribot ou Laurie Anderson. Pendant vingt ans, le parcours de Marisa Monte a incarné ce délicat équilibre entre exigence et accessibilité, entre pop et samba. Avec ses chansons sans concessions, elle a trouvé le succès et vendu neuf millions d'albums.

Parce qu'elle est rare, on attend toujours beaucoup de ses albums. Alors quand on découvre O Que Você Quer Saber de Verdade, on commence par se dire en écoutant le premier morceau que rien n'a changé. On retrouve la sophistication orchestrale, cette voix claire qui semble ne jamais forcer même quand elle monte le ton... Ce premier morceau est illustré par le clip.

Elle enchaîne, sur la deuxième piste du disque, par une reprise de Jorge Ben. Comme souvent. On retrouve décidément Marisa comme on l'aime. Cette fois-ci, c'est "Descalço no Parque" qui se voit transfiguré. Le morceau de 1964 qui figure sur l'album Ben é Samba Bom est considérablement ralenti mais, une fois encore, magnifié.

C'est après que ça se gâte. Pourtant, sur l'album, on retrouve ce partenariat avec Arnaldo Antunes et Carlinhos Brown dans l'écriture des chansons, partenariat qui a déjà accouché de tant de perles. Ce noyau tribaliste s'est imposé au cœur du travail de Marisa depuis l'époque de l'album Memórias, Crônicas e Declarações de Amor, il y aune dizaine d'années. Ensemble, le rockeur pauliste, le percussionniste 100 000 volts bahianais et la diva carioque ont inventé leur propre langage. Mais ce qu'on devinait déjà s'est révélé évident sur le DVD des Tribalistas. Que ce soit dans l'écriture des morceaux ou en studio, c'est Marisa la chef. C'est elle qui commande et qui dirige ses deux compères bonne patte. De cette triplette magique, ressortent encore quelques titres sur ce nouvel album. Dont "Verdade, uma Ilusão", interprété l'an dernier par Brown sur son album Diminuto. Un titre qui aurait pu figurer sur un précédent album de Marisa ou sur celui des Tribalistas mais proposé dans une version pas franchement inoubliable.

Autre fidèle toujours là au côté de Marisa, déjà présent à la périphérie des Tribalistas, Dadi. L'ancien bassiste du groupe (post-Novos Baianos) A Cor do Som et de Jorge Ben est, paraît-il, un voisin de Marisa. Ce qui donne ce caractère intime à sa participation. Il est toujours là pour composer, produire ou, plus modestement, prendre un instrument quand il le faut, combler un vide et, surtout, pour conseiller. Car Dadi a l'oreille de la star. André Carvalho, son fils, est aussi de la partie. Il signe l'hyper-marisamontesque "Nada Tudo", tout à fait dans la lignée de ce qu'elle a pu chanter sur ses précédents albums...

Je ne sais pas si Marisa compose, comme Duke Ellington, en ayant à l'esprit la "couleur" de ses invités mais savoir s'entourer est une qualité qui confine chez elle au talent. Sur O Que Você Quer Saber de Verdade, on croise ainsi les incontournables Pupilo, Dengue et Lucio Maia de Nação Zumbi ainsi qu'une ouverture sur la nouvelle génération de musiciens brésiliens puisque, outre André Carvalho et sa daddy-connection, on trouve parmi les participants à l'album Rodrigo Amarante (Los Hermanos) et Marcelo Jeneci. Et puisque Marisa Monte a toujours été ouverte sur les Etats-Unis, les arrangements de cordes sont signés du brillant Californien Miguel Atwood-Ferguson et du maestro argentin Gustavo Santaolalla.

Sur le papier, cette dernière production de Marisa Monte a tout pour être de la trempe de ses précédents albums. Pourquoi, à l'arrivée, notre impression est-elle mitigée ? En reprenant la chronologie de lancement de l'album, on se souvient qu'un premier clip venait anticiper sa sortie, histoire de nous mettre l'eau à la bouche. Raté. "Ainda Bem", avec ses images en noir et blanc et les tenues de soirées de Marisa et Anderson Silva voulaient jouer la carte chic mais ne dépassait pas une ambiance de mariachi de pacotille. Cette dérive brega n'a pas manqué d'être sévèrement épinglée par Thierry de BossaNovaBrasil car, dit-il, "qui aime bien châtie bien". Le pire est toutefois atteint avec "Depois" quand Marisa ose un slow sirupeux absolument épouvantable.

Accusée, qu'avez-vous à répondre à cela ? : "je suis une chanteuse très liée à la tradition de la chanson et du chant. J'aime qu'une chanson ait un refrain, une première partie, une seconde partie. J'aime beaucoup la mélodie. Le lien entre le chant et l'amour est ancestral. Depuis les oiseaux qui chantent quand ils veulent attirer un partenaire. C'est une chose naturelle. Et, en vérité, ma préoccupation quand je chante l'amour est de parler de l'amour d'une forme contemporaine" (explique-t-elle à Adriana Calcanhotto sur son site).

Autre regret : nulle trace de samba. Alors que Marisa a toujours pratiqué la collecte de titres inédits auprès des sambistes de la vieille école, pour satisfaire son goût pour le rétro, c'est cette fois-ci un tango rendu célèbre par Dalva de Oliveira qu'elle exhume, "Lencinho Querido (El Panuelito)". Et du fil, elle a basculé. Perdu cet équilibre qui la voyait interpréter des thèmes romantiques sans jamais tomber dans le pathos.

Le problème quand on est déçu par un album de Marisa Monte, c'est qu'on sera obligé d'attendre longtemps, des années, le suivant. De quoi, remettre celui-ci sur la platine pour essayer d'en épuiser les réussites...

Plus d'infos sur le site officiel de Marisa Monte, y compris (comme à son habitude) les accords pour jouer les morceaux, des conversations au sujet de l'album avec Adriana Calcanhotto, Hermano Vianna...

Une interview de Marisa que j'ai réalisé en l'an 2000 et que je me déciderai à poster un jour toute seule (ici, elle est tout en bas, à la fin de la chronique !)

Fanon "guerrier-silex", cinquante après, toujours tranchant

2011-12-06T22:37:00.004+01:00

C'est aujourd'hui le cinquantième anniversaire de la mort de Frantz Fanon, disparu le 6 décembre 1961. Médecin et psychiatre d'origine martiniquaise, Fanon est mort très jeune, à trente-six ans. Il n'aura même pas connu l'indépendance de l'Algérie, lui qui s'était engagé aux côtés du FLN. Ce destin écourté par la maladie n'en accentue que plus encore l'intensité de sa vie. L'œuvre de Fanon est essentielle pour essayer de comprendre cette histoire du monde, cette division entre dominants et dominés, entre colons et colonisés, Blancs et Noirs.

Et parce qu'il a été longtemps ostracisé en France, on appréciera l'initiative des Editions de la Découverte de publier Œuvres, qui rassemble en un seul volume ses principaux ouvrages*. Aujourd'hui même, il se trouve probablement quelques sbires de notre gouvernement qui, avec leur subtilité coutumière, iront le traiter de "terroriste". Ah, pardon, c'est déjà fait : des intellos réacs de la trempe d'un Glucksmann ou d'un Bruckner s'en sont chargés ! Les crétins. Fanon : "Aujourd’hui nous croyons en la possibilité de l’amour, c’est pourquoi nous nous efforçons d’en détecter les imperfections, les perversions".

Il faut relire Frantz Fanon. Ou au moins le découvrir. Dans le texte, sans se soucier des commentaires, pour saisir la rare intransigeance de sa pensée, son questionnement permanent. Sa radicalité. Si Les Damnés de la Terre est la Bible tiers-mondiste, une littérature de combat où on trouvera aujourd'hui encore matière à nourrir notre réflexion, il a le tort d'éclipser l'importance de l'autre contribution majeure de Fanon.

J'avais une vingtaine d'années quand j'ai lu Fanon pour la première fois. C'était Peau Noire, Masques Blancs. Son premier livre, publié en 1952. Une lecture décisive, essentielle. C'est également grâce à lui que je découvrais le verbe de Césaire, abondamment cité par Fanon dans ce livre qui se présente comme un cheminement. Un livre qui vous prend par la main pour suivre ce cheminement où la Négritude n'est qu'une étape, une forme de mysticisme tournée vers des racines qui ne peut satisfaire notre homme ("ma peau noire n'est pas dépositaire de valeurs spécifiques"). On demeure aliéné et ce thème, on le retrouve aussi dans Les Damnés de la Terre : "Retrouver son peuple, c’est quelquefois dans cette période vouloir être nègre, non pas un nègre comme les autres mais un véritable nègre, un chien de nègre, tel que le veut le Blanc. Retrouver son peuple c’est se faire bicot, se faire le plus indigène possible, le plus méconnaissable, c’est se couper les ailes qu’on avait laissé pousser".

Pour Fanon, cette interrogation sur la condition du Noir et son aliénation est une réflexion sur les moyens de sa libération. Peau Noire, Masques Blancs est un livre d'une force inouïe, porté par un style magnifique, jamais jargonnant, parfois lyrique, qui va creuser au fond des inconscients collectifs ce qui, hérité du colonialisme, fausse ces rapports entre les hommes. D'une incroyable lucidité, Fanon n'a jamais cherché à régler des comptes : "il n'y a pas de mission nègre ; il n'y a pas de fardeau blanc". Je cherchais à me convaincre en le lisant que les choses avaient changé depuis... C'est une bonne question à se poser et il ne faut surtout pas prétendre en connaître la réponse.

Pour moi, Peau Noire, Masques Blancs demeure encore aujourd'hui un livre de référence. C'est la moindre des honnêtetés intellectuelles quand on est blanc et que l'on consacre une part non négligeable de son temps à se passionner pour les cultures noires. Quel que soit le sujet, et quand bien même celui-ci serait infiniment moins conflictuel, disons la culture biologique des cucurbitacées, il importe d'être toujours confronté à un ouvrage qui ne vous fait jamais perdre de vu une nécessaire humilité.

Frantz Fanon, toujours dans ce même ouvrage, a consacré des pages magnifiques, d'une portée universelle, au langage et au savoir. S'il dénonce le parlé petit-nègre qui enferme celui à qui on s'adresse ainsi dans sa condition, ce message a une vraie portée universelle, car au-delà de nos conditions, au-delà de nos origines, quelle plus belle invite à la curiosité intellectuelle et à la découverte du savoir que cette seule phrase ?

"Un homme qui possède le langage possède par contrecoup le monde exprimé et impliqué par ce langage (...) Il y a dans la possession du langage une extraordinaire puissance".

Laissons au poète qui fut son professeur au lycée les mots de la fin :

"FANON

tu rayes le fer

tu rayes le barreau des prisons

tu rayes le regard des bourreaux

guerrier-silex

vomi

par la gueule du serpent de la mangrove"

(Aimé Césaire, Moi, laminaire...)

________________________________________

* Il s'agit de l'œuvre politique de Fanon, si ses écrits sont profondément marqués par une approche psychiatrique, il est également l'auteur de diverses publications scientifiques qui ne figurent pas dans le présent volume et qui n'appartiennent pas au corpus de son travail ayant fait sa renommée.

Avant tout le monde : une interview de dom

2011-12-04T23:16:00.001+01:00

Celle que vous allez découvrir ici est probablement une des artistes qui dont on va beaucoup parler en 2012. Un des révélations de l'année à venir. C'est donc une vrai fierté pour moi de vous présenter dom. Début octobre, elle m'a envoyé un message. Je n'avais jamais entendu parler d'elle. Elle écrivait : "bonjour, je suis dom, une jeune violoncelliste, chanteuse et auteur-compositeur brésilienne habitant à Paris. J'ai collaboré en tant que violoncelliste avec beaucoup d'artistes (Jane Birkin, Camille, Sophie Hunger, Kiko Dinucci, Thiago Pethit, Piers Faccini, Etienne Daho et Jeanne Moreau, ...) et aujourd'hui je présente mon projet solo. Mon premier album (qui sortira début 2012) est co-réalisé avec Piers Faccini. Il y a un duo avec lui, et également les participations de Camille et des brésiliens Thiago Pethit et Kiko Dinucci".

Une sacrée carte de visite pour une si jeune femme ! Et comme vous vous en doutez si vous passez de temps en temps par ici, c'est surtout sa collaboration avec Kiko Dinucci qui éveilla ma curiosité. C'est d'ailleurs la vidéo de leur duo que j'ai mis en ligne pour annoncer la prochaine publication de cette interview... Toujours est-il, j'allais visiter sa page Myspace où je découvrais toute une série de vidéos réalisées par Jeremiah de la Blogothèque, qui est aussi son compagnon, et il n'en fallait pas plus pour que je sois convaincu du talent de Dominique Pinto, alias dom.

Tout s'est goupillé très spontanément : son album ne sortira qu'en 2012 ? Qu'importe, enregistrons tout de suite une interview... Nous avons donc pris rendez-vous pour nous "rencontrer" sur Skype, elle à Paris, moi à Montpellier. Ce matin-là, le 14 octobre, il faisait soleil. Même sur Paname. Elle était dans un café où, malgré la distance, j'entendais les Rolling Stones en fond sonore ("You Can't Always Get What You Want"...). Les deux premières interviews pour l'Elixir, avec Luis Pereira du duo Dois em Um et Fabiana Cozza, ayant été réalisées par e-mail, tout de suite, cet échange devenait beaucoup plus chaleureux. Il y avait aussi une coïncidence ce jour-là : dom m'expliquait qu'elle revenait des Cévennes où elle avait mixé son album chez Piers Faccini. A Saint-Hippolyte-du-Fort. Le soir-même, un ami venait manger à la maison, un ami dont la mère habite justement à Saint-Hippolyte ! Je faisais part à dom de cette coïncidence, on en a rigolé et elle m'a raconté les conditions dans lesquelles elle avait travaillé chez Piers. Interview avec une gamine bourrée de talent.

O. C. : Quand tu m'as contacté, je ne connaissais pas ton travail. Dans ton message, j'apprenais que tu avais joué avec Jane Birkin et Camille, mais aussi Piers Faccini, mais ce qui a tout de suite attisé ma curiosité, c'est que tu avais également collaboré avec Kiko Dinucci.

dom : Oui, ici personne ne le connaît, c'est hallucinant. Alors j'en parle à tout le monde, je leur dis : "il faut absolument que t'écoutes Kiko, que tu télécharges l'album".

O. C. : Toi non plus tu n'es pas encore connue. Malgré ton jeune âge, ton cv est déjà très impressionnant, il faudrait que tu commences par te présenter...

dom : En fait, j'étais venue en France pour faire mes études, il y a quatre ans maintenant. Et par le biais de mon copain, j'ai rencontré Edith Fambuena, une réalisatrice qui a bossé avec Daho, Bashung, beaucoup de gens de la chanson française…Beaucoup de gens. Ca faisait seulement un an que j'étais là quand elle m'a appelée. Elle bossait sur l'album de Jane Birkin et elle avait besoin d'un violoncelle. A cette époque, je n'avais fait que du classique donc c'était un peu abstrait pour moi, au départ. Et puis, ça c'est super bien passé. J'ai adoré. Je ne connaissais pas Birkin… Enfin, j'écoutais pas, même si je connaissais un petit peu Gainsbourg. Donc c'était complètement nouveau. Mais c'était vraiment super. Et l'enregistrement s'est super bien passé, autant avec Birkin qu'avec Edith. Et, du coup, quelques mois après, Edith m'a contactée pour d'autres projets d'enregistrements, surtout de la chanson française. Puis, quand l'album de Birkin est sorti, Edith m'a appelée pour faire la promo puis la tournée. La tournée a duré un an et demi et on a fait le tour du monde, c'était super. Et, pendant cette tournée, j'ai bossé sur d'autres projets. Notamment avec Camille que j'ai rencontré par mon copain parce qu'il fait des vidéos et travaille avec elle… Et avec Piers Faccini. En fait, tout le monde que j'ai rencontré, c'est un peu par lui. Et les choses se sont enchaînées. J'ai pas fait de casting ni rien.

O. C. : Quand tu dis que tu es venue pour tes études, c'étaient des études de violoncelle ? Ta formation, c'est la musique classique, est-ce que ta culture musicale était aussi plutôt classique ?

dom : Quand j'ai commencé à jouer de la chanson, ou à faire de la pop je sais pas comment dire, j'écoutais déjà plus ça que de la musique classique. Je n'aurais jamais imaginé que je pourrais improviser ou ne pas faire ce qu'il y avait écrit sur ma partition. Et du coup, c'est vraiment un déclic qui s'est fait, sans aucune explication. Disons que j'étais obligée de le faire et que je l'ai fait, quoi...

O. C. : A l'origine, tu t'orientais vers une carrière de concertiste classique ?

dom : Je savais pas trop en fait. Je ne savais pas trop ce que je voulais faire. Oui, j'adorais jouer du violoncelle mais j'étais pas super contente dans le milieu classique. Enfin j'étais même pas contente du tout, j'étais pas très épanouie. Et puis, il y a vraiment une ambiance particulière, une ambiance de compétition. Qu'il y a aussi dans tous les genres de musique mais qui est quand même très accentuée dans le classique, je trouve. C'était très dur. Et puis, quand je suis arrivée en France, j'avais des profs qui étaient très à l'ancienne. C'était un moment où je bossais beaucoup, je voulais vraiment avancer mais je ne savais pas trop où j'allais.

O. C. : Tu dis que tu es arrivée en France il y a seulement quatre ans mais tu parles français couramment, sans accent, où as-tu appris à le parler ?

dom : En fait, j'ai habité aussi quatre ans en France quand j'étais petite. J'y ai fait quatre ans de ma scolarité. Je suis venue de mes huit à mes douze-treize ans. Et après, je suis partie en Argentine pour étudier le violoncelle. Parce qu'en fait, je viens d'une ville du Brésil, Porto Alegre où …

O. C. : Ah, j'y ai passé quelques jours chez un de mes meilleurs amis, Juremir...

dom : Ca fait super longtemps que je n'ai pas habité là-bas même si j'y vais souvent parce que j'y ai ma famille. Toute ma famille habite là-bas et j'y ai beaucoup d'amis mais je ne suis pas trop au courant de tout ce qui s'y passe. Et tu as vu, c'est une grande ville mais c'est tout petit en même temps, très provincial. Et du coup, même s'il y a un orchestre, c'est zéro budget pour la culture, il n'y a pas de conservatoire. C'était le bordel et j'avais pas vraiment de prof là-bas. Du coup, moi, je voulais vraiment être violoncelliste. Alors mes parents ont accepté de m'envoyer à Buenos Aires. Ils ne voulaient pas que j'aille à São Paulo parce que c'est vraiment une très grande ville et qui est vraiment dangereuse. Et Buenos Aires, en fait, c'est plus près de Porto Alegre que São Paulo. Et j'ai trouvé une super prof là-bas et mes parents faisaient des allers-retours. C'est un peu compliqué. Et après, je suis revenue ici.

O. C. : Et, en ce moment, tu travailles sur ton album ou tu es aussi sur d'autres projets ?

dom : Ben là, en ce moment, je ne suis que sur mon projet. Ca semble très long parce que c'est petit bout par petit bout mais, en fait, ça avance très vite. Comme je suis très impatiente, j'ai l'impression que c'est lent mais en vrai, ça avance assez vite. Mais si on m'appelle pour jouer avec d'autres gens, pas de problèmes. Là, j'ai joué avec Daho et Jeanne Moreau pour Le Condamné à mort, d'après Genet.

O. C. : Je n'ai pas vu le spectacle mais j'ai vu que vous êtes passés par Montpellier...

dom : Oui, on a joué à Montpellier. J'adore comme ville, c'est super. Et on a fait Avignon aussi...

O. C. : Pour ton album, tu m'avais dit dans un message que tu l'avais enregistré dans les Cévennes chez Piers Faccini...

dom : En fait, j'avais commencé à enregistrer en studio à Paris. Mais je n'étais pas contente, j'avais bossé une semaine et c'était pas bien. Je n'ai rien gardé. Et, par hasard, j'avais dîné avec Piers qui était à Paris et il m'a dit : "pourquoi tu viens pas chez moi, j'ai tout ce qu'il faut, y'a pas de souci. Tu viens quand tu veux". Du coup, c'est vrai que ça m'a super motivé. Et je suis partie chez lui une semaine ou dix jours. Lui, il n'était là que les deux premiers jours. A la base, j'allais tout faire toute seule et lui il me prêtait juste l'endroit.

Avec Piers, on avait déjà joué ensemble pour les Concerts à Emporter. J'en avais fait avec toute seule avec Camille aussi. Et comme mon copain bosse beaucoup avec lui, on se connaissait, on se croisait souvent. J'aime beaucoup ce qu'il fait. Mais, à l'époque, il n'avait pas vraiment écouté mes chansons...

O. C. : La vidéo, vous l'avez tournée à Saint-Hippolyte ?

dom : Non, c'est pas chez lui mais c'est dans les Cévennes. C'est une église en ruines mais je ne saurais pas te dire où (rires) …

O. C. : Est-ce que le cadre a influencé l'ambiance de la musique ?

dom : L'autre jour, quand j'y suis retournée pour faire le mix, je me suis rendue compte que je ne connaissais pas du tout le coin parce que je ne sortais pas du tout de la maison. Je voyais juste le trajet sur la route. Et c'est vraiment un endroit incroyable pour la concentration. En fait, il a une maison et, au fond du jardin, il y a une autre petite maison où il y a son studio mais il n'y a pas internet. T'es vraiment tout seul. Et c'est super parce que tu peux… Ca m'a permis d'essayer plein de trucs sans aucune pression. D'aller vraiment à mon rythme. Et, du coup, j'ai avancé. J'ai quasiment enregistré toutes les bases de toutes les chansons pendant cette semaine-là. En fait, Piers n'était là que les deux premiers jours, il venait de temps en temps écouter. Moi, j'étais vraiment fan de ce qu'il faisait donc je voulais qu'il fasse des trucs mais je ne savais pas trop quoi. Je lui dis : "écoute, si tu veux faire des chœurs, ou de la guitare, ou ce que tu veux…". J'étais vraiment totalement ouverte. Et à la fin, je lui ai proposé : " je te laisse le disque dur avec tout le projet et tu fais ce que tu veux". Et donc il est revenu dessus alors que moi, dans la foulée, j'étais vite partie à São Paulo. Et pendant que j'étais là-bas, il a vraiment adoré. Petit à petit, il a bossé sur une, deux ou trois chansons. Et, au final, on co-réalise l'album parce qu'il était vraiment à fond. Il avait vraiment envie de jouer sur tout. J'en suis super contente. Il a tout de suite compris ce que je cherchais alors qu'on n'en avait quasiment pas parlé avant qu'il fasse les arrangements. Il a fait que des trucs bien. C'était très fluide.

O. C. : Par rapport, à toutes les vidéos que tu as faites, les versions sont-elles différentes ou as-tu cherché à garder ce même minimalisme ?

dom : Ah oui, oui, c'est super différent. En général, sur les vidéos ou sur scène, je suis toute seule avec mon violoncelle et je fais des boucles. Mais là, sur l'album, il y a de tout. Du piano, de la guitare, du violoncelle, du vibraphone, des chœurs…

O. C. : Mais il n'y a pas de percussions, c'est une volonté particulière ?

dom : Ecoute, non. C'était pas un choix de base. Je t'avoue que je suis pas ultra fan de tout ce qui est batterie. Enfin, c'est pas que je suis pas fan, c'est que c'est pas des trucs qui rentreraient bien dans mes chansons. Mais il y en a une sur laquelle Kiko Dinucci joue des percussions. Une chanson qui s'appelle "Batuque". Il l'a enregistré et ça s'est passé pareil qu'avec Piers : je lui ai laissé le projet à São Paulo. Et il a fait ça avec un percussionniste qui s'appelle Guilherme Kastrup, avec qui il joue souvent, et qui joue super bien. Et ils ont enregistré ça chez lui. Et, en fait, pareil, je leur ai juste laissé le disque dur et je leur ai vaguement dit ce que je voulais et, direct, ils ont fait un truc génial. C'est une chanson où il n'y a que des voix et des percussions. C'est beaucoup de petites percussions. On a fait des claves, des petites cloches, des trucs qui sonnent bien ensemble… En fait, même "Batuque", qui est une chanson qui aurait pu être dans le style traditionnel brésilien et où les instruments qu'ils ont utilisé le sont, ne l'est pas ! Mais sur Metà Metà, j'adore toutes les percussions, vraiment.

O. C. : Mais sur Metà Metà, aussi, la plupart du temps, il n'y en a pas, justement…

dom : Oui, mais quand y'en a, c'est super aussi. Elles sont vraiment super belles. Mais je voulais faire quelque chose de vraiment différent. Et puis aussi parce que des percussions, je n'en avais pas. On avait juste des petites cloches, des petits shakers… Comme dans la chanson "Dessa Vez", il y a beaucoup de trucs comme ça…

O. C. : Et comment en es tu venue à collaborer avec Kiko ? Participe-t-il à plusieurs morceaux sur le disque ?

dom : Non, il y a juste celui-là. Kiko, en fait… Je voulais aller passer un mois à São Paulo et aller jouer là-bas. Et comme mon copain qui est très ami avec Vincent Moon, qu'ils travaillent beaucoup ensemble, on recevait des mails pendant que lui était là-bas, il venait d'y passer un ou deux mois. Et dans ses mails, il disait, "ah, ça, c'est trop bien", etc... Et, du coup, on lui a demandé : "quel musicien t'as trop kiffé ?". Et il nous a envoyé une liste énorme, vraiment incroyable. Il nous a tout donné ! Et de tous les musiciens, il a dit : "écoute, voilà, pour moi, le meilleur que j'ai rencontré au Brésil, c'est Kiko. Il est vraiment incroyable. Et en, plus il est super sympa". Moi, je ne le connaissais pas, donc je suis allée l'écouter et j'ai adoré. Je l'ai contacté. A la base, j'osais pas trop lui proposer qu'on joue ensemble. Mais, comme je ne connaissais pas São Paulo, c'était surtout pour lui demander des conseils, savoir où jouer… Et, au final, on a fait un concert ensemble avec des chansons à lui et des chansons à moi. On a fait des reprises de Gainsbourg version brésilienne. C'était vraiment sympa. Et on est devenus super copains.

O. C. : Et alors, comment tu as trouvé ça, São Paulo ?

dom : Il y a une énergie de créativité assez dingue dans cette ville. Parce que c'est tellement galère qu'il y a toujours quelque chose que se crée, parce qu'ils sont toujours obligés de jouer pour gagner leur vie, pour qu'on parle d'eux. Il y a une fraternité. Il y a vraiment une énergie très particulière à São Paulo. Et c'est pour ça qu'il y a énormément de musique. Et quand tu fais la liste des projets intéressants, des jeunes projets intéressants qui s'y font, c'est juste hallucinant.

O. C. : Tu as fait un concert avec Kiko Dinucci semble-t-il ?

dom : On a joué à la Casa de Francisca qui est un endroit magnifique, un petit resto, cabaret, salle de concert, très intimiste. Et la vidéo que tu as vu de "Ciranda Para Janaína", c'était une sorte de petit teaser pour annoncer le concert. On a fait la vidéo sur le balcon du type qui nous hébergeait à São Paulo mon copain et, moi. Il habite au 24ème étage, on a trouvé ça tellement énorme cette vue...

O. C. : Tu as dû remarqué que là-bas, Kiko et toute sa bande mettent leurs albums en téléchargement gratuit, directement. Ce qui n'est possible que parce qu'ils sont toujours sur scène. Es-tu sensible à cette démarche ?

dom : C'est super là-bas parce que la musique circule beaucoup plus. C'est dur de faire un disque qui coûte de l'argent et de le donner gratuitement mais, au final, je pense que tu t'y retrouves dans les comptes parce que tu fais beaucoup plus de concerts et que les gens parlent beaucoup plus de toi. Mais ici, c'est juste impensable. Ici, on a encore la chance d'être intermittent mais tu ne peux pas penser à donner ta musique gratuitement sur internet. Du coup, je suis assez embêtée parce que si je le sors là-bas, ça veut dire que je le mets gratuit sur internet directement mais que, du coup, ici, je suis bloquée ! C'est un peu compliqué. Donc je vais voir comment je vais faire. Parce qu'on va commencer à démarcher. On va voir quelques labels en France mais on ne va pas se faire une fixette sur la France parce que c'est devenu difficile. T'es encore vachement cataloguée, t'es soit world ou… Ici, les labels ont leurs catégories et que moi je ne rentre pas vraiment dans leurs cases. Du coup, on va commencer par chercher aux Etats-Unis et on va voir comment ça se déroule…

O. C. : En parlant de violoncelle, qui n'est pas un instrument mis en vedette au Brésil, que penses-tu de quelqu'un comme Jaques Morelenbaum ? En ayant longtemps joué avec Jobim ou Caetano, a-t-il fait découvrir le violoncelle au Brésiliens ? Le risque n'est-il pas qu'il fasse de l'ombre aux autres violoncellistes ?

dom : Moi, je suis une grande fan de ce qu'il fait. Et oui, je pense qu'il a fait naître non seulement au Brésil mais dans la musique populaire, la possibilité d'avoir une autre utilisation du violoncelle. Et c'est vrai qu'à part lui… Il a vraiment un style, parce qu'il l'utilise d'une manière très mélodique presque comme s'il chantait. Il y a beaucoup de violoncellistes évidemment qui utilisent l'instrument différemment que dans le classique, mais c'est souvent assez expérimental, ou en tout cas, ils ne l'utilisent pas tellement d'une manière mélodique. Alors que lui, c'est super intéressant… Mais s'il s'en sert aussi comme basse, il l'utilise surtout comme si c'était sa voix et c'est ce que j'adore chez lui.

O. C. : Piers Faccini a pas mal travaillé avec un autre grand violoncelliste moderne, Vincent Segal. Tu le connais bien ?

dom : Vincent Segal, il est incroyable lui aussi. Il joue aussi beaucoup avec Piers, oui. Vincent aussi, j'adore ce qu'il fait mais c'est différent. Je n'aime pas tout ce qu'il fait même s'il est bluffant parce qu'il fait vraiment des trucs incroyables avec son violoncelle. Il est très très fort.

O. C. : Sur ta page Myspace, ta musique est décrite comme "Pop coréen", ça s'est fait automatiquement, par défaut, ou c'est toi qui t'es amusée à mettre ça ?

dom : (rires) Non, c'est moi qui ai mis ça… T'es la première personne à m'en parler. Je savais pas quoi mettre, j'arrivais pas à trouver quelque chose qui me corresponde dans les classifications de MySpace alors j'ai mis un truc un peu absurde. J'avais oublié que j'avais mis ça !

O. C. : Tu disais avoir déjà mixé ton album, as-tu déjà une idée de sa date de sortie ?

dom : Ca sortira courant 2012 mais je ne sais pas encore quand ni où. C'est hier seulement que j'ai commencé à démarcher. C'est encore très flou.

O. C. : Camille est également invitée sur le disque ?

dom : Oui, elle fait des chœurs sur une chanson.

O. C. : Si elle participe à tes projets, tu devrais profiter de sa notoriété et de sa reconnaissance critique, c'est une sacrée caution, non ?

dom : Oui, bien sûr, c'est une super chance. J'imagine que sa participation et celle de Piers, ça va m'ouvrir des portes. Mais je ne sais pas…

O. C. : En tout cas, merci beaucoup pour cet échange. Et tu me tiens au courant pour la sortie de ton album que je puisse en parler !

dom : C'est cool, merci beaucoup...

Pour vous mettre dans la confidence, dom vient effectivement de me faire écouter quelques titres de son album : elle ne devrait avoir aucun mal à trouver un label. Je suis même persuadé qu'elle sera une des révélations de 2012.

Si vous êtes à Lisbonne, vous pourrez voir dom en première partie de Tulipa Ruiz, les 9 et 11 décembre. Avis aux parisiens, le 12 décembre, elle donnera avec Piers Faccini un concert acoustique à la librairie Shakespeare et Compagnie...

Myspace de dom : http://www.myspace.com/dominiquepinto

Fanga : les dix ans d'un groupe-phare de l'afrobeat international

2011-12-03T20:44:00.000+01:00

Il est rare, voire même presque inédit, que nous ayons l'occasion de présenter un artiste ou une formation originaire de Montpellier dans nos colonnes. Avec Fanga, nous tenons un des rares groupes locaux à avoir une stature internationale. Alors que Fela, son inventeur, est déjà mort depuis quinze ans, l'afrobeat connaît depuis quelques années un incroyable destin. S'il sort des groupes jouant de l'afrobeat au quatre coins du globe, Fanga fait partie des plus anciens. Le groupe, dont le nom signifie "force de conviction" en dioula, a fêté ses dix ans par un live, sorti ces dernières semaines en CD et DVD : Afrokaliptyk Nation - Live at Victoire II. Une allusion à leur premier album, en 2003, qui s'appelait Apokaliptyk !

Le concert a été enregistré il y a un an, presque jour pour jour, à la salle Victoire 2, comme le titre de l'album le laisse deviner... Car si partout on trouve des salles des fêtes, la salle s'appelle Victoire à Montpellier ! Ce soir-là, je n'y étais pas. Ce 4 décembre 2010, j'étais au JAM pour découvrir sur scène le funk nippon d'Osaka Monaurail. Qu'à cela ne tienne, voici quelques images du groupe sur scène lors de cette soirée de 2010.

Si d'emblée Fanga s'est émancipé du maître en proposant ses propres compositions, pour cet extrait du concert, on voit le groupe rendre hommage à l'inventeur de l'afro beat, Fela. Ils reprennent en effet "ITT", un morceau qui figure sur l'album Black President. Pour Fela, ITT est l'acronyme de "International Thief Thief", une façon pour Fela de désigner la multinationale américaine ITT, l'International Telephone and Telegraph. Il y dénonçait violemment la corruption des dirigeants africains et l'exploitation et le pillage des ressources du continent par les multinationales.

Fela est mort il y a quinze ans. Il aurait vécu, il se serait cassé la voix à haranguer son public sans que rien ne change. Son répertoire de Fela a gardé toute son acuité aujourd'hui. Tant mieux pour cette musique indémodable, inusable et incendiaire, hélas pour l'Afrique car rien n'a changé... Que Fanga reprenne "ITT" souligne combien l'Afrique se fait encore voler ses richesses... Vu de l'Hexagone, ce morceau prend une résonance particulière : on ne pense plus à une multinationale américaine mais à des compagnies françaises qui engrangent des milliards de bénéfice sans toutefois payer beaucoup d'impôts et, bien sûr, exploite sans vergogne ressources et populations. Vu d'ici, "ITT" à la sauce Fanga, c'est aussi une dénonciation de cette fameuse Françafrique.

Longue vie à Korbo et aux musiciens de Fanga, la prochaine fois que le groupe fêtera un anniversaire sur son fief montpelliérain, promis, j'essaierai d'être là !

A signaler, un article sur "ITT" sur le blog des profs d'Histoire-Géo...

Ghetto Blaster, les pionniers de l'afrobeat européen

2011-12-02T22:03:00.000+01:00

Il est un phénomène particulièrement frappant depuis une dizaine d'années : l'éclosion de groupes jouant de l'afrobeat aux quatre coins du globe. Le plus étonnant, c'est que cette vague ait pris naissance quelques années après la mort de son inventeur, Fela Kuti. Dommage qu'il n'en ait pas été témoin de son vivant... Il aura au moins pu voir évoluer Ghetto Blaster, une des premières formations à jouer de l'afrobeat hors de son creuset de Lagos. Car, si nous évoquions ces derniers jours des artistes brésiliens tombés dans ce chaudron de groove imparable, comme Pipo Pegoraro ou Bixiga 70, c'est dans l'Hexagone qu'avaient été repérées les premiers remous annonciateurs de cette vague. En effet, c'est en France qu'est apparu le premier groupe d'afrobeat européen : Ghetto Blaster.

Ghetto Blaster, c'est aussi une belle aventure, une histoire de rencontres. Le groupe est mixte, c'est-à-dire composé de musiciens français et nigérians. Parmi ces derniers, on trouve même d'anciens membres de l'Egypt 80, le groupe de Fela Kuti, l'inventeur de l'afrobeat : Kiala Nzavotunga (guitare et chant), Ringo Avom (batterie) et Udoh Essiet (percussions). Tout de suite, ça vous donne une crédibilité ! Je viens seulement de découvrir, il y a quelques jours, ce petit documentaire présenté aujourd'hui alors que j'ai les disques à la maison depuis plus de vingt ans...

Ce film date de 1983. Il narre le périple des musiciens français Romain Pugebet et Stéphane Blaes, accompagnés du producteur Pascal Imbert, à Lagos. Le film est réalisé par Stéphane Meppiel. On y découvre les galères que peut engendrer une telle entreprise. Les Français veulent recruter des musiciens pour monter leur groupe mais, encore faut-il qu'ils trouvent de l'argent pour les payer. Vont-ils vendre la 504 Peugeot avec laquelle ils sont descendus ou vont-ils en faire le véhicule du groupe ? Ils s'installent en résidence quelques mois au Black Pussy Cat, une boîte où ils peuvent rôder leur répertoire avant de tenter l'aventure en Europe. Voici un magnifique témoignage, on y voit à quel point les Français sont dans la débrouille et l'improvisation, dans l'échange, loin des clichés sur la Françafrique.

Pour l'anecdote, à leur retour en France, le groupe installe ses quartiers à bord d'une péniche, amarrée sur les quais de Seine à Nogent puis Paris, péniche qui leur sert à la fois de résidence (voire de dortoir, comme j'ai pu le lire) et de studio de répétition.

Ghetto Blaster a sorti deux disques dans les années quatre-vingt. Le maxi "Preacher Man" en 1983 et l'album People en 1985. J'avais acheté les deux. S'il existe de nombreux critères pour affirmer notre attachement à une musique, dans le cas de Ghetto Blaster, c'est la sélection de ces disques dans le sac de vinyles que je trimballais dans les fêtes qui en atteste. Je les prenais presque à chaque fois. Car "Na Waya", le premier titre de l'album People était quasiment infaillible. Au début du morceau, une voix s'élève pour dire "in the beginning there was Africa" et que claque la basse et que tout déboule. Quand le salon de l'appartement qui accueillait la fête commençait à se vider, s'il fallait souvent un tube pour rameuter les danseurs, vous pouviez enchaîner avec Ghetto Blaster, ils restaient accrochés.

Leur afrobeat était carrément funky, les morceaux plus resserrés que ceux de Fela, ne s'embarassant pas de ces intros de plusieurs minutes qui font monter la tension avant d'exploser en une tornade de cuivres. Avec Ghetto Blaster, on ignorait ce genre de subtilité pour démarrer pied au plancher. Les invités ne s'en plaignaient pas...

Ghetto Blaster a continué à exister jusqu'en 2007 mais n'a enregistré qu'un seul autre disque, River Niger, en 2003, pour fêter les vingt ans du groupe. J'avais depuis longtemps perdu trace de leur parcours et je suis même surpris qu'il ait continué aussi longtemps, j'avais cru leur aventure plus éphémère. Malgré quelques figures historiques présents dès la fondation, la plupart des membres du groupe avaient changé. Signalons juste que Cyril Atef a fait un temps partie de la nouvelle mouture...

Alors que l'afrobeat est aujourd'hui un style joué dans le monde entier, il est juste de rappeler l'importance de ce groupe pionnier en la matière. Et dont il faut comprendre le nom au pied de la lettre : qui explose les ghettos.

Novo Brasil, un article pour Vibrations

2011-12-01T23:29:00.005+01:00

Il est sorti, ça y est ! Le nouveau numéro de Vibrations arrive en kiosque et j'y ai participé. Je suis l'auteur d'un article, "Novo Brasil", qui présente quelques nouveaux artistes brésiliens familiers des colonnes de l'Elixir : Lucas Santtana et Seu Jorge, plus d'autres de mon choix : Kiko Dinucci et son trio Metá Metá, Criolo et Baiana System.

Pour cette première collaboration avec le magazine, j'ai également signé une paire de chroniques : celles de Metá Metá, et de l'album de Criolo, Nó Na Orelha...

"Ciranda Para Janaína" interprétée par dom et Kiko Dinucci (teaser pré-interview !)

2011-11-30T21:42:00.094+01:00

A l'heure où j'écris, dom est sur la scène de la Bellevilloise. dom, c'est Dominique Pinto. Une très jeune musicienne brésilienne, violoncelliste de formation qui également compose et interprète ses chansons. Elle m'avait contacté il y a deux mois pour me faire découvrir son travail en m'orientant sur son Myspace. Et, là, tout de suite, en découvrant ses vidéos, j'ai eu un coup de cœur pour la chanson que voici.

Cette chanson, c'est "Ciranda Para Janaína". Elle a été composée par Kiko Dinucci. Sur disque, c'est Fabiana Cozza qui l'interprétait. Sur l'album Na Boca dos Outros, soit le répertoire de Kiko chanté par d'autres. A chaque fois que je l'écoute, une émotion forte se dégage de ce morceau, assez bouleversante. Son refrain : "Ó Janaína quando estou feliz eu choro" est toujours à deux doigts de me coller la chair de poule.

On sait que Kiko Dinucci est très inspiré par le candomblé. Dans sa mythologie, Janaína est une sirène. On comprend donc que la vie ne soit pas facile quand on aime une sirène...

Les images de ce duo entre Kiko et dom ont été tournées à São Paulo, en guise de teaser pour un concert qu'ils devaient donner ensemble sur la minuscule scène de la Casa de Francisca. Elles sont l'œuvre de Jeremiah, le compagnon de dom, un pote à Vincent Moon. On sent effectivement qu'il est issu de l'école Blogothèque, à filmer au plus proche, en mouvement. Ces images ont été tournées sur un balcon, au 24ème étage... Le panorama est splendide alors que la nuit tombe sur la ville.

Et dom reprend en français : "collier de coquillage, sa robe qui traîne sur le sable, elle a l'odeur de la mer, elle connaît par cœur le chant des sirènes"... Un vrai moment de grâce, intime et précieux.

Il y a quelques semaines, j'ai interviewé dom alors qu'elle venait de finir le mixage de son premier album. Avant de publier cet entretien, je voulais éveiller votre curiosité avec cette sublime "Ciranda Para Janaína".

Le Centenaire de Nelson Cavaquinho

2011-11-29T22:35:00.000+01:00

Bon, ça arrive à tout le monde de se tromper ! Après avoir, l'an dernier, évoqué le film de Leon Hirszman consacré à Nelson Cavaquinho, j'avais coché sur mon agenda la date du 29 novembre et m'étais promis ce jour-là de rendre hommage au sambiste et fêter son centenaire. Patatras, je me suis trompé et j'ai un mois de retard ! Son centenaire, c'était le mois dernier, sa date de naissance étant le 29 octobre 1911. Qu'à cela ne tienne, ce n'est pas lui qui va m'en vouloir puisque ce centenaire est célébré à titre posthume, Nelson Cavaquinho nous ayant quitté en 1986.

L'événement est bien sûr anecdotique, un centenaire, surtout si l'intéressé n'est plus là, n'est qu'une date, un bâton coché dans le calendrier. Mais ce qui, dans le cas de Nelson Cavaquinho, est moins anecdotique, c'est que vingt-cinq ans après sa mort, il demeure une référence pour quiconque se réclame du samba au Brésil et figure en son panthéon aux côtés de Cartola et Clementina de Jesus. Son art était celui d'une caresse à rebrousse-poil : Nelson Cavaquinho n'a jamais cherché à plaire, il est bien plus essentiel que ça.

Je laisse le texte inchangé. Ce film de Leon Hirszman n'est pas seulement un témoignage précieux sur un sambiste de légende, c'est aussi un grand moment de cinéma...

Nelson Cavaquinho, de Leon Hirszman : l'ivresse et la tristesse du samba

En évoquant précédemment le documentaire Partido Alto de Leon Hirszman, j'écrivais qu'il était le pendant d'un autre de ses films dédiés au samba. Il s'agit de son très court portrait d'un sambiste de légende, Nelson Cavaquinho. Là où Partido Alto exalte le plaisir d'être ensemble pour jouer, chanter, boire des coups, Nelson Cavaquinho insiste sur la solitude et la profonde mélancolie qui sont tout aussi consubstantielles au samba que la joie et l'allégresse.

Le contraste entre les deux films est accentué par le noir et blanc de l'un et les chaudes couleurs dorées de l'autre.

"Une samba sans tristesse, c'est comme un vin qui ne donne pas l'ivresse", chantait Pierre Barouh sur l'air de "Samba da Benção". La tristesse et l'ivresse ! Nelson Cavaquinho connaît les deux... Le genre de type dont on dira : "il ne triche pas". En bon sambiste, Nelson Antônio da Silva a mené une vraie vie de bohème. C'est dans les bars du morrro de Mangueira, alors qu'il était policier et effectuait à cheval des rondes nocturnes dans le quartier, qu'il fit la connaissance de Cartola et Carlos Cachaça et se lia à eux et aux autres sambistes du cru. L'appel de la bohème étant plus fort que celui du devoir, son séjour dans la police sera marqué par quelques séjours au mitard, avant d'en être carrément renvoyé.

Comme la dèche était sa plus fidèle compagne, Nelson Cavaquinho prit l'habitude de vendre ses compositions. Afin d'éponger ses dettes. Ainsi, parmi ses "partenaires" d'écriture, on retrouve les patrons des bars où il avait des ardoises, ou César Brasil, le plus souvent crédité, qui n'avait jamais su jouer une note ni écrire une ligne mais qui était le propriétaire de l'hôtel où créchait le plus souvent Nelson Cavaquinho. Le besoin lui retirait ses scrupules. Milton Amaral, un de ses camarades de bamboche, racontait qu'il découvrit avec stupeur, quand il débarqua chez l'éditeur signer son contrat pour un morceau qu'ils avaient composés ensemble quelques jours plus tôt, que Nelson l'avait déjà vendu sous quatorze noms différents !

Si son œuvre est riche d'environ 600 compositions, sa discographie est des plus sommaires. Ce qui est malheureusement la norme pour la plupart des sambistes de sa génération. En 1968, il participa à l'album Fala Mangueira, en compagnie de Cartola, Carlos Cachaça, Clementina de Jesus et Odette Amaral, mais ce n'est qu'en 1970, à l'abord de la soixantaine, qu'il enregistra son premier disque, Depoimento do Poeta. Suivront deux albums éponymes, en 1972 et 1973... Sans oublier Quatro Grandes do Samba, en 1977, enregistré avec Candeia, Guilherme de Brito et Elton Medeiros et As Flores em Vida, son dernier disque auquel ont participé Chico Buarque, Paulinho da Viola, entre autres...

Quand Leon Hirszman vient le chercher pour tourner ce petit portrait filmé, en 1969 Nelson Cavaquinho n'avait encore rien enregistré sous son nom. On y découvre un homme vivant dans un incroyable dénuement, dans une très humble petite bicoque.

En voyant ce court métrage, on mesure également l'influence du Néo-Réalisme italien sur le Cinema Novo brésilien, courant auquel Leon Hirszman fut associé. Un cinéma en rupture avec les habituelles productions brésiliennes qui étaient le plus souvent des mélos ou des comédies musicales, les chanchadas. Car, comme le Néo-Réalisme, le Cinema Novo témoigne de la volonté d'une génération de jeunes cinéastes de montrer la réalité sociale de leur pays et ses incroyables injustices et inégalités. Dans le cas précis du film Nelson Cavaquinho, cette impression d'une influence néo-réaliste est bien sûr renforcée par le noir et blanc.

Il ne s'agit pas d'un film à thèse, d'une quelconque approche démonstrative, juste saisir au vol quelques instants de la vie de cette homme, ses errances, ses moments de solitude. Ce film permettra aussi à tous ceux qui connaissent mal la musique brésilienne de se défaire de leurs préjugés sur le samba. Non, ce n'est pas juste une musique pour danser pendant le carnaval. C'est beaucoup plus que cela. C'est l'âme d'un peuple, sa poésie. Nelson Cavaquinho disait : "je n'ai jamais fait de samba sur commande, c'est pour ça que je ne composerais jamais de samba-enredo. Je trouve horrible que tu doives glisser quelques lá-lá-lá et oba-oba obligatoires dans la ligne mélodique des écoles de samba. Je fais des musiques pour sortir des choses du fond du cœur. Et c'est ainsi depuis que j'ai composé mon premier samba".

Leon Hirszman filme ainsi quelques magnifiques moments de cinéma. Bien aidé par Nelson Cavaquinho lui-même qui semble se complaire dans l'exercice. On se demande même quelle part tient le naturel et si quelques effets de pose ne viennent s'y greffer. Ainsi cette scène absolument ahurissante où, assis à sa table, il empoigne sa bouteille de bière et commence à boire au goulot, juste secoué de petits hoquets. Et de constater, dans un mouvement de caméra, que des gamins sont sur le seuil de la porte, probablement attirés par la présence d'une caméra. Et de voir un père tendre la bouteille à son bébé qu'il tient au bras, puis à un autre enfant, hébété, d'à peine deux ou trois ans. Et Nelson, l'air vague de celui qui est déjà bien ivre, de s'amuser avec un petit oiseau qu'il pose devant lui sur la table. En fond sonore, on entend une musique complètement déchirée, un samba où Nelson Cavaquinho joue de la guitare ans son style caractéristique, avec seulement deux doigts à la main droite, mais guitare qui ici sonne complètement destroy, rock'n'roll, pour accompagner la voix rauquissime de celui qui est complètement bourré. Impressionnant.

Le film se clôt sur une autre scène bouleversante. Nelson est assis dans un bar, avec sa guitare et bien entouré. Il joue "Vou partir". Il n'est accompagné que par une légère batida marquée sur une bouteille vide. La chanson parle de l'appel de la nuit, de quelqu'un qui déserte le foyer pour aller faire le carnaval. "Vou partir não sei se voltarei"... Je vais partir mais je ne sais pas si je vais revenir. Mais Dieu sait qu'ici le sens dépasse largement celui de la simple absence en quête de fête carnavalesque. Puis d'autres voix se joignent à la sienne pour murmurer le refrain en même temps que la caméra s'éloigne. S'éloigne et sort de ce petit bar, lumière dans la nuit.

Les films de Leon Hirszman ont récemment bénéficié d'une restauration digitale et ont été, pour la plupart, édités en DVD. J'ignore cependant s'il en existe une édition européenne.

O. C.

(11 septembre 2010)

Taxi Imã, ou comment Pipo Pegoraro imagine l'afrobeat tropicaliste

2011-11-28T23:45:00.094+01:00

Il était difficile depuis deux semaines de passer à côté de la sortie de Taxi Imã, le deuxième album de Pipo Pegoraro. Pour son lancement, il a bénéficié en effet du soutien conjoint de la Musicoteca et de Um Que Tenha, deux sites brésiliens de téléchargement. Encore fallait-il que le projet soit à la hauteur de ces soutiens. C'est encore mieux que ça. Voici un jeune artiste qui compose une musique résolument personnelle où les influences ne brident jamais l'originalité... En cette saison où l'été n'est plus qu'une notion mentale, Pipo Pegoraro nous offre une musique légère comme une douce brise, comme une lumière dorée de fin d'après-midi. Et avec "Beleza", il compose déjà un des tubes du printemps prochain.

Après un premier album, Intro, où il jouait de tous les instruments et que l'on qualifiera poliment d'ébauche, Pipo Pegoraro a sacrément haussé son niveau et balance une musique richement orchestrée et particulièrement bien cadencée. Il est rare au Brésil de découvrir un album autant porté par sa rythmique et où celle-ci ne joue pas du samba ou un rythme régional. L'influence de l'afrobeat inventé par Fela a déjà fait naître une multitude de formations au quatre coins du globe mais, au Brésil, le phénomène est encore balbutiant. Pipo Pegoraro n'ira jamais dire, j'imagine, qu'il joue de l'afrobeat. C'est plus subtil que ça. Il y a bel et bien une pulsation afrobeat qui traverse certains titres de son album, comme sur "Ouro Bondali" ou "Sofia", mais elle est comme filtrée à travers un prisme tropicaliste.

Avant d'en percevoir sa facture pop, quand on découvre Taxi Imã, on est d'abord frappé par cette vibe afrobeat, non pas traitée de manière orthodoxe mais intégrée et recrée avec l'innocence d'un Gilberto Gil ou d'un Caetano Veloso quand ils voyageaient au Nigéria, en 1977, et s'inspiraient à leur retour de ce qu'ils y avaient entendu. "Two Naira Fifty Kobo" sur l'album Bicho de Caetano en est peut-être le meilleur exemple. Cette vibe afro sur Taxi Imã, si elle n'est pas interprétée à la lettre, était suffisamment forte pour provoquer dans la foulée la formation de Bixiga 70, groupe instrumental formé de musiciens ayant joué sur les sessions de l'album et, lui, clairement afrobeat. Avec Décio 7 à la batterie, Marcelo Dworecki à la basse, Maurício Fleury aux claviers, Daniel Gralha à la trompette et Emiliano Sampaio au trombone, tous membres de Bixiga 70, Pipo a bénéficié d'une équipe de choc pour densifier ses orchestrations. Il déclarait d'ailleurs à la Folha de São Paulo, "le disque a de la densité mais il est très léger. L'intention était précisément de chercher la légèreté des choses, les arrangements se faisant de manière collaborative avec tout le monde qui amenait ses idées avec la volonté de les y intégrer".

Outre cet effectif pléthorique de musiciens ayant participé à l'enregistrement de son album, une vingtaine, Pipo Pegoraro a pu compter avec la présence d'invités de choix. Outre Blubell et quelques copines aux chœurs, on retrouve Luisa Maita sur un titre comme taillé sur mesure pour elle, "Samambaia". Sur ce morceau assez downtempo, comme un trip hop acoustique et cinématique, elle chante évidemment de façon langoureuse parce que sa voix est langoureuse et que tout ce qu'elle interprète le devient ! Sur "Arapue", c'est Kiko Dinucci qui vient poser sa guitare inimitable. Là encore, voici quelqu'un qui est très influencé par l'afrobeat mais qui ne joue jamais comme un guitariste d'afrobeat, ses motifs à toute vitesse n'appartiennent qu'à lui et ils amènent leur couleur à ce morceau.

Si Pipo s'est entouré de nombreux musiciens, l'enregistrement de Taxi Imã a aussi mis en avant leurs parties instrumentales. Avec son co-producteur Bruno Morais, Pipo a privilégié de laisser tourner les bandes, de saisir en prise directe les morceaux, dans leur continuité et sans montage, un vrai parti-pris. C'est joué et ça se sent, c'est même une des richesses de cet album. La plupart des morceaux dépassent les cinq minutes et, même si le groove tourne bien, sur de telles durées, il faut qu'il s'y passe quelque chose. Ici, tant au niveau de l'orchestration - avec les cuivres en section, les guitares parfois qui fuzzent, les roulements de tambours afrobeat feutrés, voire même, sur "Graveto", des cloches qui rappelleraient presque le gamelan - que de la structure des compositions, on ne risque pas de s'ennuyer.

Pour dire l'originalité de Taxi Imã sur la scène brésilienne, on aurait plus envie de rapprocher la démarche de Pipo Pegoraro de celles de Vampire Weekend ou Fool's Gold, que de la plupart de ses compatriotes. Pour cette façon de plonger à la source des musiques africaines sans chercher à les reproduire. Pipo se situe quelque part entre l'élan collectif du premier Fool's Gold et la "ligne claire" de Vampire Weekend. Cette dernière concentrée sur l'écriture de chansons, reste un accomplissement, une exigence plus qu'un modèle. Sans imiter personne, Pipo Pegoraro crée à sa façon une musique qui concilie une facilité pop à une pulsation africaine, voire afrobeat. Dans le paysage musical brésilien, il ouvre des pistes encore inédites et renouvelle ce qui constitue la richesse musicale nationale, l'aisance mélodique et la souplesse rythmique, à partir de ses propres références. Excellent !

Et encore un ! Encore un album qui témoigne de l'insolente créativité musicale de la scène indépendante de São Paulo. Encore un album qui nous est généreusement offert en téléchargement gratuit par son auteur et qui est lancé en exclusivité par la Musicoteca.

Pipo Pegoraro, Taxi Imã (2011) (mp3 320kbps)

01. Taxi Imã
02. Ouro Bondali
03. Sofia
04. Arapue (avec Kiko Dinucci)
05. Samambaia (avec Luisa Maita)
06. Hoje
07. Beleza
08. Graveto
09. Radinho
10. Rastro

Saul Williams dans les catacombes avec la Blogothèque

2011-11-27T23:37:00.032+01:00

Saul Williams est désormais parisien d'adoption. Et, contrairement à ce que j'avais imaginé, c'est lui qui a sollicité la Blogothèque pour le filmer dans les catacombes. Probablement voulait-il connaître le "dessous" de la ville ? C'est donc dans ces galeries souterraines qu'il a donné ce Concert à Emporter. Et quand on parle de "catacombes", il ne s'agit bien entendu pas de celles que l'on visitent officiellement pour découvrir les ossuaires. Non, Saul Williams, une des figures majeures qui ont marqué l'émergence du slam et qui trace depuis sa route très personnelle sans œillères ni barrières, a voulu descendre là où il est interdit de s'aventurer. "C’est Saul qui était venu vers nous, avec une idée précise en tête : il voulait faire un film dans les catacombes de Paris. Les « vraies », celles auxquelles on accède difficilement et illégalement, celles sans guide ni empilements de crânes pour épater la galerie. Il espérait que nous serions assez fous pour le suivre là-dessous. Nous avons été assez fous". Et c'est ainsi que l'on part en immersion avec ce film d'une demi-heure qui résume huit heures passées sous terre avec Saul Williams...

J'avais assisté à un de ces concerts, à l'Elysée Montmartre, lors de la sortie de son premier album Amethyst Rock Star. J'avais été époustouflé. Il était accompagné de sa formation, très rock, qui comptait aussi un violoncelle grinçant. Saul Williams est absolument extraordinaire sur scène. Avec lui, les mots deviennent chair, les mots deviennent souffle. Ils s'échappent de lui comme une foudre le traversant... Stupéfiant. Je n'ai jamais croisé un rappeur qui mette une telle force à s'exprimer !

Cet épisode des catacombes m'évoque des souvenirs, de vieux souvenirs. En regardant le film de Colin Solal Cardo et François Clos avec Saul Williams pour la Blogothèque, je retrouve exactement l'ambiance de ces quelques nuits passés sous terre, en petit groupe, à marcher longtemps les pieds dans l'eau, en baissant la tête avant de parvenir à une salle où s'installer, discuter, boire des coups... Mais, surtout, si je repense aux catacombes, j'ai envie de de vous demander : avez-vous déjà identifié des instants de votre vie qui l'on fait basculer ou qui ont orienté son cours de façon significative ? Ma première visite des catacombes a beaucoup influencé une partie de ma vie pour les quelques années qui l'ont suivie. Elle prit mon héliotropisme à contre-pied, comme nous le verrons...

Ce soir-là, un copain de fac nous proposa à mon meilleur pote et moi de découvrir les catacombes. Avec sa bande de copains, ils connaissaient une entrée vers la porte d'Orléans et savaient s'orienter dans leur dédale de galeries. Car, évidemment, il est interdit de pénétrer dans les catacombes. Comme on le voit au début de ce film, il fallait marcher le long des voies ferrées de l'ancienne petite ceinture avant de trouver, dans un tunnel, un accès. Une fois descendus, les gars qui nous avaient invités se repéraient grâce à une carte et des lampes frontales. Chacun avait prévu de quoi pique-niquer.

Pour s'aventurer dans ces entrailles de Paris, il ne faut pas être claustrophobe. A l'intérieur, aucune lumière si ce n'est les torches, lampes et autres bougies dont vous vous êtes équipés. A l'époque, vers la fin des années quatre-vingt, il y avait tout un tas de légendes urbaines colportées au sujet des catacombes. Des trucs destinés à vous faire flipper ! Il fallait avant toute chose éviter d'y croiser des skinheads. Ce premier soir, nous avions courageusement poursuivi notre marche jusqu'au repère de la "Gestapo des Ondes" (sic). Heureusement vide. Dans cette petite salle, il y avait une table et des chaises assez imposantes et solennelles. Et les murs étaient couverts de graffitis fachos. Nous ne nous y sommes bien sûr pas attardés, au cas où ils décident de se pointer ! Les types qui nous avaient invité se prévalaient d'être branchés, d'avoir participé dans les catacombes aux fêtes dantesques qu'y avait organisé Actuel (ou Nova, je ne sais plus)...

Quiconque veut passer la nuit dans les catacombes doit crapahuter. Les galeries sont souvent humides, voire inondées. Parfois, elles deviennent si basses qu'il faut avancer à quatre pattes, ramper dans certains passages. Au sol, une terre claire sableuse ou argileuse qui vous salit les vêtements et risque de vous démasquer, une fois sortis, si vous veniez à croiser des flics... Il faut dissiper certains préjugés : les catacombes ne sont pas forcément un lieu morbide. On n'y va pas pour se complaire dans un trip gothique, de "corbeaux" comme on disait alors ! Une seule fois, j'ai aperçu des ossements. On n'y allait pas pour ça, mais pour s'offrir une sorte d'aventure à peu de frais, se promener dans un Paris complètement dépaysant.

Ce premier soir, le lieu de destination était, ce qui n'est guère original, la "Plage". Une salle au sol de sable, où une fresque sur un des murs représente une vague... Pour les cataphiles, c'est d'un commun ! C'est en effet un des lieues les plus connus des catacombes et aussi un des plus fréquentés. Arrivés là, avec la bande de potes, on rencontre un autre groupe, constitué d'Anglaises et de Suédois. Et encore c'est la grammaire qui m'oblige à masculiniser le mot car de Suédois, il n'y en avait qu'un, au milieu d'une bande de filles. Nos deux groupes se sont posés, installés pour discuter... Mais, soudain, des fumigènes ont commencé à envahir la "Plage". Il fallut rebrousser chemin dare-dare. Tous en se donnant la main et en suivant celui qui était capable de retrouver le chemin à l'aveugle.

De retour à la surface, dans le tunnel de la Petite Ceinture, nous reprîmes les conversations si brutalement interrompues mais, déjà, les gars qui nous avaient invités déjà se levaient et rentraient. Avec mon pote, nous leur avons donc emboîtés le poids. Mais chemin faisant, quelques pas et quelques mots échangés plus loin, nous décidions de les abandonner pour retrouver ces Anglaises et Suédoises. Qu'auriez-vous fait ?

Pour l'anecdote, nous sommes retournés plusieurs fois avec elles dans les catacombes. Sans les autres. Nous avions simplement photocopié leur carte. Et, comme avec mon pote, on était du genre "petit joueur", nous avions également investi dans une bombe de peinture pour marquer d'un signe chaque carrefour... C'était surtout le début d'une amitié. Pendant les cinq ans qui ont suivi notre volte-face dans le tunnel, une grande partie de ma vie sociale et amoureuse a découlé de cette rencontre initiale et de toutes celles qu'elle a entraînée. Moi qui ai toujours été attiré par le soleil et le Sud, j'ai découvert l'Europe du Nord et la Grande-Bretagne... Mais ces voyages qui forment la jeunesse m'ont aussi fait prendre conscience de notre côté latin. Même si j'ai depuis longtemps perdu tout contact, c'est tout ça que m'évoque ce film avec Saul Williams...

"Pavilhão de Espelhos", un avant-goût du nouvel album de Roberta Sá

2011-11-24T23:42:00.048+01:00

Roberta Sá s'est désormais clairement imposée comme une des chanteuses brésiliennes de sa génération à suivre de près, une jeune artiste qui concilie succès commercial et artistique. Elle s'apprête à sortir, début 2012, son cinquième album studio et nous en offre un aperçu, le morceau "Pavilhão de Espelhos", clip et mp3 à l'appui.

"Pavilhão de Espelhos" est une chanson composée par Lula Queiroga, l'ancien complice de Lenine, de l'époque de leurs débuts respectifs. Ce titre compte avec les participations de Vincent Segal au violoncelle et de Ballaké Sissoko à la kora, qui ensemble ont sorti un beau disque de rencontre musicale, profonde et intime. Ils sont ici tellement intimes qu'on les entend à peine dans le mix.

Pour dire les chose tout de go, je n'ai jamais autant aimé le travail de Roberta Sá que sur son précédent album, Quando o Canto é Reza. Accompagnée du Trio Madeira Brasil, elle interprétait les chansons de Roque Ferreira et nous l'avions présenté ici-même fin avril. La virtuosité de ces formidables musiciens enrichissait les harmonies du génial sambiste bahianais, un adepte de la simplicité la plus brute. Elle revient ici au versant "moderne" de sa carrière. Mais le titre de mise en bouche, ce "Pavilhão de Espelhos", nous laisse cependant sur notre faim. Une rythmique mécanique et un son plus formaté représenteraient-ils finalement le cours normal des choses pour cette jeune artiste ? L'album avec le Trio Madeira Brasil ne fut malheureusement qu'une parenthèse enchantée.

Quant au clip, il touche au degré zéro de la créativité, d'une terrible banalité... cosmétique. Roberta marche le long de la plage, plan sur les vagues, Roberta est sur une barque, plan sur les vagues... Mais, plus on filme les vagues, moins on en fait. Si elle déclare bénéficier d'une complète liberté artistique, on sent bien la présence du mécène dans la réalisation du clip. Roberta Sá fait en effet partie des artistes soutenus par Natura, la célèbre marque de cosmétiques brésilienne et qui est, reconnaissons-le, très impliquée dans la musique.

D'ailleurs, le morceau est disponible en téléchargement gratuit sur le site de Natura Musical. Mais, encore une fois, au vu du bitrate, un dérisoire 128 kbps, on ne comprend pas la pingrerie de la chose. Le geste n'est pas franc du collier car si vous décidez de proposer de la musique en téléchargement gratuit, faites-le bien, allez-y carrément. Proposez du 320 kbps, voire même du FLAC tant qu'à faire !

Roberta Sá, "Pavilhão de Espelhos" @ Natura Musical (mp3 128 kbps)

"Cara Palavra", ou comment faire rocker la casbah selon Karina Buhr !

2011-11-23T23:21:00.000+01:00

Il faut un certain culot pour tourner son clip au milieu de la foule d'un souk marocain, la tête voilée d'un foulard mais le corps agité de soubresauts comme une rockeuse hystérique balançant des coups de tatanes dans le vide. De culot, Karina Buhr n'en manque pas. Elle a improvisé le tournage du premier clip de son deuxième album Longe de Onde, lors d'un séjour à Casablanca. Des images fortes et une musique énervée : avec "Cara Palavra", Karina Buhr vient de réussir son "Rock The Casbah"...

De Récife à São Paulo, Karina Buhr se trouve depuis quinze ans au cœur des effervescences artistiques brésiliennes. A Récife, elle a participé à l'explosion du mangue-beat, elle y a collaboré avec les groupes Bonsucesso Samba Clube ou Eddie, a chanté pour DJ Dolores. Elle a également eu une révélation pour le maracatu, découvert tardivement, mais s'est alors mise à voyager dans l'intérieur du Pernambouc en compagnie de Siba et Helder Vasconcelos, membres de Mestre Ambrosio, pour y creuser vers les racines. Elle a joué avec les "nations" de maracatu Piaba de Ouro et Estrela Brilhante, avant de fonder le groupe féminin Comadre Fulozinha. Une formation demeurée emblématique qui s'attaquait au répertoire régional des cirandas et autres cocos, où les voix s'appuyaient principalement sur les percussions. Puis, en s'installant à São Paulo, elle a répondu à l'invitation de José Celso Martinez Corrêa, le fameux Zé Celso, et a intégré plusieurs années durant à la compagnie Teatro Oficina, compagnie qu'il a lui-même fondée. Tout en lançant sa carrière solo. Déjà un sacré parcours.

Karina Buhr est aussi celle qui est en train de dévergonder la douce Teresa Cristina et lui donne envie de renouer avec ses premières amours rock, alors qu'elle a construit toute sa carrière en faisant redécouvrir le samba à ses jeunes compatriotes. Elles ne savent pas encore si leur collaboration deviendra un album ou un spectacle mais l'anecdote en dit long. Karina Buhr est convaincante et elle est la plus rock de sa génération de chanteuses. Doit-on y voir une rupture avec la musique de ses débuts ? Non, elle dit aimer "le rock'n'roll avec basse, batterie et guitare et le coco seulement avec percussions et voix !".

Longe de Onde est plus rock que coco. Dans une interview accordée à Márcio Bulk pour son excellent blog Banda Desenhada, une interview comme d'habitude longue et passionnante, elle était interrogée sur le risque que son clip soit accusé de recycler les éternels clichés sur le monde arabe. Nous sommes pourtant loin des préjugés de la novela O Clone, diffusée il y a une dizaine d'années, et qui accumulait les poncifs à la tonne. Il faut au contraire un vrai courage pour se prêter au jeu dans ces conditions.

"S'il y a bien une chose que le clip n'est pas, c'est cliché. Sauf en le regardant avec mauvaise foi. Quand on l'a fait, on a fait très attention mais, même comme ça, on savait qu'il y aurait toujours quelqu'un pour trouver ça cliché. On est allé jouer au Roskilde Festival, au Danemark, et au retour, on a décidé de s'arrêter et prendre une semaine à Casablanca. Nous avions l'impression que ce lieu avait beaucoup à voir avec l'idée de l'album et, particulièrement, de "Cada Palavra". Et si nous avions tourné au Danemark ? Est-ce que ça aurait posé un problème ? Là, ça ne sonnerait pas comme des préjugés ? On était là, au Maroc, on se baladait avec les mêmes vêtements que tout le monde, on ne fantasmait pas. C'est une question d'attention et de respect, de ne pas vouloir établir une séparation".

Mais les fantasmes de la presse, eux, sont bel et bien figés. "Tu devais bien t'y attendre", lui demandait Márcio ? "A ma façon, j'ai voulu questionner l'idée de l'Occident normal et l'Orient exotique, répondait-elle. Le problème, c'est que des reportages ont été publiés où on me traitait de "kamikaze", de mulher bomba. Kamikaze ?! Tout ça parce que j'avais un voile sur les cheveux. Ils trouvaient que ça faisait déguisement ! Ali Baba et les quarante voleurs ! Aladdin et la lanterne magique ! Et ce clip n'a rien à voir avec l'Irak ! Il y a beaucoup de gens qui se sont embarqués dans ce cliché jusqu'à affirmer que j'étais en burqa ! Il se trouve que j'ai porté ce voile plusieurs fois pour me promener en ville. Et ce genre de remarques me rend tellement dingue que j'ai arrêté de lire ce qui était écrit sur moi. Tu n'as aucun contrôle là-dessus et tu vas te retrouver avec des jugements débiles qui réduisent ton travail à tout ça".

S'arrêter à ça serait effectivement stupide, qu'elle ait fait une provocation de ce maquillage outrancier et de ce foulard, c'est indéniable, mais le symbole est pourtant clair : ce voile, elle l'arrache ! Et ce serait aussi dommage de passer à côté du joli raffut de guitares, œuvre d'Edgard Scandurra et Fernando Catatau. Et sur le souk, personne ne bronche pour demander à cette foldingue de se calmer...

L'album est en téléchargement gratuit (un peu chiche : un petit mp3 160 kbps !) :

Karina Buhr, Longe de Onde (2011) @ Musicoteca

01. Carapalavra
02. A Pessoa Morre
03. Não me Ame Tanto
04. Guitarristas de Copacabana
05. Sem Fazer Idéia
06. Para Ser Romântica
07. Cadáver
08. The War’s Dancing Floor
09. Copo de Veneno
10. Amor Branco
11. Não Precisa Me Procurar

Toutes les citations sont extraites de "Agitando a Casbah", l'interview de Karina Buhr par Márcio Bulk pour Banda Desenhada

Le site de Karina Buhr...

Les MarginalS à la Casa de Francisca avec Criolo et Lurdez da Luz

2011-11-21T23:40:00.002+01:00

Il est difficile de trouver un groupe plus radical que MarginalS. Issu de la scène indépendante de São Paulo, ce trio instrumental composé de Thiago França au saxophone, Marcelo Cabral à la basse et Anthony Gordin à la batterie, s'est lancé dans l'expérimentation en direct et sans filet. Leur musique est essentiellement improvisée. Ils commencent à jouer... et la musique fut ! L'album qu'ils ont sorti cette année n'a pas de nom et leurs morceaux pas de titre. Il a été intégralement enregistré en une seule prise ! Avec eux, on appuie sur "Record" et c'est dans la boîte. Et c'est encore un euphémisme de dire qu'ils ne font pas de concessions.

Sur scène, l'alchimie opère et l'improvisation est leur seul guide. "On considère le son comme une route, expliquait Thiago França au site Na Mira do Groove. Les concerts durent toujours une heure. Et on ne chronomètre rien. C'est notre connexion au temps - ce n'est pas quelque chose qu'on peut expliquer mais qu'on sent".

Les voici réunis à la Casa de Francisca, minuscule salle de concert-restaurant. Ils ont invité Lurdez da Luz (ex-Mamelo Sound System) et Criolo à poser leur flow sur leur flux, lequels sont soutenus et inspirés par le trio MarginalS, ici mué en backing band de rêve. Lurdez da Luz interprète "Andei" et "Lamento" quand Criolo se lance dans "Linha de Frente", un des titres les plus forts de son album Nó Na Orelha.

Gabi Jacob a réalisé ce petit film, un extrait du concert. On appréciera le grain de l'image et les couleurs, mais on restera dubitatif sur son sens du cadrage. Faut-il y voir un manifeste louant les vertus du hors-champ ?

Le "Zumbi" de Jorge Ben pour le Dia da Consciência Negra

2011-11-20T22:06:00.000+01:00

Au Brésil, le 20 novembre est le Jour de la Conscience Noire. Un jour dans l'année pour réfléchir à la place qu'occupent les Noirs dans la société brésilienne. Le moment d'évoquer les inégalités, les discriminations, les préjugés. Et parce que le constat ne se suffit pas, il faut aussi chercher la reconnaissance et organiser la résistance. Cette date a justement été choisie pour son caractère symbolique. C'est celle de la mort de Zumbi.

Zumbi dos Palmares est un des plus grands personnages de l'histoire du Brésil. Si Zumbi est né libre, en 1655, dans un quilombo, un de ces villages de Marrons ayant fui l'esclavage, il fut capturé enfant par des soldats portugais qui le confièrent au Père Antonio Melo, lequel se chargea de son éducation. Mais, à quinze ans, Zumbi s'évada pour rejoindre le quilombo. Il en devint son chef de guerre et, pendant près de vingt ans, résista vaillamment à l'armée portugaise et ses mercenaires. Le quilombo de Palmares, situé dans l'état d'Alagoas (mais qui à l'époque dépendait du Pernambouc) est un symbole de résistance et Zumbi un héros au courage légendaire. Il fut tué et décapité par les troupes portugaises le 20 novembre 1695.

Depuis les années soixante, cette date a été choisie pour rappeler combien il restait encore du chemin à parcourir pour améliorer la situation des populations noires au Brésil. A deux semaines de fêter ce qui, au Brésil, pourrait être un synonyme de ce Jour de la Conscience Noire, la journée du samba, le 4 décembre, voici un morceau tout à fait de circonstance : "Zumbi", interprété par son auteur, Jorge Ben !

Un titre extrait de son album A Tábua de Esmeralda, en 1974. Cette version a été enregistrée en 1977 pour l'émission Fantástico de TV Globo. Des images d'archives, ce qui compense leur mauvaise qualité...

Thalma de Freitas dans Les Petites Planètes

2011-11-19T23:45:00.000+01:00

Quand je découvrais la collection Les Petites Planètes réalisée par Vincent Moon, en parcourant la liste des films prévus, j'ai tout de suite été impatient de découvrir celui consacré à Thalma de Freitas. On connaît le principe désormais puisque nous avons déjà relayé ici quelques escales brésiliennes de son périple autour du monde. Cet ancien de la Blogothèque voyage léger et filme les musiciens dans leur environnement. En train de faire de la musique, et de préférence en évitant le cadre trop conventionnel d'un concert. Le tout réalisé sous licence Creative Commons et uniquement financé par les dons...

On l'ignore ici mais la belle Thalma de Freitas est une vedette au Brésil. Si, en tant que chanteuse, elle s'est toujours consacrée à des projets exigeants, voire expérimentaux, elle doit cette liberté artistique en matière de musique à sa carrière d'actrice pour la Globo ! Jouer dans une novela n'est pas une école de la sobriété, aussi je me souviens avoir vu un extrait (sur YouTube) d'un de ses rôles. Alors que je cherchais des images de Dorival Caymmi, je la trouve en train d'interpréter "Vatapá" dans une adaptation de Dona Flor pour Globo. Et si je n'avais pas déjà su qui était Thalma, je dois bien dire que je n'aurais guère été curieux d'en apprendre plus sur elle !

Heureusement, ses projets musicaux sont plus ambitieux. Et si elle n'a pas encore sorti d'album, seulement un EP, Thalma de Freitas est une figure charismatique de la nouvelle scène brésilienne. Si elle est une des voix de l'Orquestra Imperial, on a aussi pu l'entendre avec 3 Na Massa ou Anelis Assumpção. Elle a également participé à l'adaptation scénique de l'ambitieux Macunaima Opera Tupi de Iara Rennó, etc...

A Rio, dans son quartier de Santa Teresa, en haut des morros, elle s'est installée dans une grande bâtisse, l'ancien consulat du Salvador, pour la transformer en laboratoire artistique, pépinière de talents. C'est là, à Miradouro, qu'est allé séjourner Vincent Moon. En pactisant : un hébergement en échange d'un film.

Un film surprenant qui nous montre Rio sous la pluie et pendant lequel on suit Thalma jetant un œil sur la baie de Guanabara, se faisant prendre en photo par des gens qui la reconnaissent. Elle chante a cappella, avec son casque sur les oreilles, mais c'est Laércio de Freitas, le père de Thalma, qui donne son charme musical au film. Sur le piano de João Donato, il improvise et lui donne littéralement sa couleur. Dans des tons de gris...

Les Petites Planètes : pour voir les autres films ou faire une donation...

Vincent Moon a raconté son film...

Il pleut dehors, monsieur

by Vincent Moon

Le piano de Thalma était beau mais trop vieux. Il gisait dans un coin de la grande salle de bal, dans cette vieille demeure perdue sur les hauteurs de Santa Teresa. Les collines du quartier se perdaient entre les arbres, passant de vieux châteaux effondrés en favelas en expansion. Tout un Brésil se croise le long de ces rues pentues, vieux bourgeois silencieux et jeunes familles pauvres et bruyantes se côtoient et se saluent. Quelqu'un disait que la favela d'en dessous de chez Thalma faisait partie des favelas 'pacifiés' mais d'autres n'en étaient pas sûrs. Cela faisait près d'un mois que je m'étais posé tout la-haut, regardant chaque matin le soleil se lever sur les paysages inexplorés de la zone nord de Rio de Janeiro, tandis que le Christ sur sa colline était le plus beau point de repère que l'on puisse imaginer. C'est bien autre chose que la Statue de la Liberté dont seules les photos nous prouvent l'existence.

Mais Laércio n'avait que faire d'un piano. Cela faisait plusieurs semaines qu'on le croisait à la table de la cuisine, penché sur des partitions qu'il remplissait de son écriture raffinée. Lorsqu'on lui demandait, il disait qu'il écrivait des arrangements. Il ne parlait pas beaucoup mais riait souvent, avec ses petites blagues qu'il glissait dans un français charmant. Il gloussait d'elles et reprenait le fil de sa partition, en silence. J'avais promis à Thalma que je lui ferai un film si elle me faisait une place chez elle. Un toit contre des images, ça valait la peine, et je me demandais comment associer Thalma et son père dans un film commun.

Il pleut à Rio. Il plu beaucoup ce mois là, autour du jour de l'an, et la ville tend à perdre beaucoup de son charme sous les trombes d'eau. On peut aimer Paris sous la pluie, Jakarta au crépuscule, Moscou sous la neige ou Tokyo au printemps, mais c'est bien de plein soleil que se nourrit Rio, lorsque les cariocas n'ont d'autre désir que de se laisser tomber sur le sable de Copacabana, de Ipanema, et de prélasser leurs corps en oubliant le programme de leur journée. L'image de Rio sous la pluie n'existe pas dans les 'images de Rio', et par chance ce jour de tournage avec Thalma, la pluie fut notre compagnon.

Thalma est un feu follet, une star au Brésil, qui ne se cache heureusement pas mais salue à tour de bras les fans de son sitcom qui est rediffusé continuellement sur Globo TV. Elle me dit qu'elle touche de l'argent à chaque diffusion, et qu'elle en fait profiter ses amis en les hébergeant, en les aidant dans leurs créations. Une mécène moderne, elle même créatrice, chanteuse au sein de l'Orquestra Imperial et dans diverses collaborations plus ou moins improvisées. Son père est presque son contraire, personnage taciturne et discret, porté sur la préparation et non l'exécution, compositeur et arrangeur jouant rarement en live, personnage de l'ombre.

Thalma dans les rues de Rio, Laércio restant à la maison… L'image était presque trop belle. On partit donc ce jour-là avec Thalma vers le Corcovado, puis vers la pointe nord de Copacabana, là ou les pêcheurs dépassent en nombre les baigneurs. Thalma improvisait en accapella, chantant parfois une vieille mélodie, jouant de la présence de la caméra en regardant au large. Ce n'est que quelques jours plus tard que, le soleil revenu, on emmenait Laércio devant ces images, sur le piano du grand João Donato, improviser à son tour, amener ses touches de père qui regarde sa fille déambuler sa ville. Une double improvisation à quelques jours de distance composant une ode à la plus belle ville du monde. Et toujours reste cette question, qui est ce qui vient en premier, le père ou la fille?